Format : Score and Parts
SKU: FL.FX071607
SKU: DZ.DZ-4308
ISBN 9782898522253.
Following a recent experience on the jury of a guitar competition, I noted with great pleasure that Giorgio Mirto, with whom I had shared the role of juror, wanted to celebrate the experience of the competition - during from which we discovered that we had had a great affinity of thought - with something which could endure over time and not evaporate as often happens in short and occasional meetings between musicians. He did it as a true composer, which he is, and dedicated to me a very beautifully crafted Suite to which I allowed myself to collaborate at least formally, by suggesting titles for the four movements. This is how Suite n.1 was born, a piece that does not strictly respect the formal rules of the Baroque era, but reinterprets and reuses them in a new key. The work's obvious late Baroque inspiration led me to find titles that invited the performer to delve deeper into the work's aesthetic inspiration. So I suggested to Giorgio that he title the four movements with something that linked their content to four greats of the 18th century. German masters. The prelude has thus become from Eisenach because of its sometimes improvised Bach-like atmosphere, the second movement, vaguely toccata, speaks an organ language in the manner of Buxtehude (who lived in Lübeck), the slow movement has a Handelian quality - and Handel was born in Halle - and the last movement, far from being a true Chaconne, undoubtedly has the latter's taste for variation and ostinato, typical traits of Telemann who lived in Magdeburg. The cities that appear in the titles are therefore indelible to the authors cited. Furthermore, one should not think that the style of the work is in any way German, given that Giorgio Mirto expresses himself in a very joyful language that synthesizes modality with minimalism, all seasoned with a a nod to Pink's progressive rock Floyd. or a Mike Oldfield... The result of this mixture of ideas, inspirations and styles is a work that personally I never tire of reading and rereading, for the freshness that emanates from it and for the climate expressive which rises, nourishing itself with full efficiency. We ultimately cannot ignore that the note B, the one which marks in a minor way some of the most expressive works of the guitar repertoire, from the study of Sor which made generations of students fall in love with the guitar, until to that of Frank Martin's Four Pieces via La Catedral di Barrios, is the modal fulcrum of the entire Suite: it is true that the Prelude begins with a clear chord in E minor and lingers on an open ending in A minor , but it almost seems that the initial E serves as a launching pad for a continuation of the work in which the dominant, that is to say the B, is the true musical North, the pole star which guides us in the other three movements until the end of the Chaconne de Magdebourg. I wish Giorgio and our Suite great longevity and a favorable destiny in the complex and complex world of contemporary guitar composition. And I thank him again, flattered by his very kind dedication.FRANCESCO BIRAGHIAu lendemain d'une récente expérience au sein du jury d'un concours de guitare, j'ai constaté avec grand plaisir que Giorgio Mirto, avec qui j'avais partagé le rôle de juré, souhaitait célébrer l'expérience du concours - au cours de laquelle nous avons découvert que nous avions eu un grand affinité de pensée - avec quelque chose qui pourrait perdurer dans le temps et ne pas s'évaporer comme cela arrive souvent lors de rencontres courtes et occasionnelles entre musiciens. Il l'a fait en véritable compositeur, ce qu'il est, et m'a dédié une Suite d'une très belle facture àlaquelle je me suis permis de collaborer au moins formellement, en suggérant des titres pour les quatre mouvements. C'est ainsi qu'est née la Suite n.1, une pièce qui ne respecte pas strictement les règles formelles de l'époque baroque, mais les réinterprète et les réutilise dans une nouvelle tonalité. L'inspiration évidente du baroque tardif de l'à Âuvre m'a amené àtrouver des titres qui invitaient l'interprète àapprofondir l'inspiration esthétique de l'à Âuvre. J'ai donc suggéré àGiorgio de titrer les quatre mouvements avec quelque chose qui reliait leur contenu àquatre grands du XVIIIe siècle. Maîtres allemands. Le prélude est ainsi devenu d'Eisenach en raison de son atmosphère parfois improvisée àla Bach, le deuxième mouvement, vaguement toccata, parle un langage d'orgue àla manière de Buxtehude (qui vivait àLübeck), le mouvement lent a un Qualité haendélienne - et Haendel est né àHalle - et le dernier mouvement, loin d'être une véritable Chaconne, a sans doute le goût de cette dernière pour la variation et l'ostinato, traits typiques de Telemann qui vivait àMagdebourg. Les villes qui apparaissent dans les titres sont donc indélébiles aux auteurs cités. De plus, il ne faut pas penser que le style de l'à Âuvre soit en aucune façon allemand, étant donné que Giorgio Mirto s'exprime dans un langage très joyeux qui synthétise la modalité avec le minimalisme, le tout assaisonné d'un clin d'à Âil au rock progressif Floyd de Pink. ou un Mike Oldfield... Le résultat de ce mélange d'idées, d'inspirations et de styles est un ouvrage que personnellement je ne me lasse pas de lire et de relire, pour la fraîcheur qui s'en dégage et pour le climat expressif qui monte, se nourrissant de plein efficacité. On ne peut finalement pas ignorer que la note B, celle qui marque de manière mineure certaines des à Âuvres les plus expressives du répertoire de guitare, depuis l'étude de Sor qui a fait tomber amoureux de la guitare des générations d'étudiants, jusqu'àcelle de Frank Martin Quatre Pièces via La Catedral di Barrios, est le point d'appui modal de toute la Suite : il est vrai que le Prélude commence par un accord clair en mi mineur et s'attarde sur une fin ouverte en la mineur, mais il semble presque que le mi initial sert de une rampe de lancement pour une suite de l'à Âuvre dans laquelle la dominante, c'est-à-dire le B, est le véritable Nord musical, l'étoile polaire qui nous guide dans les trois autres mouvements jusqu'àla fin de la Chaconne de Magdebourg. Je souhaite àGiorgio et àë notre û Suite une grande longévité et un destin favorable dans le monde complexe et complexe de la composition contemporaine pour guitare. Et je le remercie encore, flatté de son très aimable dévouement.FRANCESCO BIRAGHI.
SKU: BR.EB-9255
World premiere: Paris (Festival ,,Presences), February 13, 2017 (Quatuor Diotima)Commissioned by Radio France
ISBN 9790004185551. 9 x 12 inches.
C'est apres un entretien avec le Professeur Yuji Ikegaya concernant ses recherches en neurologie que j'ai voulu travailler sur quelques particularites fonctionnelles du cerveau humain. Quatre de ces specificites ont retenu mon attention. La premiere est ce qui est de l'ordre de l'autonomie ou de l'independance. En effet, alors qu'aucune stimulation exterieure n'ait lieu, le cerveau humain montre des activites spontanees qui s'expriment sous forme de patterns fixes. La seconde est le principe d'<> des gestes ou des phrases avec le fonctionnement des neurones miroirs : l'homme apprend en imitant les gestes des autres, c'est la source d'emotions comme la compassion ou la sympathie. La troisieme est liee a l'apprentissage spontane et l'auto-renouvellement du cerveau, faculte qui le differencie singulierement de l'ordinateur. Enfin la conscience du <>, qui est ce qui le differencie du cerveau de l'animal. J'ai trouve dans la forme classique et austere du quatuor un terrain d'exploration ideal pour elaborer ce projet musical. Le quatuor est en effet compose des quatre cerveaux des musiciens, mais il est egalement une entite a part entiere, un centre nevralgique unitaire. L'ecriture musicale procede ainsi par imitation, sur une base de patterns qui varie constamment dans une quete identitaire et dans son rapport a l'autre et aux autres (musiciens). L'autre, c'est egalement l'autiste, celui qui n'arrive pas bien a imiter et a comprendre les expressions, emotions et gestes exterieurs. La question des rapports devient alors celle de la dependance, de l'independance et/ou de l'interdependance. Elle est au centre de mon processus compositionnel qui, par l'organisation et la sonification des comportements aux differentes voix du quatuor, est egalement un moyen de me questionner en tant que compositrice, sur mon identite et sur mon propre rapport au monde. (Misato Mochizuki)World premiere: Paris (Festival ,,Presences), February 13, 2017 (Quatuor Diotima) Commissioned by Radio France.
SKU: BT.HITPCDEBGUI
French.
La méthode BEST-SELLER des guitaristes débutants : pour apprendre les bases et jouer rapidement ses premiers morceaux ! Dans cette version mise jour, la méthode de guitare de référence offre encore plus de morceaux connus, plus de schémas et dephotos en couleur, pour faciliter l’apprentissage de tous les néophytes.L’approche pédagogique reste celle qui a fait son succès : une progression pratique, agréable suivre, avec des explications claires qui ne nécessitent pas de notionspréalables en solfège. Pour le plaisir de jouer, 28 morceaux complets sont proposés en tablatures, avec paroles, accords, conseils de jeu précis. Pop, rock, chanson française, ariété internationale,blues, traditionnel. Autres instruments disponiblesdans la collection : Le clavier, La guitare électrique, La batterie ( paraître pour juillet 2007).
SKU: BT.SLB-00595900
INSSTR inches. French.
A previously unreleased piece by Francis Poulenc, published with permission from the Bibliothèque Historique de la Ville de Paris and Benoît Seringe, secretary of the Association des amis de Francis Poulenc [Association of the Friends ofFrancis Poulenc]. Le Voyageur sans bagage [The Traveller Without Luggage], which had been premiered in 1937 with music by Darius Milhaud, was reprised on 1 April 1944 at the Thé tre de la Michodière; Francis Poulenc was asked to compose new stage music. Theentire unpublished score lay undiscovered until Bérengère de l’Épine, a librarian at the Bibliothèque Historique de la Ville de Paris, announced the existence of a manuscript in the Association de la Régie Thé trale collection.Poulenc finalised the score between 19 and 21 March 1944. It contains nine songs, all written for a small instrumental ensemble including oboe, clarinet, cello and piano. However, at the end of the manuscript, the composer echoes the second song Lent [Slow] and creates another version for cello and piano; curiously, the original version of the song has not been erased in the manuscript. Poulenc seems to suggest that we consider the piece for cello and piano, that we have publishedhere, as a different piece of music. It was premiered on Wednesday 23 January 2013 by Marc Coppey, accompanied by Jean-François Heisser, in the organ auditorium of the Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris (CNSMDP), during thesymposium for the fiftieth anniversary of Poulenc’s death.Given in a dramatic context, some elements allow us to get an idea of the character of the piece, which Benoît Seringe, Poulenc’s beneficiary, judiciously chose to name Souvenirs.The main character of Anouilh’s play, Gaston, is suffering from amnesia at the end of World War One. Several families try to claim him; they want him to be their missing relative. The Renaud family prove to be particularly stubborn, but Gaston doesnot recognize himself in the child and young man they depict: a ruthless and violent person. In Act 1 Scene 3, left alone for a moment, overwhelmed by the story of the “old Gaston†that is gradually coming to light, and outraged by the desire ofthose around him to appropriate him (to the detriment of the person he would like to be from now on), he whispers these words: “You all have proof, photographs that look like me, memories as clear as day… I’ve listened to you all and it’s slowlycausing a hybrid person to rise up in me; a person in which there is a piece of each of your sons and nothing of me.†Poulenc chose to place the second piece from his stage music score as these words are spoken.He borrowed part of the material, as he often did, from an earlier composition. In this particular case, the beginning is a recycled version of the “slow and melancholic†section from L’Histoire de Babar , composed between 1940 and 1945, andpremiered in 1946 (unless it is Babar that reuses the musical idea from Voyageur ).The eponymous elephant decides to leave in search of the great forest. He embraces the old lady, promises her he will return and reassures her that he will never forget her. Left alone, the old lady, feeling sad and pensive, wonders when she’ll seeher friend Babar again. The situation is similar to that in Voyageur sans bagage: solitude, sadness, a distressing and introspective time, fear of oblivion, the presence of memories…Pièce inédite de Francis Poulenc, publiée avec l’autorisation de la Bibliothèque historique de la ville de Paris et de Benoît Seringe, secrétaire de l’Association des Amis de Francis Poulenc.Le 1er avril 1944, Le Voyageur sans bagage d’Anouilh, qui avait été créé en 1937 avec de la musique de Darius Milhaud, est repris au Thé tre de la Michodière. Francis Poulenc a été sollicité afin d’écrire une nouvelle musique de scène. On ignoraittout de cette partition inédite, jusqu’au jour où Bérengère de l’Épine, conservateur la Bibliothèque historique de la ville de Paris, nous signala l’existence d’un manuscrit dans le fonds de l’Association de la Régie thé trale.Poulenc mit au point sa partition entre le 19 et le 21 mars 1944. Elle comprend neuf numéros, tous écrits pour un petit effectif instrumental réunissant un hautbois, une clarinette, un violoncelle et un piano.Cependant, la fin de son manuscrit, le compositeur reprend le no 2 Lent et en donne une seconde version, pour violoncelle et piano. Curieusement, la version originale de ce numéro n’est pas biffée dans le manuscrit.Poulenc semble nous inviter considérer comme un morceau distinct cette pièce pour violoncelle et piano dont nous proposons ici l’édition. Elle a été créée par Marc Coppey, accompagné de Jean-François Heisser, lors du concert donné durant lecolloque organisé pour le cinquantenaire du décès de Poulenc, le mercredi 23 janvier 2013, salle d’orgue du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP).Quelques éléments sur le contexte dramatique permettront de se faire une idée du caractère du morceau, que Benoît Seringe, ayant droit Poulenc, a judicieusement choisi d’intituler Souvenirs.Le personnage principal de la pièce d’Anouilh, Gaston, a été retrouvé amnésique la fin de la Première Guerre Mondiale. Plusieurs familles le réclament. On veut voir en lui un parent disparu. Les Renaud se montrent particulièrement tenaces ; maisGaston ne parvient se reconnaître dans l’enfant et le jeune homme dont on lui trace le portrait : un être violent et sans scrupule. Au tableau 3 de l’acte I, resté seul un moment, écrasé par l’histoire de cet autre lui-même qu’il découvre peu peu, indigné par le désir des personnes qui l’entourent de le ramener elles au détriment de celui qu’il voudrait être désormais, il se murmure ces paroles : « Vous avez tous des preuves, des photographies ressemblantes, des souvenirs précis commedes crimes… je vous écoute tous et je sens surgir peu peu derrière moi un être hybride où il y a un peu de chacun de vos fils et rien de moi »…C’est sur ces mots que Poulenc a choisi de placer le no 2 de sa partition de musique de scène.Comme il le fait souvent, il emprunte une composition antérieure une part de son matériau. Dans ce cas précis, il réutilise pour le début du morceau la section « Lent et mélancolique » de l’Histoire de Babar, composée entre 1940 et 1945, créée en1946 ( moins que ce ne soit Babar qui réutilise l’idée musicale du Voyageur). Le héros-éléphant s’est décidé partir pour retrouver la grande forêt. Il a embrassé la vieille dame, lui a promis de revenir, l’a rassurée : jamais il ne l’oubliera.Restée seule, la vieille dame, triste et pensive, se demande quand elle reverra son ami Babar. La situation est similaire celle du Voyageur sans bagage : solitude, tristesse, instantde trouble et de retour sur soi, crainte de l’oubli, présence des souvenirs….
SKU: HL.44011313
UPC: 884088891480. 9x12 inches. English(US)/Espanol.
Gaudi is het eerste deel van een tweedelige symfonie die Ferrer Ferran opdroeg aan de beroemde Spaanse architect Antoni Gaudi. In verschillende stappen beschrijft Ferran het leven van de geniale architect die bekend stond om zijn ronde, organische vormen: van het bescheiden begin tot aan de Sagrada Familia, zijn levenswerk. De muzikale lijnen zijn vloeiend en organisch en de structuur is groots, kleurrijk en fascinerend. Net zoals de bouwwerken van de Catalaanse meester zelf...!Gaudi is het eerste deel van een tweedelige symfonie die Ferrer Ferran opdroeg aan de beroemde Spaanse architect Antoni Gaudi. In verschillende stappen beschrijft Ferran het leven van de geniale architect: van het bescheiden begintot aan de Sagrada Familia, zijn levenswerk. Gaudi stond bekend om stond zijn ronde, organische vormen. De muzikale lijnen van dit werk zijn vloeiend en organisch en de structuur is groots, kleurrijk en fascinerend. Net zoals debouwwerken van de Catalaanse meester zelf...!Gaudi ist der erste Teil einer zweiteiligen Symphonie, die Ferrer Ferran dem berühmten spanischen Architekten Antoni Gaudi widmete. In mehreren Etappen zeichnet Ferran darin das Leben des genialen Architekten und Meisters der runden, organischen Formen nach: von den bescheidenen Anfangen bis zur Sagrada Familia, die zu einer Lebensaufgabe wurde. Wie Gaudis Architektur sind die musikalischen Linien flüssig und organisch und die Struktur gross angelegt, farbenreich und faszinierend.Fils d'un modeste chaudronnier, Antoni Gaudi i Cornet nait a Reus dans la province de Tarragone, le 25 juin 1852. Souffrant de rhumatismes articulaires particulierement invalidants, Gaudi fut contraint a de longues periodes de repos des son plus jeune age. Il passait des heures a observer la nature. Gaudi a octroye un nouveau langage artistique a l'architecture. Son style unique se caracterise par des lignes souples et des formes organiques inspirees de la nature. Il experimentait de nouveaux materiaux et de nouvelles formes. Selon sa maniere habituelle de travailler, Gaudi realisait quelques esquisses du batiment a construire et improvisa la construction au fur et a mesure queles travaux avancaient. Selon l'un de ses biographes : << [Gaudi] vit clairement que [les] formes geometriques simples ne se trouvent pratiquement jamais dans la nature, qui, d'autre part, construit d'excellentes structures, accreditees par de larges siecles d'efficacite. La structure d'un arbre est d'une perfection rare, bien plus complexe et plus aboutie que les structures creees par les architectes. >> Le simple changement geometrique opere par Gaudi devint une revolution stylistique indolore, car la conception de la geometrie architecturale du maitre catalan reposait sur des concepts bien plus anciens que les normes geometriques inventees par les autres architectes. Antoni Gaudi a consacre toute sa vie a son art, au point de s'isoler des autres pendant les dernieres annees de sa vie. Le 7 juin 1926, il est renverse par un tramway au croisement de la Gran Via et de la rue Bailen, a Barcelone. Vetu de vetements elimes et uses, personne ne reconnut en lui le celebre architecte, gisant sur le sol. Il mourut trois jours plus tard, et fut inhume dans la crypte de la Sagrada Familia. Gaudi e la prima parte della sinfonia in due parti che Ferrer Ferran ha dedicato al famoso architetto spagnolo Antoni Gaudi. Ferran ripercorre a tappe la vita del geniale architetto: dai suoi modesti debutti fino alla costruzione della Sagrada Familia, progetto di tutta una vita. Le linee musicali sono fluide e curve come l'architettura di Gaudi, la trama luminosa colorita e aff ascinante come gli edifici da lui realizzati.
SKU: BT.DHP-1094445-010
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Marsyas ist ein Satyr aus den Metamorphosen des griechischen Dichters Ovid (43 v. Chr.-17 n. Chr.). Er findet eine von der Göttin Athene weggeworfene Flöte und spielt bald so gut, dass ihn Apollo zu einem musikalischen Wettstreit zwischen Flöte und Lyra herausfordert. Durch einen üblen Trick verliert Marsyas und erleidet eine grausame Strafe. Diese Sage bot eine ausgezeichnete Vorlage für ein spannendes Solowerk für Flöte, in welchem auch die Harfe (Lyra) erklingt.Si les récits de métamorphoses furent très populaires dans l’Antiquité gréco-romaine, le recueil du poète latin Ovide [43 av. J.-C./17 apr. J.-C.] est de loin le plus célèbre. Les quinze livres des Métamorphoses racontent la formation du monde et les transformations légendaires des dieux et des hommes en animaux, en plantes ou en objets. Parmi les nombreuses histoires de métamorphoses relatées par Ovide, on trouve celle de Marsyas, un satyre originaire de Célènes en Phrygie. Fils d’Hyagnis, considéré comme l’inventeur de l’harmonie phrygienne, Marsyas excellait dans la musique. Un jour, Athéna fit une fl te double et en joua un banquet des dieux. Tournée en dérisionpar Héra et Aphrodite, et ayant constaté elle-même, en voyant le reflet de son visage dans l’eau, que l’instrument, quand elle en jouait, lui déformait les traits, elle jeta la fl te en maudissant quiconque la ramasserait. Cette malédiction frappa le satyre Marsyas qui la trouva et en joua magnifiquement, au grand plaisir des paysans des contrées phrygiennes qui l’écoutaient et qui prétendirent que le dieu Apollon en personne n’aurait pu mieux faire avec sa lyre. Apollon entra dans une colère formidable et proposa l’insolent satyre un concours musical dont le vainqueur pourrait faire subir au vaincu le ch timent de son choix. Les Muses et le roi Midas, choisis comme juges, ne réussirent pas départager les concurrents. Alors, Apollon joua de la lyre l’envers et demanda Marsyas d’en faire autant avec son instrument. Cela était impossible. Marsyas n’y parvint pas, et Apollon fut déclaré vainqueur. Il se vengea du satyre de la plus cruelle façon : il l’attacha un pin et l’écorcha vif.Certains racontent qu’Apollon, se repentant de sa vengeance, métamorphosa en fleuve le corps de Marsyas. D’autres prétendent que le sang de Marsyas ou les larmes versées par les nymphes et les satyres, privés des enchantements de sa fl te, formèrent le fleuve de Phrygie qui porte son nom. / Marsyas fut créé le 22 juillet 2005 Bordes sur Arize en Ariège par le.
SKU: BT.DHP-1094445-140
SKU: FL.FX071606
SKU: HL.44010560
UPC: 884088481704. 9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Marsyas ist ein Satyr aus den Metamorphosen des griechischen Dichters Ovid (43 v. Chr.-17 n. Chr.). Er findet eine von der Gottin Athene weggeworfene Flote und spielt bald so gut, dass ihn Apollo zu einem musikalischen Wettstreit zwischen Flote und Lyra herausfordert. Durch einen üblen Trick verliert Marsyas und erleidet eine grausame Strafe. Diese Sage bot eine ausgezeichnete Vorlage für ein spannendes Solowerk für Flote, in welchem auch die Harfe (Lyra) erklingt.Si les recits de metamorphoses furent tres populaires dans l'Antiquite greco-romaine, le recueil du poete latin Ovide [43 av. J.-C./17 apr. J.-C.] est de loin le plus celebre. Les quinze livres des Metamorphoses racontent la formation du monde et les transformations legendaires des dieux et des hommes en animaux, en plantes ou en objets. Parmi les nombreuses histoires de metamorphoses relatees par Ovide, on trouve celle de Marsyas, un satyre originaire de Celenes en Phrygie. Fils d'Hyagnis, considere comme l'inventeur de l'harmonie phrygienne, Marsyas excellait dans la musique. Un jour, Athena fit une flute double et en joua a un banquet des dieux. Tournee en derisionpar Hera et Aphrodite, et ayant constate elle-meme, en voyant le reflet de son visage dans l'eau, que l'instrument, quand elle en jouait, lui deformait les traits, elle jeta la flute en maudissant quiconque la ramasserait. Cette malediction frappa le satyre Marsyas qui la trouva et en joua magnifiquement, au grand plaisir des paysans des contrees phrygiennes qui l'ecoutaient et qui pretendirent que le dieu Apollon en personne n'aurait pu mieux faire avec sa lyre. Apollon entra dans une colere formidable et proposa a l'insolent satyre un concours musical dont le vainqueur pourrait faire subir au vaincu le chatiment de son choix. Les Muses et le roi Midas, choisis comme juges, ne reussirent pas a departager les concurrents. Alors, Apollon joua de la lyre a l'envers et demanda a Marsyas d'en faire autant avec son instrument. Cela etait impossible. Marsyas n'y parvint pas, et Apollon fut declare vainqueur. Il se vengea du satyre de la plus cruelle facon : il l'attacha a un pin et l'ecorcha vif.Certains racontent qu'Apollon, se repentant de sa vengeance, metamorphosa en fleuve le corps de Marsyas. D'autres pretendent que le sang de Marsyas ou les larmes versees par les nymphes et les satyres, prives des enchantements de sa flute, formerent le fleuve de Phrygie qui porte son nom. / Marsyas fut cree le 22 juillet 2005 a Bordes sur Arize en Ariege par le.
SKU: BU.EBR-A101
ISBN 9790560153797. 8.58 x 12.48 inches.
La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix d’œuvres classiques, allant de la Renaissance à l’époque moderne.Proposer tout à la fois des « incontournables » du répertoire classique et des pièces de compositeurs parfois oubliés, toutes d’une valeur pédagogique indéniable, tels sont les objectifs que nous nous sommes fixés. Chaque pièce, vendue à l’unité, a fait l’objet d’un travail éditorial attentif, tant sur le plan de l’établissement du texte musical que de sa gravure, afin de garantir aux musiciens les conditions indispensables aux plaisirs tirés du commerce fréquent de ces œuvres.Les partitions sont proposées sous la forme d’ouvrages traditionnels (feuillets papier), et disponibles également par téléchargement.Les cancans, que l'on attribue souvent à Jacques Offenbach, ne sont en réalité que des détournements de ses compositions. Le cas le plus célèbre est celui du galop infernal (nom d'un pas de danse), issu de l’œuvre Orphée aux enfers (1858), que l'on se permet souvent de renommer French Cancan. Cette transformation est faite de manière abusive, car l’appellation de French Cancan n'existait pas à l’époque où Jacques Offenbach composait.Le cancan est une danse populaire, inventée au début du XIXème siècle. Il était à la base exécutée en couple dans les bals et les cabarets, et faisait partie des danses très mal vues par les familles mondaines. Le nom Cancan, attribué semble t’il à l’origine parce que les danseurs imitaient la démarche et le cri de l’oie, est ensuite devenu, par une transformation touristique d'origine anglaise (coincoin / cancan) le French Cancan.Cette danse donne l'image d'une société parisienne frivole, proche de celle décrite de façon caricaturale dans La vie parisienne. Les femmes sont vite seules à le danser, en rang, face au public, et les nombreux pas de pattes en l’air laissent souvent apparaître les dessous raffinés de l’époque…que le peintre Toulouse-Lautrec aura plaisir à illustrer.
SKU: BT.AMP-489-401
ISBN 9789043160391. English-German-French-Dutch.
Aria was commissioned by and written for the remarkable tenor horn player, Sheona White. Philip Sparke had produced a CD recording with Sheona as soloist and had her wonderful sound in his ears while writing this piece. The work opens with an accompanied recitative, which leads to a change of key where the main melody is presented. This, in turn, serves merely as an introduction to another melodic idea, marked calmato. The piano accompaniment takes up this theme and then takes centre stage with a passionate repeat of the main theme, which is completed by the soloist. The piano then plays the calmato theme against which the soloist plays a counter melody. This leads to a return of the opening recitative which brings the work to a peaceful close.Aria is geschreven in opdracht van en voor de buitengewone althoorniste Sheona White. Componist Philip Sparke heeft een cd-opname geproduceerd met Sheona als soliste, en tijdens het schrijven van dit werk hij had steeds haar prachtige geluid in gedachten. Het werk opent met een begeleid recitatief, dat uitmondt in een modulatie waarmee de hoofdmelodie wordt aangekondigd, die vervolgens weer dient als inleiding tot een ander melodisch idee, dat als calmato is gemarkeerd. De pianobegeleiding pakt dit thema op en neemt de hoofdrol over met een gepassioneerde herhaling van het hoofdthema, dat door de solist wordt voltooid. Daarna speelt de piano het calmato-thema in samenspel met de solist, die een tegenmelodie ten gehore brengt. Met een herneming van het openingsrecitatief wordt het werk in vredige sfeer afgesloten.Aria entstand im Auftrag von Sheona White, einer bemerkenswerten Tenorhornspielerin, für die das Stück auch geschrieben wurde. Philip Sparke hatte bereits eine CD mit Sheona als Solistin aufgenommen und komponierte dieses Stück mit dem wundervollen Klang ihres Spiels im Ohr. Das Werk beginnt mit einem begleiteten Rezitativ, welches zu einem Tonartwechsel bei der Präsentation der Hauptmelodie führt. Diese wiederum dient hauptsächlich zur Einführung einer weiteren melodischen Idee, die mit Calmato bezeichnet wird. Die Klavierbegleitung nimmt dieses Thema auf. Dann tritt sie mit einer leidenschaftlichen Wiederholung des Hauptthemas, welche durch den Solisten ergänzt wird, in den Vordergrund. Daraufhin spielt das Klavier das Calmato-Thema, dem der Solist eine Gegenmelodie entgegensetzt. Dies führt zur Rückkehr des Rezitativs der Eröffnung, welches das Werk zu einem friedlichen Ende leitet.Commande de la remarquable joueuse de saxhorn alto Sheona White, Aria a été écrite spécifiquement pour elle. Philips Sparke avait produit l’enregistrement d’un CD dont Sheona était la soliste et, en écrivant cette pièce, il « entendait » encore ses merveilleuses sonorités. L’oeuvre débute avec un récitatif accompagné qui mène un changement de tonalité où est exposée la mélodie principale. Celle-ci, son tour, sert simplement d’introduction une autre mélodie, indiquée calmato. L’accompagnement au piano reprend ce thème puis devient le centre d’attention avec une reprise passionnée du thème principal, qui est complété par la soliste. Le piano joue ensuite le thème calmato tandis que la soliste interprète une contre-mélodie. Ce passage mène un retour du récitatif du début qui conduit l’oeuvre une conclusion paisible.
SKU: BT.DHP-1084332-140
Border Zone vertelt een muzikaal verhaal over het dorp Dinxperlo. Deel een begint met de Batavierenrace, een studentenestafetteloop van de universiteit van Nijmegen naar die van Twente, die na een route door Duitsland bij Dinxperloweer de grens overgaat. Dit thema wordt afgewisseld met spannende maten waarin de smokkelaars worden verklankt die hier vroeger actief waren. In deel twee komt de jaarlijkse processie in Dinxperlo tot uiting. Deel drie geeftde grensmarkt weer die jaarlijks op Hemelvaartsdag plaatsvindt, afgewisseld met koraalmatige klanken - gebaseerd op het kleinste kerkje van Nederland. Beide elementen voeren het werk naar een pakkend einde.Border Zone ist eine musikalische Erzählung in drei zusammenhängenden Sätzen. Diese beschreiben verschiedene Szenen aus einem holländischen Dorf nahe der deutschen Grenze: Satz eins beginnt mit einem traditionellen Staffellauf, der sich mit einem zweiten Thema über die Schmuggler im Grenzgebiet abwechselt. Im zweiten Satz wird die eine Prozession im Dorf musikalisch wiedergegeben, im dritten Satz der lebhafte Grenzmarkt und zum Schluss die Festlichkeiten zu Pfingsten. Bunt und abwechslungsreich!Border Zone (Zone frontalière) est une œuvre en trois tableaux musicaux qui racontent l’histoire de Dinxperlo, un village situé l’est des Pays-Bas dans la région de l’Achterhoek, non loin de la frontière allemande.Le premier tableau s’ouvre avec une description de la Course des Bataves, une course de relais inter-universitaire entre l’Université de Nimègue et celle de Twente. Après un passage sur le sol allemand, les participants reviennent aux Pays-Bas en traversant la frontière Dinxperlo. Ce thème est joué en alternance avec un thème énergique et audacieux qui dépeint les contrebandiers, longtemps très actifs, des deux côtés de la frontière. Le second tableauillustre la grande procession qui a lieu chaque année Dinxperlo. Le troisième et dernier tableau s’ouvre sur les sons joyeux qui montent du traditionnel marché de Pentecôte qui s’étend de l’autre côté de la frontière. Les sons animés du marché sont entrecoupés d’un tissu sonore écrit dans l’esthétique d’un choral et qui fait référence la plus petite église des Pays-Bas, un site culturel très prisé. Les deux thèmes cheminent vers un finale brillant et passionnant.
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Border Zone vertelt een muzikaal verhaal over het dorp Dinxperlo. Deel een begint met de Batavierenrace, een studentenestafetteloop van de universiteit van Nijmegen naar die van Twente, die na een route door Duitsland bij Dinxperloweer de grens overgaat. Dit thema wordt afgewisseld met spannende maten waarin de smokkelaars worden verklankt die hier vroeger actief waren. In deel twee komt de jaarlijkse processie in Dinxperlo tot uiting. Deel drie geeftde grensmarkt weer die jaarlijks op Hemelvaartsdag plaatsvindt, afgewisseld met koraalmatige klanken - gebaseerd op het kleinste kerkje van Nederland. Beide elementen voeren het werk naar een pakkend einde.Border Zone ist eine musikalische Erzählung in drei zusammenhängenden Sätzen. Diese beschreiben verschiedene Szenen aus einem holländischen Dorf nahe der deutschen Grenze: Satz eins beginnt mit einem traditionellen Staffellauf, der sich mit einem zweiten Thema u?ber die Schmuggler im Grenzgebiet abwechselt. Im zweiten Satz wird die eine Prozession im Dorf musikalisch wiedergegeben, im dritten Satz der lebhafte Grenzmarkt und zum Schluss die Festlichkeiten zu Pfingsten. Bunt und abwechslungsreich!Border Zone (Zone frontalière) est une ?uvre en trois tableaux musicaux qui racontent lâ??histoire de Dinxperlo, un village situé lâ??est des Pays-Bas dans la région de lâ??Achterhoek, non loin de la frontière allemande.Le premier tableau sâ??ouvre avec une description de la Course des Bataves, une course de relais inter-universitaire entre lâ??Université de Nimègue et celle de Twente. Après un passage sur le sol allemand, les participants reviennent aux Pays-Bas en traversant la frontière Dinxperlo. Ce thème est joué en alternance avec un thème énergique et audacieux qui dépeint les contrebandiers, longtemps très actifs, des deux côtés de la frontière. Le second tableauillustre la grande procession qui a lieu chaque année Dinxperlo. Le troisième et dernier tableau sâ??ouvre sur les sons joyeux qui montent du traditionnel marché de Pentecôte qui sâ??étend de lâ??autre côté de la frontière. Les sons animés du marché sont entrecoupés dâ??un tissu sonore écrit dans lâ??esthétique dâ??un choral et qui fait référence la plus petite église des Pays-Bas, un site culturel très prisé. Les deux thèmes cheminent vers un finale brillant et passionnant.
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Mame became Broadway Grammy winning composer Jerry Herman’s second international success following that of Hello, Dolly!. Naohiro Iwai has chosen the biggest hits from Mame for his medley. Mame war 1966 nach Hello, Dolly! der zweite weltweite Musical-Erfolg für den Broadwaykomponisten Jerry Herman - übertroffen vielleicht nur durch das spätere Ein Käfig voller Narren. Aus Mame, für das Herman mit einem Grammy für das beste Musical und einem weiteren Grammy als Komponist und Texter ausgezeichnet wurde, sind in diesem flotten Medley vier Titel verarbeitet. Jerry Herman, est l’auteur de plusieurs grands succès de Broadway, dont Hello, Dolly! (1964) et l’inoubliable Cage aux Folles(1983), entre autres. La comédie musicale Mame (1966) fut son deuxième grand succès, dont le souvenir est indissociablement lié la créatrice du rôle principal, la délicieuse Angela Lansbury. Inspirée par un roman de Patrick Dennis, l’histoire de Mame est celle d’un petit garçon qui, la mort de ses parents la fin des années 1920, est recueilli par sa tante Mame, une femme un peu excentrique mais terriblement attachante, qui mène une vie de fêtes perpétuelles avec la “jet set†new-yorkaise. Difficile de ne se pas se laisser entraînerpar cet excellent arrangement de l’une des œuvres emblématiques de l’ ge d’or de Broadway. Difficile non lasciarsi entusiasmare da questo eccellente arrangiamento di una delle opere emblematiche dell’et d’oro di Broadway. La commedia musicale Mame firmata Jerry Herman, è ispirata da un romanzo di Patrick Dennis. La storia è quella di un ragazzino che dopo la morte dei suoi genitori viene adottato dalla zia Mame, una donna eccentrica ma molto buona che conduce una vita da “jet-setter†a New York.
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Mame became Broadway Grammy winning composer Jerry Herman's second international success following that of Hello, Dolly!. Naohiro Iwai has chosen the biggest hits from Mame for his medley. Mame war 1966 nach Hello, Dolly! der zweite weltweite Musical-Erfolg fur den Broadwaykomponisten Jerry Herman - ubertroffen vielleicht nur durch das spatere Ein Kafig voller Narren. Aus Mame, fur das Herman mit einem Grammy fur das beste Musical und einem weiteren Grammy als Komponist und Texter ausgezeichnet wurde, sind in diesem flotten Medley vier Titel verarbeitet. Jerry Herman, est l'auteur de plusieurs grands succes de Broadway, dont Hello, Dolly! (1964) et l'inoubliable Cage aux Folles(1983), entre autres. La comedie musicale Mame (1966) fut son deuxieme grand succes, dont le souvenir est indissociablement lie a la creatrice du role principal, la delicieuse Angela Lansbury. Inspiree par un roman de Patrick Dennis, l'histoire de Mame est celle d'un petit garcon qui, a la mort de ses parents a la fin des annees 1920, est recueilli par sa tante Mame, une femme un peu excentrique mais terriblement attachante, qui mene une vie de fetes perpetuelles avec la jet set new-yorkaise. Difficile de ne se pas se laisser entrainerpar cet excellent arrangement de l'une des œuvres emblematiques de l'age d'or de Broadway. Difficile non lasciarsi entusiasmare da questo eccellente arrangiamento di una delle opere emblematiche dell'eta d'oro di Broadway. La commedia musicale Mame firmata Jerry Herman, e ispirata da un romanzo di Patrick Dennis. La storia e quella di un ragazzino che dopo la morte dei suoi genitori viene adottato dalla zia Mame, una donna eccentrica ma molto buona che conduce una vita da jet-setter a New York.
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This work for soprano and concert band was originally written for a special occasion: the wedding of one of the composer’s children. It therefore matches another piece written for a similar occasion “I Shall Love But Theeâ€. The lyrics are from the book Respiro Neve by the internationally renowned art photographer Luca Artioli who possesses poetic talent as well. The first movement is stately and serene as where the contrasting allegro is much more dynamic and cheerful, requiring the solid high register of the singer. The conclusion is festive and radiant, partly thanks to the contribution of a piccolo trumpet! This work is a wonderful addition to the bandrepertoire wanting to perform with an excellent vocal soloist! Deze compositie voor sopraan en kamerorkest is net als Van der Roosts eerdere werk I Shall Love But Thee oorspronkelijk geschreven voor een speciale gelegenheid: het huwelijk van een van de kinderen van de componist. De teksten komen uit het boek Respiro Neve van de internationaal gerenommeerde kunstfotograaf Luca Artioli, die ook poëtische talenten heeft. Het eerste deel is statig en sereen: het contrasterende allegro is veel dynamischer en opgewekter en vergt heel wat van de soliste, vooral in het hoge register. Het slot is feestelijk en stralend, mede dankzij de inbreng van de piccolotrompet. Dit werk is een aanwinst voor het repertoire van elk goed orkest datmet een uitstekende soliste wil/kan concerteren! Dieses Werk für Sopran und Blasorchester wurde ursprünglich für einen besonderen Anlass geschrieben: die Hochzeit eines der Kinder des Komponisten. Es passt daher zu einem anderen Stück, das für einen ähnlichen Anlass komponiert wurde: I Shall Love But Thee. Die Texte stammen aus dem Buch Respiro Neve des international renommierten Kunstfotografen Luca Artioli der auch poetisches Talent besitzt. Der erste Satz ist würdevoll und ruhig, wohingegen das gegensätzliche Allegro viel dynamischer und fröhlicher ist und von der Sängerin ein solides hohes Register erfordert. Der Schluss ist festlich und strahlend, auch durch die Verwendung der Piccolotrompete! DiesesWerk ist eine wunderbare Ergänzung zum Repertoire für Blasorchester, die mit einer hervorragenden Gesangssolistin auftreten möchten! Cette Å“uvre pour soprano et orchestre d’harmonie fut écrite, l’origine, pour une occasion bien spéciale : le mariage d’un des enfants du compositeur. Elle s’apparente ainsi une autre pièce écrite pour une occasion semblable, I Shall Love But Thee. Les paroles sont tirées du livre Respiro Neve de Luca Artioli, photographe artistique de renommée internationale qui jouit également d’un talent poétique. Le premier mouvement est majestueux et serein, tandis que l’allegro, très contrasté, est bien plus dynamique et joyeux, et exige un solide registre aigu de la part de la chanteuse. La conclusion est festive et éclatante, en partie gr ce la présence d’une trompettepiccolo. Cette pièce forme ainsi une merveilleuse option pour tout bon orchestre désireux de se produire avec une excellente soliste !
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From the beginning of the Middle Ages, we have known performance practices in which the duration of the notes can differ from the actual notation. In some cases, binary written melodies were performed in a ternary way. This isalso the case in the present-day shuffle: the written quavers are performed in a long-short system in which the ratio is 2:1. In other words, the performance practice is based on a triplet feel. In this composition, allingredients of the shuffle are featured: a vigorous swing rhythm, a walking bass, the successions of thirds in the accompaniment and the frequent use of triplets. To make sure that the binary written rhythms in the accompanimentsare performed in the correct ternary manner, Peter Kleine Schaars has notated the melody themes in triplets as much as possible. Thus, this composition is a very useful exercise for the swing development of your ensemble.Additionally, the work is a treat to listen to, so your audience will really appreciate this up-tempo big band like composition. All ternary rhythmic cells 17 till 24 pass in revue, furthermore much attention had been paid to acorrect performance of cell 4 in swing feel. Al vanaf het begin van de middeleeuwen kennen we uitvoeringspraktijken waarbij de lengte van de noten anders kan zijn dan de daadwerkelijke notatie. Zo werden in sommige gevallen binair uitgeschreven melodieën ternair uitgevoerd.Dat is ook het geval bij de hedendaagse shuffle: de geschreven achtsten worden uitgevoerd in een lang-kortsysteem waarbij de verhouding 2:1 geldt. Oftewel de uitvoeringspraktijk is gebaseerd op een triolenfeel. In deze compositiekomen alle ingrediënten van de shuffle aan bod: een stevig swingritme, een walking bass, oplopende tertsenreeksen in de begeleiding en veelvuldig gebruik van triolen. Om ervoor te zorgen dat de binair genoteerde ritmieken in debegeleidingen op de juiste ternaire wijze worden uitgevoerd, heeft Peter Kleine Schaars de melodiethema’s zoveel mogelijk uitgeschreven in triolen. Hierdoor is deze compositie een zeer bruikbare oefening voor de swingontwikkelingvan uw ensemble. Daarnaast is het werk een feest om naar te luisteren en zal het publiek deze uptempo bigbandachtige compositie zeker waarderen. Alle ternaire ritmische cellen 17 tot 24 passeren de revue, daarnaast is er veelaandacht voor een juiste uitvoering van cel 4 in swingfeel. Seit Beginn des Mittelalters sind uns Aufführungspraktiken bekannt, bei denen die Dauer der Noten von der tatsächlichen Notation abweichen kann. In einigen Fällen wurden binär geschriebene Melodien ternär gespielt. Dies ist auchbeim modernen Shuffle der Fall: Die notierten Achtelnoten werden in einem Lang-Kurz-System“ im Verhältnis 2:1 ausgeführt. Mit anderen Worten, die Aufführungspraxis basiert auf einem Triolengefühl. In dieser Komposition sind alleZutaten des Shuffle enthalten: ein kräftiger Swing-Rhythmus, ein Walking Bass, eine Abfolge von Terzen in der Begleitung und die häufige Verwendung von Triolen. Um sicherzustellen, dass die binär geschriebenen Rhythmen in denBegleitungen ternär ausgeführt werden, hat Peter Kleine Schaars die Melodiethemen so weit wie möglich als Triolen notiert. Daher eignet sich diese Komposition zum Üben des Swings. Darüber hinaus hört sich das Stück so schön an,dass Ihr Publikum von dieser schnellen Big-Band-ähnlichen Komposition begeistert sein wird. Die ternären Rhythmus-Einheiten 17 bis 24 kommen alle vor, außerdem wurde ein Schwerpunkt auf die korrekte Umsetzung der Rhythmus-Einheit4 im Swing-Stil gelegt.Si nous remontons au début du Moyen ge, nous savons que, selon certaines coutumes d’interprétation, la durée des notes pouvait différer de la notation. Parfois, des mélodies écrites en binaire étaient même interprétées enternaire. C’est le cas de ce shuffle contemporain : les croches écrites sont jouées selon un système long-court où le rapport est de 2:1. Autrement dit, en pratique, l’interprétation est fondée sur un ressenti ternaire. Tous lesingrédients du shuffle sont présents dans cette composition : un rythme de swing vigoureux, une basse walking, les successions de tierces dans l’accompagnement et l’emploi fréquent de triolets. Pour s’assurer que les rythmesécrits en binaire dans l’accompagnement soient interprétés en ternaire, Peter Kleine Schaars a, dans la mesure du possible, noté les thèmes de la mélodie en triolets. Cette pièce forme donc un exercice très utile pour permettre votre ensemble d’apprendre le swing. En outre, son écoute est un vrai plaisir, et votre public appréciera pleinement cette pièce de style big band au rythme enlevé. Toutes les cellules rythmiques ternaires 17 24 sont passées enrevue et une grande attention a été portée l’interprétation correcte de la cellule 4, donc avec un ressenti swing.
