Le Baccanti

SKU: HL.50492151

ISBN 9788875925802. Italian.

LIBRETTO.< /p>

SKU: HL.50485430

ISBN 9780634071218. UPC: 073999504163. 7.75x10.5x0.631 inches.

SKU: HL.49015389

ISBN 9790001081719. 12.0x8.75x0.342 inches. German. Andreas Schuermann.

Ruth und Naoyuki Taneda beschaftigen sich seit vielen Jahren mit der Musikerziehung von Kindern ab drei Jahren. In dieser Schule zeigen sie auf, dass es moglich ist, bei Kleinkindern uber das Medium Farbe (farbige Noten) das absolute Gehor zu entwickeln, also jene Horfahigkeit, die bisher als angeborenes Privileg einiger weniger, besonders begnadeter Musiker galt. Die Autoren betrachten den Mythos absolutes Gehor ganz nuchtern und zeigen, welche Moglichkeiten er fur die Musikerziehung am Klavier bietet. Sie weisen damit einen neuen Weg fur den fruhinstrumentalen Unterricht.

SKU: BT.1914-12-140-MS

9x12 inches. English-German-French-Dut ch.

La Bamba is actually an old folk song from South America. This happy dance tune first achieved worldwide success through the rock ’n’ roll singer Ritchie Valens, however, who in 1958 gave the song his own incomparable treatment. And it’s this version that the experienced arranger Naohiro Iwai took as the basis fort his wind orchestra version.

La Bamba is eigenlijk een oud volksliedje uit Zuid-Amerika. Wereldwijde bekendheid verkreeg het vrolijke danslied door de Rock-‘n’-Rol l zanger Richie Valens die het in 1958 op geheel eigen wijze vertolkte. Deze versie nam arrangeur Naohiro Iwai als basis voor zijn versie voor blaasorkest.

La Bamba ist eigentlich ein altes Volkslied aus Südamerika. Weltweite Bekanntheit erlangte das fröhliche Tanzlied jedoch durch den Rock-‘n’-Rol l-Sänger Ritchie Valens, der 1958 dem Lied seine eigene Note verlieh. Eben diese berühmte Fassung nahm sich der erfahrene Arrangeur Naohiro Iwai als Basis für diese Blasorchesterbearbeitung.

La Bamba est, en fait, une vieille chanson folklorique sud-américaine. Cette danse joyeuse a connu son premier succès mondial en 1958 gr ce au chanteur rock’n’roll Richie Valens, qui lui conféra une ambiance incomparable. Et c’est cette version que l’arrangeur expérimenté Naohiro Iwai a pris comme point de départ pour cette adaptation pour orchestre d’harmonie.

La Bamba è una canzone folk sudamericana che ebbe però notoriet mondiale grazie al cantante Ritchie Valens che nel 1958 apportò il suo tocco personale alla musica. Naohiro Iwai si è ispirato a questa versione per creare il suo arrangiamento per banda.

SKU: BA.BA06863

ISBN 9790260105317. 34.2 x 27 cm inches. Text Language: Church Slavic.

“The Glagolitic Mass”, one of the 20th century masterpieces of sacred music, has a very complex genesis and constitutes an intricate editorial challenge.

This new critical edition presents two different versions of the work in two separate volumes (B/5-I, BA 6862 und B/5-II, BA 6863): the “September 1927” version which the composer completed before the first rehearsals and subsequent premiere in Brno and the version he partly reworked for the first Prague performance in April 1928. This second version was then revised further and published after Janacek’s death by Universal Edition Wien in 1930. Known as the “final authorised version“, it has been newly edited for this publication which is based on the engraver’s copy of the score prepared by Janacek’s regular copyist Václav Sedlacek.

The new Barenreiter edition also contains an informative preface (Cz/Eng/Ger/Fr/Ru) as well as detailed critical commentary. The “September 1927” version can be seen more as a supplement and appears without text commentary.

About Barenreiter Urtext

What can I expect from a Barenreiter Urtext edition?< /p>

MUSICOLOGICA LLY SOUND
- A reliable musical text based on all available sources
- A description of the sources
- Information on the genesis and history of the work
- Valuable notes on performance practice
- Includes an introduction with critical commentary explaining source discrepancies and editorial decisions

... AND PRACTICAL
- Page-turns, fold-out pages, and cues where you need them
- A well-presented layout and a user-friendly format
- Excellent print quality
- Superior paper and binding

SKU: BT.1914-12-010-MS

9x12 inches. English-German-French-Dut ch.

La Bamba is actually an old folk song from South America. This happy dance tune first achieved worldwide success through the rock ’n’ roll singer Ritchie Valens, however, who in 1958 gave the song his own incomparable treatment. And it’s this version that the experienced arranger Naohiro Iwai took as the basis fort his wind orchestra version.

La Bamba is eigenlijk een oud volksliedje uit Zuid-Amerika. Wereldwijde bekendheid verkreeg het vrolijke danslied door de Rock-‘n’-Rol l zanger Richie Valens die het in 1958 op geheel eigen wijze vertolkte. Deze versie nam arrangeur Naohiro Iwai als basis voor zijn versie voor blaasorkest.

La Bamba ist eigentlich ein altes Volkslied aus Südamerika. Weltweite Bekanntheit erlangte das fröhliche Tanzlied jedoch durch den Rock-‘n’-Rol l-Sänger Ritchie Valens, der 1958 dem Lied seine eigene Note verlieh. Eben diese berühmte Fassung nahm sich der erfahrene Arrangeur Naohiro Iwai als Basis für diese Blasorchesterbearbeitung.

La Bamba est, en fait, une vieille chanson folklorique sud-américaine. Cette danse joyeuse a connu son premier succès mondial en 1958 gr ce au chanteur rock’n’roll Richie Valens, qui lui conféra une ambiance incomparable. Et c’est cette version que l’arrangeur expérimenté Naohiro Iwai a pris comme point de départ pour cette adaptation pour orchestre d’harmonie.

La Bamba è una canzone folk sudamericana che ebbe però notoriet mondiale grazie al cantante Ritchie Valens che nel 1958 apportò il suo tocco personale alla musica. Naohiro Iwai si è ispirato a questa versione per creare il suo arrangiamento per banda.

SKU: HL.49005736

ISBN 9783795722128. German.

Die lebhafte Diskusion um die Neue Musik verlangt heute eine grundsatzliche Besinnung auf das, was als Form in der Musik bezeichnet zu werden pflegt. Diese Besinnung kann nicht von den traditionellen Formenlehren ausgehen, die sich damit begnugen, die Werke der europaischen Kunstmusik nach konventionellen Form-Namen zu klassifizieren; sie kann auch nicht unbesehen jene neuen Gesichtspunkte und Vokabeln ubernehmen, die der kunftigen Entwicklung kategorisch den Weg weisen wollen. Sie muss in umfassender Weise die Grundlagen prufen, die Bedingungen abwagen, die uns berechtigen, von Form in der Musik zu sprechen. Sie muss sich auseinandersetzen mit den historischen Gegebenheiten wie mit den zeiteigenen Bestrebungen und den neueren Erkenntnissen der Hilfswissenschaften, z.B. der Physiologie des Horens und der akustischen Bedingungen des Musizierens. Sie muss den neuerdings viel gebrauchten Terminus Struktur untersuchen und klaren sowie das Verhaltnis die Form betreffender Aussagen zur Asthetik definieren.Im ersten Teil dieses Buche werden die historischen Aspekte der Musizierformen, beginnend mit Analysen von Volksliedern aller Kontinente, fortschreitend bis zu den Gebilden der europaischen Kunstmusik unserer Zeit behandelt. Der Grundsatz, jedes Musikstuck der Form nach als eigenstandig und unabhangig von traditionellen verbalen Bezeichnungen anzusehen, fuhrt auf uberraschende Einsichten, z.B. uber die Rolle der Dualform im 18. un dder Entfaltungsform im 20. Jahrhundert.Ein zweiter, allgemein-theoretischer Teil untersucht die materiellen, physiologischen und psychologischen Voraussetzungen fur das Formen mit Tonen. Es ergibt sich ein Formbegriff, aus dem die geschichtlich unabhangigen Moglichkeiten der Reihung, der Gleichgewichtsbildung und der Entfaltung hervorgehen. Sie stehen jeweils in definierter Beziehung zum physiologischen Zeitablauf und umschreiben alle historisch gegebenen Gebilde.Uber 100 Notenbeispiele verdeutlichen den Text, ausfuhrliche Register ermoglichen rasche Orientierung.

SKU: CF.CPS264

ISBN 9781491161418. UPC: 680160920006.

Some of the first music I remember hearing as a child was folk dance music from around the world. My parents were avid folk dancers, and they used to host weekly folk dance evenings in our basement. Some nights, when I was supposed to be in bed, I would stand with my ear to the door, listening to this fascinating music that drifted up the stairs. I didn't know what each piece was, but the melodies have stayed with me. Tropanka is one of those tunes. Tropanka (pronounced tro-PAHN-kuh) is a folk dance from Bulgaria, and the title means stomping dance. One can hear two repeated notes at the end of each phrase - this is where the dancers stomp. Patsh Tantz (pronounced PAHTSH tahnts) is a classic example of Klezmer, which is East European Jewish folk music. The title is Yiddish for clapping dance, and all the players get the chance to clap at certain points in their individual part. Klezmer music is often quite exciting, and this arrangement includes the characteristic accelerando, building excitement as the piece drives to the end. Both movements should be played rhythmically, and as it is folk music that would be danced to by untrained dancers, often wearing boots or other flat-soled shoes, adding weight to many of the downbeats will help bring out the earthy character of the music. Since my parents met while folk dancing, I made these arrangements (originally in a version for string quartet) as a gift in celebration of their 50th wedding anniversary.
Some of the first music I remember hearing as a child was folk dance music from around the world. My parents were avid folk dancers, and they used to host weekly folk dance evenings in our basement.  Some nights, when I was supposed to be in bed, I would stand with my ear to the door, listening to this fascinating music that drifted up the stairs. I didn’t know what each piece was, but the melodies have stayed with me. Tropanka is one of those tunes. Tropanka (pronounced “tro-PAHN-kuh� �) is a folk dance from Bulgaria, and the title means “stomping dance”. One can hear two repeated notes at the end of each phrase – this is where the dancers stomp. Patsh Tantz (pronounced “PAHTSH tahnts”) is a classic example of Klezmer, which is East European Jewish folk music. The title is Yiddish for “clapping dance”, and all the players get the chance to clap at certain points in their individual part. Klezmer music is often quite exciting, and this arrangement includes the characteristic accelerando, building excitement as the piece drives to the end.Both movements should be played rhythmically, and as it is folk music that would be danced to by untrained dancers, often wearing boots or other flat-soled shoes, adding weight to many of the downbeats will help bring out the “earthy” character of the music. Since my parents met while folk dancing, I made these arrangements (originally in a version for string quartet) as a gift in celebration of their 50th wedding anniversary.

SKU: HL.49007897

ISBN 9790001084536. 9.0x12.0x0.072 inches.

Die fruhe Sonata kann als Schlusselwerk fur Tatjana Komarovas internationale Bekanntheit bezeichnet werden. 1992 fuhrte ihr Ehemann Lars Vogt sie in allen grossen Stadten der USA von New York bis Los Angeles auf und stellte sie bis 1995 in ganz Europa der Offentlichkeit vor. Frankfurt, Leipzig, Amsterdam, Paris, Prag und Athen sind nur einige Beispiele. Das Werk eignet sich hervorragend fur den Vortrag in allen Arten von Konzertsalen und beinhaltet einen weiten Blick auf die grosse Spannweite von Komarovas kompositorischen Fahigkeiten.

SKU: HL.49020804

ISBN 9783254001184. German.

Obwohl Charles Ives (1874-1954) eine grundliche musikalische Ausbildung an der Yale University genossen hatte, schlug er sehr bald eine erfolgreiche Laufbahn als Versicherungskaufmann ein und widmete sich seiner musikalischen Arbeit nur abends und an den Wochenenden. In fast volliger Isolation vom Musikgeschehen der Zeit schuf er ein umfangreiches OEuvre, dessen grosse Bedeutung erst in den 60er Jahren entdeckt wurde: Ives entpuppt sich darin als radikaler Neuerer, der sowohl mit der damals gangigen musikalischen Syntax als auch den auffuhrungspraktischen Bedingungen seiner Zeit weitgehend brach. Allerdings ware es verfehlt, ihn bloss zum musikalischen Enfant terrible abzustempeln, das sich dank seiner materiellen Unabhangigkeit uber die Grenzen des Musikbetriebes hinwegsetzen konnte. Dafur war Ives ein viel zu reflektierender, verantwortungsbewusster Mensch, der zudem fest in der denkerischen Tradition des neuenglischen Transzendentalismus verwurzelt war. So gesehen erstaunt es kaum, dass Ives sich ausser der Musik - und gewissermassen parallel dazu - noch eines andern Mediums, des literarisch-philosophisch en Essays, bediente, um seinen Uberzeugungen Ausdruck zu verschaffen.Dies gilt insbesondere fur Ives' tiefsinnigsten und ausgereiftesten Text, die Essays before a Sonata (1920), der als Begleitschrift zur zweiten Klaviersonate (Concord, Mass., 1840-1860) des Komponisten konzipiert war. Allerdings sind die Essays keineswegs ein Werkkommentar im traditionellen Sinne: Sie gehen zwar von konkreten musikasthetischen Fragen (namlich der Problematik der Programmmusik) aus, weiten sich aber zu einer sehr subjektiv gefarbten Darstellung von vier hochbedeutenden amerikanischen Schriftstellern des 19. Jahrhunderts aus - die Rede ist von Ralph Waldo Emerson, Nathaniel Hawthorne, Bronson Alcott und Henry David Thoreau. Die vier Hauptabschnitte der Essays, die den vier behandelten Autoren entsprechen, geben in ihrem innigen Konnex zu den vier Satzen der Concord-Sonata - er erstreckt sich von vagen inhaltlichen Vorstellungen und Bildern bis hin zu ganz konkreten syntaktischen und formalen Parallelen - Aufschluss uber die Kompositionsprinzipien nicht nur der Concord-Sonata, sondern der Musik Ives' ganz allgemein, so dass man die Essays before a Sonata als sehr gelungene und in ihrer Ausfuhrlichkeit wohl einmalige Paraphrase von Musik bezeichnen darf.Das Nachwort zu den 114 Liedern (1922) ist mit den Essays insofern verwandt, als es zwei langere Stellen aus ihnen zitiert. Diese Zitierpraxis - man begegnet ihr auch in Ives' Musik - ist bezeichnend fur Ives' Denkweise: Ives macht von seinem Stoff sehr flexiblen Gebrauch, er setzt ihn in der Art von Versatzstucken immer wieder neu zusammen und kommt so immer wieder zu einem neuen, anders gearteten Ganzen. So geht Ives im Nachwort weniger allgemein kunstphilosphischen Problemen als der ganz individuellen Frage nach, warum er die Musik nur als Nebenberuf ausuben wollte. Seine Antwort, die er mit seinem typischen Yankee-Humor vortragt, macht einerseits deutlich, wie sehr Ives von einem puritanischen Verantwortungsgefuhl gegenuber der Gesellschaft gepragt war, und zeigt andererseits Ives' tiefen Glauben an eine Musik, die fest im Alltagsleben verwurzelt und somit denkbar weit von der europaischen Tradition der art pour l'art entfernt war.Die Memos (ca. 1932-34) schliesslich sind ein Dokument ganz anderer Art: Weder sollten sie, wie die beiden andern hier vorgelegten Texte, ein bestimmtes musikalisches Werk begleiten, noch besitzen sie den hohen gedanklichen Ausspruch der Essays und des Nachworts. Es sind autobiographische Aufzeichnungen, die Ives ursprunglich diktierte, deren Manuskripte er aber danach mehrmals durchsah und korrigierte. Sie gliedern sich in drei lose aneinandergereihte Teile: Im Anlass betitelten Abschnitt nimmt Ives auf teils humoristische, teils sarkastische Weise zu den Anfeindungen Stellung, die ihm die damals sparlichen Auffuhrungen seiner Werke bescherten. Im Sammelalbum gibt er einen chronologischen Uberblick uber Entstehung und Gehalt seiner wichtigsten Werke. Und in den Erinnerungen verschafft Ives nochmals den Grundpositionen seiner idealistischen Musikasthetik, seiner Abneigung gegen jede Form von Kommerz und Routine und seiner Verachtung aller musikalischen Kleingeister Ausdruck. Uberdies sind die Memos - trotz ihrer defensiven Grundhaltung - so humorvoll, engagiert und bildreich verfasst, dass sie nicht nur die detaillierteste, sondern auch die wohl anregendste Primarquelle zum Leben und Werk dieses vielleicht eigenwilligsten Komponisten des fruhen 20. Jahrhunderts bilden.

SKU: BR.EB-3938

ISBN 9790004162057. 12 x 9 inches.

Antoine Brumel (ca. 1460-ca. 1520) Um 1460 in den franzosischen Niederlanden geboren, wirkte Antoine Brumel 1483 als Vorsanger an der Kathedrale zu Chartres, spater in Laon. 1498-1500 war er Chormeister an Notre-Dame in Paris. Uber Lyon kam er 1505 als Nachfolger Josquins an den Hof Alfonsos I. von Ferrara und starb wahrscheinlich um 1520. Brumel gilt als einer der bedeutendsten ,,Niederlander der Josquin-Generation. Er schrieb uberwiegend Kirchenmusik: Messen (u.a. die 12stimmige Missa ,,Et ecce terrae motus, die noch 1570 in Munchen unter der Leitung Orlando di Lassos aufgefuhrt wurde), Motetten, Magnificat-Vertonungen und Bicinien, ferner einige Chansons. Brumel ist ein Meister des polyphonen Satzes; gelegentlich treten homophone Partien auf (Missa ,,Dringhs). Hans Buchner (1483-1538) Buchner wurde am 26. Oktober 1483 in Ravensburg (Wurttemberg) geboren. Bereits in jungen Jahren kam er nach Augsburg und Innsbruck, wo er Schuler Paul Hofhaimers war. In Wien lernte er in der kaiserlichen Hofkantorei wahrscheinlich Heinrich Isaac und Ludwig Senfl kennen. 1506 wurde Buchner Organist in Konstanz. Er starb im Jahre 1538. Von ihm sind zahlreiche Kompositionen (Orgelwerke, Motetten, Lieder, Tanze) erhalten. Buchners Hauptwerk ist das ,,Fundamentum, ein theoretisch-praktisches Lehrbuch der Orgelspielkunst. Es enthalt Anweisungen zur Improvisation, zum Orgelspiel und zur lntavolierung sowie 145 Orgelkompositionen. Heinrich Finck (1444/45-1527) Finck stammt wahrscheinlich aus Bamberg, wo er um 1444/45 geboren wurde. Uber sein Leben ist wenig bekannt. Er wirkte an der koniglich-polnischen Hofkapelle in Krakau und Warschau, war aber daneben viel auf Reisen. 1510 wurde er Kapellmeister am Hof des Herzogs von Wurttemberg, wirkte spater am erzbischoflichen Hof in Salzburg und erhielt im hohen Alter die Stelle des Hofkapellmeisters Ferdinands I. in Wien, wo er am 9. Juni 1527 starb. Von Heinrich Fincks Kompositionen ist nur ein kleiner Teil uberliefert. An erster Stelle sind seine deutschen Lieder zu nennen; ausserdem schrieb Finck Messen (Missa in summis) und Motetten. Der Komponist gilt als der erste deutsche Grossmeister der Musik. Seine Fruhwerke zeigen zum Teil noch eine karge Dreistimmigkeit mit harten Zusammenklangen; spater wird sein Satz vollklingender, wahrscheinlich unter dem Einfluss der ,,Niederlander (Isaac). Josquin Desprez (ca.1440-1521/24) Josquin ist der beruhmteste Meister seiner Epoche, die nach ihm als Joaquin-Zeit bezeichnet wird. Er wurde um 1440 wahrscheinlich in der Picardie geboren und soll Schuler Ockeghems gewesen sein. 1459-1472 war Josquin Sanger der Mailander Domkantorei, 1473-1479 Mitglied der Kapelle am Hof der Sforza in Mailand. 1486-1494 wird Josquin als Mitglied der papstlichen Sangerkapelle in Rom genannt. Seine Tatigkeit als Chordirektor am Dom zu Cambrai 1495-1499 ist urkundlich nicht gesichert. Er komponierte fur den Hof Konig Ludwigs XII. von Frankreich und fur den Hof der Este in Ferrara. 1502 wurde Josquin von Ercole I. als Kapellmeister nach Ferrara berufen, wo er bis zum Tode des Herzogs (1505) blieb. Sein Nachfolger wurde Brumel. Joaquin kehrte in seine Heimat zuruck und wurde zum Probst der Kirche Notre-Dame in Conde (Hennegau) ernannt. wo er am 27. August 1521 starb. Als Komponist gelangte Josquin bereits zu Lebzeiten zu europaischer Beruhmtheit. Sein Stil beeinflusste das gesamte musikalische Schaffen in Europa bis in die Palestrina-Zeit. Unter seinen Werken sind an erster Stelle die Messen zu nennen (darunter ,,L' homme arme, Missa sine nomine, sein Meisterwerk ,,La sol fa re mi, die zart-lyrische Messe ,,Ave maris stella, die Reprasentationsmesse ,,Hercules Dux Ferrariae und die Spatwerke ,,De beata virgine, ,,Pange lingua und ,,Da pacem); weiterhin schrieb er Motetten (u. a. ,,Stabat mater, ,,Miserere mei, ,,Memor esto verbi tui, ,,De profundis, ,,In exitu Israel, ,,Laudate pueri Dominum) und Chansons (die bekanntesten sind ,,Adieu mes amours, ,,Mille regretz und ,,J' ay bien cause). Josquin ist einer der genialsten Musiker aller Zeiten. Sein streng polyphoner Satz fuhrt konsequent den Stil Ockeghems weiter. Josquin erreicht in seinen Werken die hochste Meisterschaft im konstruktiv-imitatorische n Stil der ,,Niederlander. Gleichzeitig uberwindet er jedoch das nur Artistische dieser Kunst; sein subjektiv gefarbtes, von individuellem Ausdruckswillen bestimmtes Wort-Ton-Verhaltnis wird zum Ideal der Renaissancemusik. Josquins Kompositionslehre wurde 1552 von seinem Schuler Adrian Petit Coclico im ,,Compendium musicae aufgezeichnet. Heinrich Isaac (ca. 1450-1517) Isaac wurde kurz vor 1450 in den Niederlanden geboren. Er war wahrscheinlich Schuler Squarcialupis in Florenz und wirkte in Ferrara und am Hof Lorenzos de' Medici in Florenz. 1484 weilte er gleichzeitig mit Paul Hofhaimer in Innsbruck, war danach bis 1494 wieder in Florenz und wurde 1496 Hofkomponist Maximilians I. in Augsburg und Wien. Er unternahm zahlreiche Reisen (u.a. 1497-1500 an den Hof Friedrichs des Weisen nach Torgau, 1503-1505 zu Ercole I. nach Ferrara). Spater lebte Isaac in Konstanz, wo er sein Motettenwerk ,,Chorale Constantinum (1550 von seinem Schuler Ludwig Senfl herausgegeben) schuf; von 1514 bis zu seinem Tode 1517 lebte er wieder in Florenz. Isaac ist einer der vielseitigsten Musiker seiner Zeit. Er ist in allen musikalischen Nationalstilen sattelfest. Der Bogen seines Schaffens spannt sich vom Konstruktivismus der niederlandischen Polyphonie bis zur anmutigen Intimitat des schlichten Renaissance-Satzes. Isaac schrieb Messen (u. a. die beruhmte ,,Missa carminum), Motetten (,,Chorale Constantinum), Chorlieder und Chorsatze auf deutsche, franzosische und italienische Texte (sein Satz ,,Innsbruck, ich muss dich lassen wurde weltberuhmt) sowie Instrumentalsatze. Johannes Martini (1430/40-ca.1500) Der um 1430/40 in Flandern geborene Komponist wirkte 1474 neben Josquin und Compere an der Mailander Hofkapelle. 1475 wurde er Mitglied der Hofkapelle zu Ferrara, wo er noch 1492 tatig war. Sein Todesjahr ist unbekannt. Nach 1500 wird Martini nicht mehr in den Listen bekannter Komponisten gefuhrt. Von Martini sind Messen, Motetten und Chansons uberliefert, die stilistisch von Dufay und Ockeghem beeinflusst sind. Eine gewisse Erstarrung des Stils ist unverkennbar. Gregor Meyer (ca. 1510-1576) Meyer wurde um 1510 in Sackingen geboren und wirkte um 1535 bis 1558 als Organist in Solothurn, 1561 bis zu seinem Tode 1576 am Munster zu Basel. Auf Veranlassung Glareans schrieb Meyer fur dessen ,,Dodekachordon (1547) zahlreiche Kompositionsbeispiele; ausserdem sind in anderen Sammlungen einige Kanons, Motetten, einzelne Messsatze und kirchliche und weltliche Lieder erhalten. Jacob Obrecht (1450/51-1505) Als einziger der grossen ,,Niederlander stammt Obrecht aus dem nordniederlandischen Raum; er wurde wahrscheinlich am 22. November 1450 in Bergen op Zoom geboren. 1476-1478 war er Chormeister in Utrecht, 1479-1484 in seiner Heimatstadt. 1484/85 wirkte er als Kapellmeister an der Kathedrale in Cambrai und anschliessend in Brugge. 1487/88 besuchte Obrecht den Hof Ercoles I. von Ferrara. 1492 finden wir ihn als Chormeister an Notre-Dame zu Antwerpen, 1496 in Bergen op Zoom, 1498 in Brugge. 1500 schied er krankheitshalber aus dem Dienst und lebte bis 1504 in Antwerpen. Auf einer Reise nach Ferrara starb er im Jahre 1505 (angeblich an der Pest). Von Obrechts Kompositionen sind etwa 25 Messen (darunter ,,Maria zart, ,,L' homme arme, ,,Caput, ,,Je ne demande, ,,Fortuna desperata), Motetten und Chansons auf niederlandische, franzosische und italienische Texte uberliefert. Obrecht gehort mit Josquin, lsaac und Pierre de la Rue zu den Grossmeistern der Josquin-Zeit. Er setzt die Polyphonie Dufays und Ockeghems fort, doch spielen bei ihm die Durchimitation wie auch das bei Josquin stark ausgepragte Wort-Ton-Verhaltnis eine geringe Rolle. Obrechts Musik ist durch ihre vitale Kraft, Spontaneitat des Ausdrucks, klare Periodenbildung, den Hang zum vollen harmonischen Satz und ein neues Tonalitatsbewusstsein gekennzeichnet. Im Spatwerk ist der Einfluss des volkstumlichen italienischen Liedes festzustellen. Obrechte ausgepragter Penonalstil ist so unnachahmlich, dass er keine Fortsetzer fand. Nicht zu Unrecht wird Obrecht als der grosse ,,Aussenseiter zwischen den Perioden Dufay-Ockeghem und Josquin-Isaac bezeichnet. Marbrianus de Orto (ca. 1450-1529) Orto stammt moglicherweise ebenfalls aus Flandern; sein Geburtsjahr ist nicht bekannt. 1484-1494 war er gleichzeitig mit Josquin papstlicher Kapellsanger in Rom, spater (1505) am Hofe Philipps des Schonen von Burgund. Orto starb 1529 in Nivelles. Von ihm sind Messen, Motetten und Chansons erhalten. Vermutlich redigierte er wahrend seines romischen Aufenthaltes gemeinsam mit Josquin die Bearbeitung Duf'ayscher Hymnen. Ortos Messen reichen nicht an die Spitzenleistungen seiner Zeit (Josquin, Obrecht) heran; bedeutender sind seine Motetten, wie etwa die Motette ,,Ave Maria, die Petrucci 1501 an die Spitze seines ,,Odhecaton stellte, und die Vergil-Motette ,,Dulces exuviae.

SKU: CF.CPS264F

ISBN 9781491161746. UPC: 680160920433.

Some of the first music I remember hearing as a child was folk dance music from around the world. My parents were avid folk dancers, and they used to host weekly folk dance evenings in our basement. Some nights, when I was supposed to be in bed, I would stand with my ear to the door, listening to this fascinating music that drifted up the stairs. I didn't know what each piece was, but the melodies have stayed with me. Tropanka is one of those tunes. Tropanka (pronounced tro-PAHN-kuh) is a folk dance from Bulgaria, and the title means stomping dance. One can hear two repeated notes at the end of each phrase - this is where the dancers stomp. Patsh Tantz (pronounced PAHTSH tahnts) is a classic example of Klezmer, which is East European Jewish folk music. The title is Yiddish for clapping dance, and all the players get the chance to clap at certain points in their individual part. Klezmer music is often quite exciting, and this arrangement includes the characteristic accelerando, building excitement as the piece drives to the end. Both movements should be played rhythmically, and as it is folk music that would be danced to by untrained dancers, often wearing boots or other flat-soled shoes, adding weight to many of the downbeats will help bring out the earthy character of the music. Since my parents met while folk dancing, I made these arrangements (originally in a version for string quartet) as a gift in celebration of their 50th wedding anniversary.
Some of the first music I remember hearing as a child was folk dance music from around the world. My parents were avid folk dancers, and they used to host weekly folk dance evenings in our basement.  Some nights, when I was supposed to be in bed, I would stand with my ear to the door, listening to this fascinating music that drifted up the stairs. I didn’t know what each piece was, but the melodies have stayed with me. Tropanka is one of those tunes. Tropanka (pronounced “tro-PAHN-kuh� �) is a folk dance from Bulgaria, and the title means “stomping dance”. One can hear two repeated notes at the end of each phrase – this is where the dancers stomp. Patsh Tantz (pronounced “PAHTSH tahnts”) is a classic example of Klezmer, which is East European Jewish folk music. The title is Yiddish for “clapping dance”, and all the players get the chance to clap at certain points in their individual part. Klezmer music is often quite exciting, and this arrangement includes the characteristic accelerando, building excitement as the piece drives to the end.Both movements should be played rhythmically, and as it is folk music that would be danced to by untrained dancers, often wearing boots or other flat-soled shoes, adding weight to many of the downbeats will help bring out the “earthy” character of the music. Since my parents met while folk dancing, I made these arrangements (originally in a version for string quartet) as a gift in celebration of their 50th wedding anniversary.

SKU: DB.01-00574

Als Konzertwerk gedacht und entsprechend schwierig, sich klanglich in spaetromantischen Geleisen bewegend, solide und gekonnt. - Osterreich Musikzeitung.

SKU: BR.EB-9343

ISBN 9790004188071. 9 x 12 inches.

Gletscher uben eine unglaubliche Faszination aus. Das strahlende Blau des blanken Gletschereises ist einzigartig, aber es kann in noch viel mehr Farben schimmern. Uber Jahrtausende hat sich gezeigt, dass der Gletscher lebt. Er wachst und zieht sich zuruck, altert, scheint zu atmen, kann toten und sterben. Wenn genugend Schnee fallt, wird der Gletscher ,,geboren. Die unteren Schichten Schnee werden von den oberen zusammengepresst und die Metamorphose des Schnees zu Gletschereis beginnt. In den unteren Lagen wird der Druck immer hoher und Luft entweicht. Aus den filigranen Eiskristallen von Neuschnee entstehen stramme Aggregatklumpen. Bei immer grosseren Eismassen kommt es zu einem Impuls der Bewegung durch die Gravitation und Eigendynamik aufgrund der Masse. All diese Gedanken habe ich in meinem ,,Gletscherquartett in Musik gesetzt. Auch naturliche Klimaschwankungen und der Klimaeinfluss des Menschen werden in den vier Streicherstimmen horbar. Denn in den letzten Jahrzehnten schmelzen Gletscher im Rekordtempo. Seit 2000 verlieren etwa die Alpengletscher zwei bis drei Prozent an Volumen pro Jahr, vorher war es jahrlich nur ein Prozent. Nicht umsonst wird der Gletscher als ,,Fieberthermometer des Weltklimas bezeichnet. (Manuela Kerer, 2018).

SKU: BT.DHP-1043706-140

Remembrance Day ist ein choralartiges Stück zum Angedenken an die Verstorbenen. Die Komposition basiert auf einem Text aus Totengedenken, herausgegeben vom Volksbund deutsche Kriegsgräberfürsorg e. Ein beiliegender Text kann zur angegebenen Zeit während der Aufführung gesprochen werden. Das Ganze kann ad libitum durch einen gemischten Chor, der lange Töne ohne Text singt, vervollständigt werden. Remembrance Day ist ein recht langsames, erhabenes Werk zur würdevollen Umrahmung von Trauer- oder Gedenkfeiern, zum Volkstrauertag und ähnlichen feierlichen Anlässen. Textauszug A Remembrance DayWir denken heute an die Opfer von Gewalt und Krieg, Kinder, Frauen und Männeraller Völker. Wir gedenken der Soldaten, die in den Weltkriegen starben, der Menschen, die durch Kriegshandlungen oder danach in Gefangenschaft, als Vertriebene und als Flüchtlinge ihr Leben verloren. Wir gedenken derer, die verfolgt und getötet wurden, weil sie einem anderen Volk angehörten, einer anderen Rasse zugerechnet wurden oder deren Leben wegen einer Krankheit oder Behinderung als lebensunwert bezeichnet wurde. Wir gedenken derer, die ums Leben kamen weil sie Widerstand gegen die Gewaltherrschaft geleistet haben, und derer, die den Tod fanden weil sie an ihrer Überzeugung oder an ihrem Glauben festhielten. Wir trauern um die Opfer der Kriege und Bürgerkriege unserer Tage, um die Opfer von Terrorismus und politischer Verfolgung. Wir gedenken heute auch derer, die in diesem Jahr bei uns durch Hass und Gewalt gegen Fremde und Schwache Opfer geworden sind. Wir trauern mit den Müttern und mit allen, die Leid tragen um die Toten. Aber unser Leben steht im Zeichen der Hoffnung auf Versöhnung unter den Menschen und Völkern, und unsere Verantwortung gilt dem Frieden unter den Menschen zu Hause und in der Welt.

SKU: BT.BVP1922

De nieuwste pianobundel van Donna Verdell “Lyric Songs for Every Day”! Wederom een prachtige verzameling lyrische pianostukken in de modern klassieke, en wat filmisch dromerige aansprekende stijl, waar Donna in haar eerdere bundels “Songs of Seasons”en “Songs of Summer” al veel pianofans enthousiast mee kreeg. De stukken uit “Lyric Songs for Every Day” zijn geschikt voor pianisten die laat beginnend/ licht gevorderd zijn, maar zij zullen zeker ook de meer ervaren pianist veel speelplezier geven.Evenals bij de eerdere boeken van Donna Verdell, is alle muziek uit deze pianobundel te beluisteren op haar website www.donnaverdell.com , voorzien van inspirerende tekstfilmpjes.

SKU: BT.GOB-000623-020

Rock My Soul is a gospel song that has a worldwide reputation. Ben Christon has added a new spirit to the composition. The solo in the beginning can be performed by various types of instruments.

Rock my Soul is een bekende gospel die wereldwijd bekendheid geniet. Ben Christon zorgde ervoor dat er genoeg spirit in de compositie zit. De solo in het begin kan door meerdere instrumenten worden gespeeld.

SKU: BR.BV-47

ISBN 9783765100475. 6.5 x 10 inches.

Reprint of the edition Leipzig 1905 Zelenkas Messen - Prachtstucke barocker Chorliteratur in manchen Partien farbenfroher gesetzt als Bachs entsprechende Komposition. (Die Welt) Zelenka's Masses - fine specimens of Baroque choral literature some parts of which are set even more colorfully than in the corresponding compositions by Bach. (Die Welt) die der Komponist selbst als ,,Missae ultimae bezeichnet hat. Im Gegensatz zu den beiden anderen ,,Missae ultimae besteht die Missa Dei Filii nur aus Kyrie und Gloria.

Der Klavierauszug von Matthias Grunert basiert auf der von Paul Horn in Band 100 des Erbe deutscher Musik herausgegebenen Partitur in welcher die im Autograph gegen Ende des Gloria bestehenden Notentextlucken behutsam erganzt wurden.

Zelenkas kunstlerische Personlichkeit seine Biographie und sein Komponistenstil fallen aus dem Rahmen. Sein Stil ist in hohem Mass experimentell ... War Zelenka wirklich einer der grossten Komponisten des 18. Jahrhunderts oder nur einer der interessantesten? Ich glaube er hat noch manche Uberraschung fur uns bereit. (Schweizerische Musikzeitung)

Zele nkas Messen - Prachtstucke barocker Chorliteratur in manchen Partien farbenfroher gesetzt als Bachs entsprechende Komposition. (Die Welt) Dismas Zelenka. It belongs to an incompletely transmitted cycle of six masses which the composer himself designated as Missae ultimae. Contrary to the two other Missae ultimae the Missa Dei Filii consists only of a Kyrie and Gloria.

Matthias Grunert's piano vocal score is based on the critical edition of the score edited by Paul Horn in volume 100 of the Erbe deutscher.

SKU: BT.DHP-1043706-120

Remembrance Day ist ein choralartiges Stück zum Angedenken an die Verstorbenen. Die Komposition basiert auf einem Text aus Totengedenken, herausgegeben vom Volksbund deutsche Kriegsgräberfürsorg e. Ein beiliegender Text kann zur angegebenen Zeit während der Aufführung gesprochen werden. Das Ganze kann ad libitum durch einen gemischten Chor, der lange Töne ohne Text singt, vervollständigt werden. Remembrance Day ist ein recht langsames, erhabenes Werk zur würdevollen Umrahmung von Trauer- oder Gedenkfeiern, zum Volkstrauertag und ähnlichen feierlichen Anlässen. Textauszug A Remembrance DayWir denken heute an die Opfer von Gewalt und Krieg, Kinder, Frauen und Männeraller Völker. Wir gedenken der Soldaten, die in den Weltkriegen starben, der Menschen, die durch Kriegshandlungen oder danach in Gefangenschaft, als Vertriebene und als Flüchtlinge ihr Leben verloren. Wir gedenken derer, die verfolgt und getötet wurden, weil sie einem anderen Volk angehörten, einer anderen Rasse zugerechnet wurden oder deren Leben wegen einer Krankheit oder Behinderung als lebensunwert bezeichnet wurde. Wir gedenken derer, die ums Leben kamen weil sie Widerstand gegen die Gewaltherrschaft geleistet haben, und derer, die den Tod fanden weil sie an ihrer Überzeugung oder an ihrem Glauben festhielten. Wir trauern um die Opfer der Kriege und Bürgerkriege unserer Tage, um die Opfer von Terrorismus und politischer Verfolgung. Wir gedenken heute auch derer, die in diesem Jahr bei uns durch Hass und Gewalt gegen Fremde und Schwache Opfer geworden sind. Wir trauern mit den Müttern und mit allen, die Leid tragen um die Toten. Aber unser Leben steht im Zeichen der Hoffnung auf Versöhnung unter den Menschen und Völkern, und unsere Verantwortung gilt dem Frieden unter den Menschen zu Hause und in der Welt.

SKU: BR.KM-2483-07

ISBN 9790004502587. 9 x 12 inches.

Friedrich HolderlinMnemosyne Ein Zeichen sind wir, deutungslos,Schmerzlos sind wir und haben fastDie Sprache in der Fremde verloren.Wenn namlich uber MenschenEin Streit ist an dem Himmel und gewaltigDie Monde gehn, so redetDas Meer auch und Strome mussenDen Pfad sich suchen. ZweifellosIst aber Einer, derKann taglich es andern. Kaum bedarf erGesetz. Und es tonet das Blatt und Eichbaume wehn dann nebenDen Firnen. Denn nicht vermogenDie Himmlischen alles. Namlich es reichenDie Sterblichen eh an den Abgrund. Also wendet es sich, das Echo,Mit diesen. Lang istDie Zeit, es ereignet sich aberDas Wahre. Wie aber Liebes? SonnenscheinAm Boden sehen wir und trockenen StaubUnd heimatlich die Schatten der Walder und es bluhetAn Dachern der Rauch, bei alter KroneDer Turme, friedsam; gut sind namlich,Hat gegenredend die SeeleEin Himmlisches verwundet, die Tageszeichen.Denn Schnee, wie MaienblumenDas Edelmutige, woEs seie, bedeutend, glanzet aufDer grunen WieseDer Alpen, halftig, da, vom Kreuze redend, dasGesetzt ist unterwegs einmalGestorbenen, auf hoher StrassEin Wandersmann geht zornigFern ahnend mitDem andern, aber was ist dies?Am Feigenbaum ist meinAchilles mir gestorben,Und Ajax liegtAn den Grotten der See,An Bachen, benachbart dem Skamandros.An Schlafen Sausen einst, nachDer unbewegten Salamis steterGewohnheit, in der Fremd, ist grossAjax gestorben,Patroklos aber in des Koniges Harnisch. Und es starbenNoch andere viel. Am Kitharon aber lagEleuthera, der Mnemosyne Stadt. Der auch, alsAblegte den Mantel Gott, das Abendliche nachher losteDie Locken. Himmlische namlich sindUnwillig, wenn einer nicht die Seele schonend sichZusammengenommen, aber er muss doch; demGleich fehlet die TrauerIn meinen Holderlin lesen-Stucken ging es mir darum, Wege zu finden, die gewaltigen Sprachstrukturen Holderlins so in die zeitliche Form der Musik zu integrieren, dass sie Funktionen der musikalischen Form ubernehmen, ohne in ihrer Eigenkraft (sowohl akustisch wie auch im Sinne expressiver ,,Deutung) im geringsten geschmalert zu werden. Das hiess zunachst: Sprechen, nicht singen! - Aber das wurde nur bedeuten, dass es nicht um die Musikalisierung von Text geht; ebenso wichtig ist es, dass es auch nicht um melodramatisch ,,erzahlende Musik geht. Sondern: Zwei autonome Kunste durchdringen sich auf diaphane Weise, ohne sich zu uberformen oder auszuloschen; es handelt sich um einen Dialog, nicht um eine Vereinnahmung durch Hierarchisierung.Sind wir uns selbst zu einem ,,Zeichen...deutungslos geworden, wie es Holderlins Anfangszeilen sagen, so erscheinen auch die Zeichen, die wir selber setzen, sich immer mehr einer Deutbarkeit zu entziehen. Mein Stuck, das den vollstandigen Text von Holderlins Mnemosyne integriert, stellt auf seine Weise die Frage nach dem ,,Zeichen. ,,Was ist dies? Klang? Wort? Schrift? Wie sind die Grenzen, die Ubergange, die gegenseitigen Beeinflussungen der einzelnen Zeichenregionen? Was liegt ihnen zugrunde? Worte und musikalische Zeichen bewegen sich im Medium der Zeit; Schriftzeichen erscheinen zunachst als Verraumlichung, aber man muss daran erinnern, dass der Vorgang des Schreibens - wie er in der ostasiatischen Kalligraphie zu hochster Kunst entwickelt wurde - auch zeitlichen Charakter hat. Mnemosyne - die Kraft des Sich-Erinnerns - schafft die Zeichen, indem sie Gestalten durch Wiederholung fixiert und so aus dem endlosen Fluss der wahrgenommenen Vorgange herauslost. Die so entstehende artikulierte Zeit schafft wiederum durch das Wechselspiel von fixierten und sich bewegenden Gestalten das Bewusstsein fur differenzierte Formablaufe. Der Formverlauf meines Stuckes zeichnet solche genetischen Prozesse nach. Der Horer wird schnell merken, dass die Wortzeichen oft einer zuerst erscheinenden musikalischen Klangwelt entspringen (ich stimme Walter Benjamin zu, wenn er sagt, dass die Sprache in ihrer grundlegenden Schicht expressiven - und nicht darstellenden - Charakter hat). Die Schrift auf der Leinwand folgt zunachst den sprachlichen Aktionen der Stimme, erhalt dann aber auch eigene Teile der Form zugeteilt, in der sie sich als autonomes Zeichen darstellt. In der durch die drei Strophen Holderlins notwendigerweise dreiteiligen Gesamtform gibt es immer wieder Abschnitte, in denen entweder das musikalische Geschehen oder die Sprachzeichen des Gedichtes oder das Sich-Schreiben der Schrift im Vordergrund stehen; der Komponist versteht sich also hier auch als ,,Zusammensetzer der in unserer Wahrnehmung so verschieden besetzten Zeiten des Schreibens, Sprechens und Musikhorens. Es bilden sich im Verlauf des 40-minutigen Stuckes auch Grenzfalle, wie ,,stumme Musik oder total musikalisierte - ihrer Verstehbarkeit beraubte - Textrezitation. Auch das Singen von Text - in meinen bisherigen Holderlinstucken strikt vermieden - wird als ausserste Moglichkeit gegen Ende des formalen Prozesses zugelassen. An einigen Stellen zeigt die Musik sozusagen direkt auf sich selbst. Es sind Formzustande, die ich in meinem ,,Shir Hashirim als ,,Koan bezeichnet habe: ,,endlose Wiederholungen einer zeichenhaften Konstellation, bei jeder Wiederholung minimal verandert - so wie ein Kalligraph sein Schriftzeichen bei jedem Malvorgang unwillkurlich verandert und neu schafft. Steht im ersten Teil der Grossform der Aspekt des Abstrakten, des Unsinnlichen im Vordergrund, so wird im zweiten Teil Bildhaftigkeit als Eigenschaft nicht nur der Sprache, sondern auch der Musik betont: die Landschaft, halb schnee - halb blutenbedeckt, die der Wanderer ,,zornig durchstreift. Am Ende dieses Teils wird das Schriftbild selber zur Landschaft, die der Leser/Horer durchwandert. Er wird im dritten Teil durch einen Verwandlungsprozess zu den ekstatischen Ursprungen des holderlinschen Dichtens gefuhrt, und damit zur explizit musikalischen Ebene: Die Totenklage um Hektor und Ajax wird zum ,,dithyrambischen Tanz, wie es Holderlins Schlusszeile entwirft: ,,... darum fehlet die Trauer. Es bleibt noch nachzutragen, dass ich den in der Stuttgarter Ausgabe der Werke Holderlins in drei Versionen abgedruckten Text in einer Mischversion verwendet habe: die erste Strophe aus der 2. Fassung, die zweite mit Abweichungen und Widerspruchen aus allen drei Fassungen, und die dritte Strophe aus der 3. Fassung. (Hans Zender) CD:Salome Kammer (voice), Klangforum Wien, cond. Hans ZenderKairos 0012522KAIBibliography:Al lwardt, Ingrid: Nach-Lese. Holderlins Gesang im Resonanzraum der Musik Hans Zenders, in: Hans Zender. Vielstimmig in sich, hrsg. von Werner Grunzweig, Jorn Peter Hiekel und Anouk Jeschke (= Archive zur Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, Band 12), Hofheim: Wolke 2008, pp. 43-60.Fuhrmann, Wolfgang: Zender lesen. Die Frage nach dem Zeichen in ,,Mnemosyne, in: ,,Ein Zeichen sind wir, deutungslos. Holderlin lesen, Ikkyu Sojun horen, Musik denken, hrsg. von Violetta L. Waibel, Gottingen: Wallstein 2020, S. 194-211Pragungen im Pluralismus. Hans Zender im Gesprach mit Jorn Peter Hiekel, in: Orientierungen. Wege im Pluralismus der Gegenwartsmusik, hrsg. von Jorn Peter Hiekel (= Veroffentlichungen des Instituts fur Neue Musik und Musikerziehung Darmstadt, Band 47), Mainz u. a.: Schott 2007, pp. 130-137.Mosch, Ulrich: Ultrachromatik und Mikrotonalitat. Hans Zenders Grundlegung einer neuen Harmonik, in: Hans Zender. Vielstimmig in sich, hrsg. von Werner Grunzweig, Jorn Peter Hiekel und Anouk Jeschke (= Archive zur Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, Band 12), Hofheim: Wolke 2008, pp. 61-76.Schmidt, Dorte: Erfahrung und Erinnerung. Kompositorisches Material zwischen Klang und Bedeutung in der Kammermusik des spaten 20. Jahrhunderts, in: Mnemosyne. Zeit und Gedachtnis in der europaischen Musik des ausgehenden 20. Jahrhunderts, hrsg. von Dorothea Redepenning und Joachim Steinheuer, Saarbrucken: Pfau 2006, pp. 41-58.Zenck, Martin: Holderlin lesen seiner Stimme zuhoren. Holderlin-Lekturen von Klaus Michael Gruber, Hans Zender und Bruno Ganz, in: Neue Zeitschrift fur Musik 172 (2011), Heft 6, pp. 25-29.Zender, Hans: Zu meinem Zyklus Holderlin lesen, in: Mnemosyne. Zeit und Gedachtnis in der europaischen Musik des ausgehenden 20. Jahrhunderts, hrsg. von Dorothea Redepenning und Joachim Steinheuer, Saarbrucken: Pfau 2006, pp. 26-40.

World premiere: Witten (Wittener Tage fur neue Kammermusik), May 4, 2001.