Deux esquisses pour cor

Lorsque Chopin improvisait, Georges Sand disait qu'il cherchait La note bleue. Le bleu est la couleur de l'âme... Cette méthode s'adresse à l'enfant débutant qui ne sait encore rien de la musique ni du piano. Son propos est de lui apprendre à jouer tout de suite des petits morceaux qui seront agréables à entendre, pour lui et ses parents. Tout en assimilant les premières connaissances de solfège et de grammaire musicale, il devra les interpréter avec une vraie musicalité et simultanément se familiariser avec les bons principes de technique manuelle, car tout doit être développé ensemble. La grande clé de l'art du piano est de comprendre que la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches. C'est pourquoi le petit Mozart a tout de suite joué du piano. Dès les premières leçons, l'enfant doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer, car la raison d'être des signes qu'il voit devant lui est de transcrire des sons vivants, destinés à l'oreille. Cette méthode vise donc à ne jamais séparer la lecture des notes - du chant - de la quête du beau son et du phrasé. La dimension affective est par ailleurs essentielle pour assimiler la musique. C'est pourquoi ces morceaux sont ici proposés avec des paroles, comme des comptines. L'expérience prouve en effet que les images aident beaucoup les petits à chanter et à mémoriser. Les paroles aident en outre l'enfant à phraser naturellement, sans même qu'il ait à penser à cette notion de phrasé qui est bien trop abstraite pour lui au début. Les histoires et les images stimulent ses émotions or, sans émotion, l'on ne retient rien ! Cette méthode contient aussi, outre les éléments de solfège habituels, des conseils techniques expliquant comment il faut toucher le piano et quels gestes il faut faire pour obtenir un beau son, un beau phrasé. Car, si l'on ressent la musique mais que le geste est inadéquat, rien n'est possible ! Un Cd permettra d'écouter les morceaux, joués à deux ou à quatre mains. L'enfant pourra également jouer tout seul, tout en se faisant accompagner par le Cd. Ajoutons enfin l'essentiel : tout le coeur de cette méthode s'appuie sur les conseils que Chopin donnait à ses élèves pour apprendre à jouer du piano. Ils figurent dans Esquisses de Méthode, cet ouvrage élaboré par Chopin lui-même mais qu'il n'a pu achever, et dans le livre incontournable du grand musicologue Jean-Jacques Eigeldinger, le spécialiste mondial de Chopin : Chopin vu par ses élèves (1). A la mesure du débutant, nous tenterons d'appliquer ici pas à pas ces principes du Maître. Chaque chapitre sera ainsi ponctué de phrases de Chopin telles que : Il vous faut chanter si vous voulez jouer du piano ou : Le poignet est la respiration dans la voix, Soyez souple jusqu'au bout des pieds. Emanant de l'un des plus grands musiciens qui ait écrit pour le piano, lui-même génial pianiste et admirable pédagogue, sa pensée mérite d'être gravée dans le coeur de chaque petit(e) pianiste qui se lance dans cette grande aventure du piano... Alexandre Sorel (1) Chopin vu par ses élèves, par Jean-Jacques Eigeldinger, 3e édition revue et commentée, 450 pages, La Baconnière, Neuchâtel, 1998. Réédité par Fayard, octobre 2006, 454 pages / et : Chopin : Esquisses pour une Méthode de piano, Textes réunis et présentés par J. Jacques Eigeldinger, Paris, éditions Flammarion, coll. Harmoniques, 138 p. Mars 2010. Presse La Méthode Rose a formé tant de jeunes pianistes. D'autres méthodes d'Alfred Cortot (Principes rationnels de la technique pianistique) ou d'Isidor Philipp sont conçues pour l'acquisition de la vélocité ; celles de Marie Jaëll (1846-1925) et de Blanche Selva (1884-1942), pour la qualité du son. Tout récemment, sont parus les 2 volumes du vaste et original manuel de piano : A Compianon (fin 2018, en 2 volumes, 300 p.) de Stéphan Patin (né en 1966) - pour débutant et pianiste plus chevronné, reposant sur l'apprentissage mental et digital, et l'appropriation formatrice des quelque 200 morcelets très diversifiés. Voici, cette année, (préfacée par J.-J. Eigeldinger, le spécialiste de Chopin), la Méthode Bleue (en 2 volumes, avec illustrations sonores et conseils pédagogiques) d'Alexandre Sorel selon lequel la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches... et qu'il doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer. A cet effet, il propose des morceaux avec des paroles comme des comptines, ce qui facilite la mémorisation. Au fil des 10 leçons, le débutant est appelé à emprunter la marche à suivre claire et bien pensée du pédagogue. L'auteur précède les questionnements de l'enfant et des parents, et y répond, étape par étape. L'imaginaire enfantin est sollicité grâce à la présence d'un bestiaire engageant (puce, chat, chien, tourterelle, écureuil, grenouille, perroquet...). Le tout est joliment agrémenté de médaillons de caractère assez naïf, du meilleur effet. L'auteur cite les conseils donnés par Frédéric Chopin à ses élèves, les intégrant judicieusement dans le cursus pédagogique jalonné par les différentes étapes indispensables à l'autonomisation progressive du musicien en herbe. Mine de rien, lecture des notes, apprentissage rythmique, incorporation de la gestuelle pianistique, développement de l'appropriation musicale se font dans un contexte délibérément rassurant (familial, amical) et un climat de confiance, avec des figures musicales tutélaires (Mozart, Chopin) pour aboutir à quelques pages accessibles du maître franco-polonais : Polonaise en sol mineur, Valse en la mineur... (Voir CD : Chopin à Nanteuil... Récital d'Alexandre Sorel). Edith Weber L'Education musicale n°127 (sept-oct 2019)

Rolande Falcinelli a écrit de nombreuses pièces pour orgue, notamment Triptyque op. 11, Poèmes-Etudes op. 26, Prophétie op. 42, Esquisses symphoniques op.45, Le Sermon sur la Montagne op. 46, Variations-Etudes sur une Berceuse op.48, Mathnavi op. 50, ainsi que Le Mystère de la Sainte-Messe op. 59 pour deux orgues) ainsi que des oeuvres pour instrument seul (violoncelle, flûte) ou en formation de chambre (alto et piano, violoncelle et piano, voix et piano, piano et orgue, orgue et un ou deux altos, quatuor à cordes, etc.) et pour orchestre (avec orgue, piano ou voix). Son écriture, d'une tenue technique exigeante est toujours pensée et intériorisée. Elle s'attacha notamment, suite à ses activités au sein du CEMO (Centre d'Etudes de Musique Orientale), à intégrer des éléments de musique iranienne dans certaines de ses compositions (Mathnavi op. 50 pour orgue, Miniatures persanes op. 52 pour orgue, Azân op. 61 pour flûte et orgue). / Orgue

Rolande Falcinelli a écrit de nombreuses pièces pour orgue, notamment Triptyque op. 11, Poèmes-Etudes op. 26, Prophétie op. 42, Esquisses symphoniques op.45, Le Sermon sur la Montagne op. 46, Variations-Etudes sur une Berceuse op.48, Mathnavi op. 50, ainsi que Le Mystère de la Sainte-Messe op. 59 pour deux orgues) ainsi que des oeuvres pour instrument seul (violoncelle, flûte) ou en formation de chambre (alto et piano, violoncelle et piano, voix et piano, piano et orgue, orgue et un ou deux altos, quatuor à cordes, etc.) et pour orchestre (avec orgue, piano ou voix). Son écriture, d'une tenue technique exigeante est toujours pensée et intériorisée. Elle s'attacha notamment, suite à ses activités au sein du CEMO (Centre d'Etudes de Musique Orientale), à intégrer des éléments de musique iranienne dans certaines de ses compositions (Mathnavi op. 50 pour orgue, Miniatures persanes op. 52 pour orgue, Azân op. 61 pour flûte et orgue). / Orgue

Par VERIN NICOLAS. Les Chassés-croisés sont des duos écrits pour des instrumentistes amis, parfois couple à la ville, toujours très complices, ici deux amies d'enfance qui se sont retrouvées pour former le Duo Idylle. Cet ensemble formé en 2018 se développe magnifiquement et c'est en les entendant que j'ai eu envie d'écrire pour elles. D'une part car j'étais subjugué par leur musicalité, leur finesse, leur vitalité, leur ensemble. Mais aussi car je trouve l'alliage de ces deux instruments particulièrement intéressant. Tous deux des bois, donc possédant certaines caractéristiques communes, ils sont toutefois très différents. Aux registres extrêmes du quintette à vent, ils partagent néanmoins un ambitus d'une dixième. Leurs attaques et leurs timbres en jeu ordinaire sont bien différenciés mais on peut obtenir des rapprochements, jouer à la fois sur des contrastes et sur des fusions. Or c'est exactement ce type de jeu que j'aime déployer dans mes Chassés-croisés. Les deux instruments y sont les protagonistes d'une course-poursuite, d'un jeu de cache-cache, avec ses conflits et ses résolutions. Ils figurent chacun un personnage, doté d'une échelle gelée, de traits et de caractéristiques propres. Les deux personnages musicaux sont tantôt étrangers l'un à l'autre tantôt en train d'esquisser un dialogue. Ils sont aussi des sortes de portraits des interprètes dédicataires. Le caractère rythmique est mis en avant dans un esprit de jeu, de jubilation parfois. La pièce se déploie en passant par des épisodes variés, chaque passage étant concentré sur une relation entre les deux personnages, y compris un solo de chaque. Au fur à mesure du déroulement, les échelles et autres caractérisations des personnages se dévoilent. Une fois complètement présentées, des excursions sont permises, déviations à la 'norme', un peu comme des dissonances./ Répertoire / Flûte et Basson

Par ROCHE COLIN. Les premières ébauches de cette pièce datent de mon prix de composition au CNR de Rouen. La mise en loge était brève mais je devais produire deux minutes de musique pour flûte et piano, à partir d'un magnifique poème d'Edmond Jabès, dont je ne me souviens plus très bien d'ailleurs - simplement qu'il m'avait entraîné vers le silence. Plus tard, lorsque je reprenais cette première esquisse, j'eu l'idée d'en garder le matériau pour une pièce qui qui correspondait à la période de la naissance de ma fille. Colin Roche / contemporain / Répertoire / Flûte Traversière et Percussions

Par HAYDN JOSEPH. C?est un ton passionné, obscur, parfois jusqu?à l?obstination, qui parcourt la Sonate en ut mineur de Haydn. Elle est considérée comme l?«Appassionata» du classique viennois - un véritable coup de maître! On a du mal à se représenter comment l?histoire de sa composition a pu s?étendre sur une période allant vraisemblablement jusqu?à dix années. Mais telle est la durée qui sépare, pourtant, l?esquisse de Haydn en 1771 de la première édition de 1780. Haydn lui-même voyait cette sonate comme quelque chose d?inhabituel, puisqu?un écrit de sa part à son éditeur la dépeint comme «la plus longue et la plus difficile» des six sonates, dont il dédia l?impression aux s?urs Auenbrugger, toutes deux pianistes. Cette édition Urtext séparée, peu onéreuse, avec les doigtés du grand connaisseur de Haydn Paul Lewis, se fonde sur notre édition complète révisée en trois volumes des sonates pour piano de Haydn, une édition ayant fait l?objet d\'une révision. / Date parution : 2022-06-14/ Répertoire / Piano

Debussy: The Ultimate Piano Collection contains nearly every piece of Piano music Debussy wrote in this giant, 488-page, comb-bound book.Debussy: The Ultimate Piano Collection includes Children's Corner, Deux arabesques, complete Etudes, Pour le piano, complete Préludes, Suite bergamasque and 27 other pieces. / Piano

Discipline / Instrument : Ensemble (17 musiciens) Nomenclature : 1(picc+flA).1(ca).2(en sib+clB).1 / 1.1(en ut).1.1 / 2perc / hp / 2vl / vla / vlc / cb Durée : 23' Création : 16/06/2010 - Berlin (Allemagne), Philharmonie - Orchestre de l'Académie Karajan, Bruno Mantovani (direction) Notice Entre 2006 et 2009, je me suis consacré principalement à l'écriture orchestrale (Time Stretch, Finale, Concerto pour deux altos) et à la notion de narration (plusieurs oeuvres chorales, mon opéra l'Autre côté d'après Alfred Kubin, mon ballet Siddharta). Quand la philharmonie de Berlin m'a proposé de composer une pièce pour un effectif d'une quinzaine de musiciens sans argument dramaturgique précis, j'ai immédiatement saisi l'occasion de revenir à une forme plus spéculative, présumant qu'il y avait là l'occasion de faire évoluer mon langage, de tenter de nouvelles expériences. J'ai composé ce Concerto de chambre n°1 alors que j'avais interrompu le travail sur mon second opéra (dont le livret s'inspire de la vie de la poétesse Anna Akhmatova), et j'ai ressenti l'absence d'un livret (ce que je n'avais pas connu depuis plus de deux ans) comme un obstacle infranchissable. Véritablement bloqué devant les pages blanches, j'ai alors réalisé que même dans le domaine de la musique pure, j'avais besoin de considérer l'oeuvre comme un parcours très logique, comme une évolution de personnages musicaux (selon la terminologie de Messiaen), identifiables et caractérisés, qui pouvaient marquer l'écoute par leur luxuriance, mais aussi par leur simplicité (ce qui est plutôt rare chez moi). Quelques motifs très basiques ont émergé lors des nombreuses esquisses préparatoires : une gamme fusée, et un accord se transformant en un autre par des glissendi micro-tonaux. Afin d'unifier ces deux idées, je pensais à un explosion première, à un élément qui pourrait faire naître ces éléments, et j'ai décidé d'adjoindre à tous les instruments à vent une percussion résonnante, dont l'impact apparaîtrait comme le déclencheur de formules volubiles. Mais c'est surtout sur le plan de la forme que j'ai tenté de renouveler mon langage. J'ai essayé, malgré une certaine énergie générale, de travailler sur la notion d'attente, comme si pour une fois dans mes partitions, les directions étaient moins linéaires, moins fondées sur la progression. Les éléments se contredisent plus qu'ils ne se déduisent, une texture très nouvelle apparaît à la moitié de l'oeuvre (avec le déplacement d'un clarinettiste et d'un violoniste à deux endroits lointains sur la scène pour créer un jeu d'échos), et la fin laisse la part belle à la répétition de motifs obsessionnels, hachés de silence. Finalement, ce Concerto de chambre n°1 est sûrement ma pièce la moins logique et la plus troublante, dont l'équilibre naît de coups de théâtre permanents (je pense notamment à la cadence donnée par les deux jeux de cloches tubes, annonciatrice de la coda). Bruno Mantovani

Rolande Falcinelli a écrit de nombreuses pièces pour orgue, notamment Triptyque op. 11, Poèmes-Etudes op. 26, Prophétie op. 42, Esquisses symphoniques op.45, Le Sermon sur la Montagne op. 46, Variations-Etudes sur une Berceuse op.48, Mathnavi op. 50, ainsi que Le Mystère de la Sainte-Messe op. 59 pour deux orgues) ainsi que des oeuvres pour instrument seul (violoncelle, flûte) ou en formation de chambre (alto et piano, violoncelle et piano, voix et piano, piano et orgue, orgue et un ou deux altos, quatuor à cordes, etc.) et pour orchestre (avec orgue, piano ou voix). Son écriture, d'une tenue technique exigeante est toujours pensée et intériorisée. Elle s'attacha notamment, suite à ses activités au sein du CEMO (Centre d'Etudes de Musique Orientale), à intégrer des éléments de musique iranienne dans certaines de ses compositions (Mathnavi op. 50 pour orgue, Miniatures persanes op. 52 pour orgue, Azân op. 61 pour flûte et orgue). / Hautbois (Et Aussi Cor Anglais)

Rolande Falcinelli a écrit de nombreuses pièces pour orgue, notamment Triptyque op. 11, Poèmes-Etudes op. 26, Prophétie op. 42, Esquisses symphoniques op.45, Le Sermon sur la Montagne op. 46, Variations-Etudes sur une Berceuse op.48, Mathnavi op. 50, ainsi que Le Mystère de la Sainte-Messe op. 59 pour deux orgues) ainsi que des oeuvres pour instrument seul (violoncelle, flûte) ou en formation de chambre (alto et piano, violoncelle et piano, voix et piano, piano et orgue, orgue et un ou deux altos, quatuor à cordes, etc.) et pour orchestre (avec orgue, piano ou voix). Son écriture, d'une tenue technique exigeante est toujours pensée et intériorisée. Elle s'attacha notamment, suite à ses activités au sein du CEMO (Centre d'Etudes de Musique Orientale), à intégrer des éléments de musique iranienne dans certaines de ses compositions (Mathnavi op. 50 pour orgue, Miniatures persanes op. 52 pour orgue, Azân op. 61 pour flûte et orgue). / Orgue

Three symphonic episodes for Concert Band-Ferrer Ferran a composé cette œuvre à la demande du Comité d?Organisation du Concours International pour Orchestres à Vent Villa de Altea 2005 (Espagne) pour servir de pièce imposée dans la catégorie « Sinfónica ». El Ingenioso Hidalgo (L?Ingénieux Hidalgo) a été récompensé du premier prix du Concours International de Composition pour Orchestre d?Harmonie « Romualdo Marenco » 2005 de Novi Ligure en Italie. Cette composition est dédiée à Luis Morote ardent défenseur et passionné de la musique pour Orchestre d?Harmonie.Don Quichotte de la Manche le chef-d?œuvre de Cervantes est une des créations les plus fascinantes de l?esprit humain : une parfaitecaricature de la matière romanesque et du roman de chevalerie. Les deux personnages principaux Don Quichotte et Sancho Panza représentent deux facettes de l?âme espagnole : l?un est un rêveur idéaliste qui oublie les biens matériels d?importance vitale et poursuit des rêves irréalisables l?autre est un personnage pragmatique et raisonnable.Après la suite espagnole En un Lugar de la Mancha et El Quijote une fantaisie symphonique pour Orchestre d?Harmonie et récitant [lisant des extraits des aventures et mésaventures du Chevalier à la Triste Figure] les trois esquisses symphoniques El Ingenioso Hidalgo (L?ingénieux hidalgo) constituent la dernière œuvre de la trilogie consacrée à Don Quichotte. Riche en sublimes mélodies et généreux en rythmes cette grande symphonie illustre trois épisodes du texte littéraire.I. De Alonso Quijano a Don Quijote de la Mancha (D?Alonso Quijano à Don Quichotte de la Manche)II. El Encantamiento de Dulcinea (L?enchantement de Dulcinée)III. Historias de Caballería (Histoires de chevalerie)Alonso Quijano a la passion des romans de chevalerie. Après avoir lu plus que de raison le malheureux ne parvient plus à faire la distinction entre la réalité et son imaginaire. Il décide de faire sien les idéaux des chevaliers errants sous le nom de Don Quichotte de la Manche.Comme