SKU: BT.DHP-1002209-010
Sinfonia Hungarica is a three-movement symphony that depicts the history of Hungary. All three movements were inspired by historical key figures, wars, and other important events from this country. This symphony is a celebration of Hungary’s millennium in 2001.The final movement is named after ISTVAN, the King who introduced Christianity into Hungary and who was crowned by Pope Silvestro II on January 1, 1001. A rather solemn start leads to another war-like passage, ending with some loud crashes. This symbolizes the fact that the body of the pagan Koppany was cut into four pieces, and sent to the four castles of the country as an example. After a quiet, almost religiousintermezzo, the National Hymn of Hungary is introduced. This broad “grandioso†ending also has a symbolic meaning: after ten centuries, Hungary has many reasons to look back on the past with pride, and to look forward to the future with optimism and confidence. Dit stuk werd gecomponeerd in opdracht van het symfonisch blaasorkest Kiskunfélegyhaza uit Hongarije en opgedragen aan dirigent Ferenc Jankovski, burgemeester Jozsef Ficsor en Gabriella Kiss. De wereldpremière vond plaats op 31 maart2001 in Budapest (Hongarije) door het eerdergenoemde orkest onder leiding van de componist.Deze driedelige symfonie beschrijft de geschiedenis van Hongarije. De drie delen zijn ge nspireerd op historische sleutelfiguren, oorlogenen andere belangrijke gebeurtenissen in dit land. De symfonie werd geschreven ter gelegenheid van de millenniumviering van Hongarije in 2001.ATTILA, koning van de Hunnen, vaak ‘de gesel Gods’ genoemd, is de centrale figuurin het eerste deel, dat voornamelijk wordt gekenmerkt door angst, dreiging, agressie en wreedheid. Attila’s broer, Buda, heeft echter een hero scher thema, terwijl zijn geliefde vrouw, Rika, een lyrische melodie heeft. Het spannendeeinde van dit openingsdeel illustreert de gevreesde snelheid van Attila’s troepen: ze achtervolgden hun slachtoffers en vermoordden ze allemaal! Het tweede deel gaat over ARPAD, de stichter van de Hongaarse staat. Hetbegint met een sfeerpassage, die het beeld oproept van zijn grootmoeder, Emese, dromend over zijn bestemming. Een van Arpad’s tegenstanders, de Bulgaarse prins Zalan, werd verdreven na een gevecht. Hierna noemde Arpad het gebiedofficieel ‘Magyarorszag’.Het laatste deel is genoemd naar ISTVAN, de koning die het christendom in Hongarije introduceerde en die werd gekroond door paus Silvester II op 1 januari 1001. Een vrij plechtige start leidt tot nogeen martiale passage, die eindigt met een aantal luide slagen. Deze symboliseren het voorval waarbij het lichaam van de heiden Koppany in vier stukken werd gesneden, die naar de vier kastelen van het land werden gezonden als schrikwekkendDie Sinfonie in drei Sätzen ist eine musikalische Schilderung der Geschichte Ungarns. Alle drei Sätze haben bedeutende historische Persönlichkeiten und Schlüsselereignisse aus der Landesgeschichte - wie etwa Kriege - zum Inhalt. Das Werk wurde zuUngarns Tausendjahrfeier im Jahr 2001 geschrieben.Attila, König der Hunnen, oftmals auch die Geißel Gottes genannt, ist die zentrale Gestalt des ersten Satzes; in seiner musikalischen Beschreibung sind Aggressivität und Grausamkeit, die vonihm ausgehende Bedrohung und ihm entgegengebrachte Furcht spürbar. Daneben erscheinen das heroischer klingende Thema von Buda, Attilas Bruder, und das lyrische von Rika, seiner zärtlich geliebten Frau. Der aufpeitschende Schluss desSatzes ist Sinnbild für die gefürchtete Schnelligkeit von Attilas Truppen, mit der sie ihre Opfer eingeholt und ohne Ausnahme getötet haben.Im Mittelpunkt des zweiten Satzes steht Arpad, der eigentliche Begründer des ungarischen Staates. Eineatmosphärisch klingende Einleitung beschwört Emese, die Großmutter Arpads, herauf, die im Traum seine Bestimmung vorhergesehen hatte. Er schlug seinen Gegner, den Prinzen Zalan von Bulgarien, im Kampf in die Flucht und gab dem Land denNamen Magyarorszag.Das Finale ist nach Istvan benannt, dem König, der in Ungarn das Christentum einführte und am ersten Januar 1001 durch Papst Sylvester II. gekrönt wurde. Ein feierlicher Anfang leitet über in einen an Kriegsgetümmelerinnernden Abschnitt, der in lärmendem Getöse endet. Es steht für das Ende des Heiden Koppany, dessen Körper gevierteilt und als abschreckendes Beispiel an die vier Burgen des Landes gesandt wurde. Ein ruhiges, beinahe religiös wirkendesZwischenspiel mündet in die ungarische Nationalhymne. Dieser prachtvolle, mit grandioso überschriebene Schluss hat auch eine symbolische Bedeutung: Nach zehn Jahrhunderten hat Ungarn guten Grund, mit Stolz zurückzublicken und der Zukunft mitZuversicht und Optimismus entgegenzusehen.Die wunderbare Melodie der Nationalhymne erscheint in der Sinfonie auch vorher schon immer wieder, wird meist aber ganz oder teilweise überdeckt. Sie durchläuft das Werk wie ein roter Faden, der anfangs kaumwahrzunehmen ist und erst im Verlauf der Sinfonie immer deutlicher wird. Am Ende krönt sie das Werk in einer letzten prachtvollen Steigerung, in der das Orchester den majestätischen Klang einer Orgel annimmt.Sinfonia Hungarica est une œuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze en Hongrie. Elle est dédiée Ferenc Jankovski (Directeur de l’Orchestre d’Harmonie), Jozsef Ficsor (Maire de la ville de Kiskunfelegyhaze) et Gabriella Kiss.Cette symphonie en trois mouvements retrace l’histoire de la Hongrie. L’ensemble des trois mouvements s’inspire de la vie de personnages historiques clés, de guerres et d’autres événements de grande importance qui ont marqué l’histoire de ce pays. Sinfonia Hungarica célèbre le millénaire de la fondation de l’État hongrois (1001-2001). L’œuvre a été donnée en création mondiale, le 31 mars 2001 Budapest,par l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze placé sous la direction du compositeur.ATTILA, roi des Huns, surnommé “le Fléau de Dieuâ€, est le personnage central du premier mouvement où règne une atmosphère de peur, de menace, d’agression et de cruauté. Bléda, le frère d’Attila, est associé un thème aux accents plus héro ques, tandis que Kerka, l’épouse bien-aimée du roi des Huns, est représentée par une mélodie lyrique. La fin trépidante de ce mouvement d’ouverture illustre l’effroyable rapidité avec laquelle les troupes d’Attila poursuivaient et tuaient toutes leurs victimes.Le deuxième mouvement est centré sur ARPAD, le fondateur de l’État hongrois. Un passage limpide et aérien ouvre ce mouvement évoquant Émèse, la grand-mère d’Arpad, qui vit en rêve sa destinée future. Après avoir livré bataille contre l’un de ses opposants, le prince bulgare Zalan, et l’avoir chassé des terres magyares, Arpad donne officiellement au territoire le nom de Magyarorszag.Le troisième et dernier mouvement de la symphonie porte le nom de celui qui convertit le pays au christianisme : Étienne Ier (ISTVAN), sacré roi de Hongrie le 1er janvier 1001 par le Pape Sylvestre II. Les mesures d’ouverture, solennelles et majestueuses, mènent un passage dont l’atmosphère belliqueuse s’intensifie pour s’achever en de violents fracas symbolisant la mort Sinfonia Hungarica, commissionata dalla banda ungherese di Kiskunfelegyahaza, è dedicata al maestro Ferenc Jankovski, al sindaco della citt Jozsef Ficsor e a Gabriella Kiss. La prima mondiale, eseguita dalla banda Kiskunfelegyhaza si è tenutaa Budapest il 31 marzo 2001 sotto la direzione del compositore.Gli eventi salienti della storia dell’Ungheria, come le guerre ed altri avvenimenti importanti, sono tradotti in musica in questa sinfonia strutturata in tre movimenti. Sinfonia Hungaricavuole anche essere un omaggio allo stato ungherese che festeggia il suo millennio nel 2001.ATTILA, re degli Unni, spesso chiamato “il flagello di Dio“ è la figura centrale del primo movimento, caratterizzato dalla paura, dalla minaccia,dall’aggressione e dalla crudelt . Buda, fratello di Attila è associato ad un tema più eroico, mentre Rika, l’amata moglie, è rappresentata da una melodia lirica. L’eccitante finale di questo movimento di apertura illustra la tanto temuta velocit delle truppe di Attila che seminavano paura e morte.Il secondo movimento pone l’accento su ARPAD, il fondatore dello Stato ungherese. Inizia con un passaggio in stile atmosferico che evoca la nonna di Arpad, Emese che aveva sognato e predettoil futuro del nipote. Uno degli oppositori di Arpad, il principe bulgaro Zalan, fu cacciato dopo una battaglia. In seguito, Arpad chiamò ufficialmente il territorio “Magyarorszagâ€.Il movimento finale prende il nome da ISTVAN, il re che portòil cristianesimo in Ungheria e che fu incoronato da Papa Silvestro II il 1 gennaio, 1001. Un inizio solenne prelude ad un passaggio bellico accentuato da rumori imponenti; questo a simboleggiare l’atroce fine del pagano Koppany il cui corpo futagliato in quattro pezzi e inviato ai quattro castelli del paese come monito. Dopo un intermezzo quieto, quasi religioso, viene presentato l’Inno nazionale ungherese. In questo ampio e grandioso finale riecheggia l’orgoglio dell’Ungheria nelricordare il suo passato e la fiducia con la quale si proietta al futuro.Lo stupendo tema dell’Inno nazionale ungherese è proposto nell’arco dell’intera sinfonia. E’ però spesso parzialmente nascosto e usato come filo conduttore, appena riconoscibileall’inizio ma sempre più ovvio quando la sinfonia si avvicina al suo finale. A conclusione della sinfonia, il sublime inno conduce la banda in un’apoteosi finale, facendo apparire l’organico strumentale come un maestoso organo.
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ISBN 9783954562008. German.
Known professionally as Hauschka, composer Volker Bertelmann has catapulted himself into the top tier of instrumental composers. This is proven, not least, by the Oscar nomination which he received for his soundtrack to the2016 film Lion.
In his latest album A Different Forest, released on 8 February 2019 at Sony Classical, Hauschka takes the forest as a contrast to the urban life. The names of the pieces, such as 'Talking To My Father',testify equally that those natural experiences are metaphorical of the important things in life.
For this album Hauschka renounces entirely his prepared Piano. The existential questions which he musically poses, however,donot lose their intensity, but rather, without the alienation by electronic elements, gain urgency.
In addition to the 13 LP tracks, this songbook for Piano also contains three exclusive arrangements of previouslyunreleased songs: 'Collecting Stones', 'Loosing Directions' and 'Misty Day'.
Titels zoals Talking To My Father tonen dat deze ervaringen in de natuur metaforen zijn voor belangrijke gebeurtenissen in het leven. Dit songbook voor piano bevat, naast de 13 nummers van de LP, eneneens 3 exclusieve bewerkingen van tot nu onuitgebrachte nummers: Collecting Stones, Losing Directions and Misty Day.Volker Bertelmann alias Hauschka hat sich mittlerweile in die oberste Riege der Instrumentalkomponisten katapultiert. Dies beweist nicht zuletzt die Oscar-Nominierung, die er für seinen Soundtrack zum Film Lion“ erhielt. In seinem neusten Album A Different Forest“ am 08. Februar 2019 bei Sony Classical erschienen nimmt er sich dem Wald als Kontrastraum zum städtischen Leben an. Titelnamen wie Talking To My Father bezeugen gleichermaßen, dass jene Naturerfahrungen metaphorisch für die wichtigen Dinge des Lebens stehen. Für dieses Album verzichtet Hauschka gänzlich auf sein präpariertes Klavier. Die existentiellen Fragen, denen er sich musikalisch stellt, verlieren hierdurch aber nicht an Intensität, sondern gewinnen ohne die Verfremdung durch elektronische Elemente vielmehr an Dringlichkeit. Dieses Songbook für Klavier enthält neben den 13 Titeln der LP drei exklusive Arrangements bisher unveröffentlichter Songs: Collecting Stones, Losing Directions und Misty Day.Volker Bertelmann, également connu sous le nom de Hauschka, s'est retrouvé au premier rang des compositieurs instrumentaux : ceci a été confirmé par sa nomination aux Oscars pour la bande-originale du film Lion. Dans son dernier album « A Different Forest », sorti le 8 février 2019, la forêt fait usage de contaste avec la vie urbaine.
Des titres tels que Talking to My Father déclarent de la même façon que ces expériences au contact de la nature sont des métaphores de moments importants dans la vie. En plus des 13 pistes du vinyl 33 trous, ce recueil de chansons pour piano comprend en exclusivité trois arrangements de titres inédits : Collecting Stones, Losing Directions et Misty Day.Volker Bertelmann aka Hauschka si è portato a un livello superiore dei compositori strumentali. Questo non è subito evidente nella colonna sonora del film Lion, per cui ha ricevuto una candidatura all' Oscar, ma nel suo ultimo album A Different Forest - uscito l'8 febbraio 2019 - in cui utilizza l'immagine della foresta come contrasto con la vita urbana.
Titoli come Talking to My Father testimoniano allo stesso modo che tutte quelle esperienze della natura sono metafore di eventi importanti della vita. Questo canzoniere per pianoforte contiene, oltre ai 13 brani dell'LP, tre arrangiamenti esculisivi di canzoni inedite: Collecting Stones, Losing Directions e Misty Day.
SKU: BT.DHP-1216326-070
ISBN 9789043162067. English-German-French-Dutch.
1. Emerald Isle, in this part, the musical spotlight focuses in on the green island of Ireland and its great wealth of traditional folk music. The piece opens with the air ‘My Lodging Is on the Cold Ground’, also known under the title ‘Believe Me, If All Those Endearing Young Charms’ (bars 5-24). Next, we hear another well-known air ‘The Minstrel Boy’ (bars 29-44). Finally, the air ‘The Groves of Blarney’, possibly better known as ‘The Last Rose of Summer’ (bars 53-68) is heard. Each air is heralded by a short introduction and brought to an end by a short conclusion. 2. Old Kentucky Memories, following an introduction of 14 bars all attention is claimed by the song ‘My Old Kentucky Home’. As the piece goes on, snippets of memories emerge, fleetingly, surfacing fast, but quickly disappearing again: this is musically featured by way of small motifs and themes from other songs. These can be heard briefly, and then they disappear, musing on Old Kentucky until the introduction returns to end the piece. 3. Uppland, is a province in Sweden that had a rich folk music culture, like the whole of Sweden, that boasts many songs and dances. A notable amount of these songs and dances have been composed in minor keys, three of which feature in this part. First, we hear ‘Svensk folkvisa’(bars 1-38), followed by the famous ‘Värmlandsvisan’ (bars 39-67) and then brought to an end by ‘Vexelsang’ (bars 68-end). 4. Ratatouille, in this part, no folk songs of just one country or one province are featured. This piece is a mishmash (or ratatouille), a hotchpotch of three folk songs with no significant relation at all. In succession, we hear a song from Russia (bars 1-30), one from Japan (bars 31-58) and one from Australia (bars 59-end). The composer of the Russian song titled ‘The Nightingale’ is Alexander Alyabyev (1787 1851), but the composers of the Japanese song titled ‘Sakura’ and the Australian ‘Waltzing Matilda’ are unknown.1. Emerald Isle, in dit deel zijn de muzikale schijnwerpers gericht op het groene eiland Ierland, op de grote rijkdom aan traditionele volksmuziek. Het werkje opent met de air ‘My Lodging Is on the Cold Ground’, ook bekend onder de titel ‘Believe Me, If All Those Endearing Young Charms’ (maat 5-24). Daarna volgt de bekende air ‘The Minstrel Boy’ (maat 29-44). En ten slotte horen we nog de air ‘The Groves of Blarney’, misschien beter bekend als ‘The Last Rose of Summer’ (maat 53-68). Elke air wordt voorafgegaan door een korte inleiding en beëindigd met een korte afsluiting. 2. Old Kentucky Memories, na een inleiding van 14 maten (deels ook als afsluiting van dit deel gebruikt) wordt alle aandacht opgeëist door de song ‘My Old Kentucky Home’. Al gauw doemen er echter flarden van herinneringen op, vluchtig, snel opkomend, maar ook weer snel verdwijnend: dit krijgt muzikaal gestalte door middel van motiefjes en thema’s uit andere songs. Deze zijn even hoorbaar en dan weer vlug verdwenen... Mijmeren over Old Kentucky dus... 3. Uppland, is een provincie in Zweden met een rijke muziekcultuur, zoals heel Zweden trouwens ruim bedeeld is met volksliederen en volksdansen. Opvallend veel van deze liederen en dansen zijn gecomponeerd in mineurtoonsoorten. Dit is ook het geval met de drie voor dit deel uitgekozen songs: als eerste ‘Svensk folkvisa’(maat 1-38), gevolgd door het bekende ‘Värmlandsvisan’ (maat 39-67) en tot besluit ‘Vexelsang’ (maat 68-slot). 4. Ratatouille, in dit deel worden geen volksliedjes van één land of één provincie belicht. Dit werkje is een ‘ratjetoe’ (ratatouille), een allegaartje van drie folksongs die onderling geen enkel verband met elkaar hebben: de enige overeenkomst is dat ze alle drie als volksmuziek bestempeld kunnen worden. Achtereenvolgens klinkt er een lied uit Rusland (maat 1-30), uit Japan (maat 31-58) en uit Australië (maat 59-slot). Van het Russische lied met de titel ‘De nachtegaal’ is de componist bekend: dat is Aleksandr Aljabjev (1787 1851). Van het Japanse lied ‘Sakura’ en de Australische song ‘Waltzing Matilda’ kennen we niet de componist niet.1. Emerald Isle, in diesem Abschnitt richtet sich die musikalische Aufmerksamkeit auf die grüne Insel Irland mit ihrem großen Reichtum an traditioneller Volksmusik. Das Stück beginnt mit der Melodie My Lodging Is on the Cold Ground“, auch bekannt unter dem Titel Believe Me, If All Those Endearing Young Charms“ (Takt 5-24). Anschließend erklingt die bekannte Melodie The Minstrel Boy“ (Takt 29-44). Schließlich ist The Groves of Blarney“, vielleicht bekannter unter dem Titel The Last Rose of Summer“ (Takt 53-68), zu hören. Jede Melodie wird durch eine kurze Einleitung angekündigt und mit einem kurzen Nachspiel beendet. 2. Old Kentucky Memories, nach einer 14 Takte dauerndern Einleitung tritt das Lied My Old Kentucky Home“ in den Mittelpunkt. Im weiteren Verlauf des Stücks erscheinen bruchstückhafte Erinnerungen, die fast so schnell wieder verschwinden, wie sie auftauchen. Dies wird musikalisch durch kleine Motive und Themen aus anderen Liedern dargestellt. Diese sind kurz zu hören und verschwinden dann, während man über Old Kentucky nachdenkt, bis die Einleitung wieder erklingt, die zum Schluss des Stückes führt. 3. Uppland, ist eine schwedische Provinz, die wie ganz Schweden eine reiche Volksmusikkultur mit vielen Liedern und Tänzen hat. Eine große Anzahl der Lieder und Tänze, von denen drei in diesem Abschnitt enthalten sind, stehen in Moll-Tonarten. Zuerst hören wir Svensk folkvisa“ (Takt 1-38), darauf erklingt das berühmte Värmlandsvisan“ (Takt 39-67) und am Ende Vexelsang“ (Takt 68-end). 4. Ratatouille, in diesem Abschnitt werden nicht die Volkslieder eines einzigen Landes oder einer einzigen Provinz vorgestellt, sondern das Stück ist ein Mischung (oder Ratatouille“) aus drei Volksliedern, die keinerlei Beziehung zueinander haben. Zunächst erklingt ein Lied aus Russland (Takt 1-30), dann eines aus Japan (Takt 31-58) und zum Schluss eines aus Australien (Takt 59-Ende). Der Komponist des russischen Liedes mit dem Titel The Nightingale“ ist Alexander Alyabyev (1787 1851). Die Komponisten des japanischen Liedes Sakura“ und der australischen Melodie Waltzing Matilda“ sind unbekannt.1. Emerald Isle (Île d’émeraude), cette première partie met en vedette la verdoyante île d’Irlande et son riche patrimoine de musique folklorique traditionnelle. Elle s’ouvre avec « My Lodging Is on the Cold Ground », un air également connu sous le titre « Believe Me, If All Those Endearing Young Charms » (mesures 5-24). Vient ensuite un autre air célèbre, « The Minstrel Boy » (mesures 29-44), lui-même suivi de « The Groves of Blarney », peut être mieux connu sous le titre « The Last Rose of Summer » (mesures 53-68). Chaque air est annoncé par une courte introduction et s’achève avec une courte conclusion. 2. Old Kentucky Memories (Souvenirs du vieux Kentucky), après une introduction de 14 mesures, toute l’attention se porte sur la chanson « My Old Kentucky Home ». A fil de la pièce, des fragments de souvenirs fugaces émergent, disparaissant aussi vite qu’ils se présentent : cette impression est créée par le biais de courts motifs et thèmes empruntés d’autres chansons. On les entend brièvement puis ils s’estompent, comme de lointains souvenirs du vieux Kentucky, jusqu’ une reprise de l’introduction pour conclure la pièce. 3. Uppland, est une province suédoise aux riches traditions musicales, tout comme l’ensemble de la Suède, qui compte de nombreuses danses et chansons. Beaucoup sont en tonalité mineure, et cette partie en comprend trois. La première est « Svensk folkvisa » (mesures 1-38), qui est suivie de « ‘Värmlandsvisan » (mesures 39-67), et la pièce s’achève avec « Vexelsang » (mesure 68 jusqu’ la fin). 4. Ratatouille, cette dernière partie ne comprend pas d’air provenant d’un seul pays. C’est un méli-mélo, une « ratatouille » de trois chansons folkloriques sans aucun lien. Il y a d’abord une chanson russe, « Le Rossignol » (mesures 1-30), puis « Sakura », originaire du Japon (mesures 31-58) et, enfin, « Waltzing Matilda », venue d’Australie (mesure 59 jusqu’ la fin). La chanson russe est d’Alexander Alyabyev (1787-1851), mais nous ignorons les auteurs des deux autres chansons.
SKU: HL.224731
ISBN 9781495090325. UPC: 888680671761. 9.0x12.0x0.312 inches.
Instrumentalists will love this jam-packed collection of 101 timeless pop songs! Songs include: Another Brick in the Wall • Billie Jean • Dust in the Wind • Easy • Free Bird • Girls Just Want to Have Fun • Hey Jude • I'm a Believer • Jessie's Girl • Lean on Me • The Lion Sleeps Tonight • Livin' on a Prayer • My Girl • Piano Man • Pour Some Sugar on Me • Reeling in the Years • Stand by Me • Sweet Home Alabama • Take Me Home, Country Roads • With or Without You • You Really Got Me • and more.
SKU: HL.282480
ISBN 9781540034373. UPC: 888680789244. 9.0x12.0x0.868 inches.
Over 80 songs from the decade of excess where Generation X came of age. This collection features arrangements for easy piano with lyrics. Songs include: Another Brick in the Wall * Billie Jean * Caribbean Queen (No More Love on the Run) * Chariots of Fire * Don't Stop Believin' * Endless Love * Eye of the Tiger * Flashdance...What a Feeling * Girls Just Want to Have Fun * How Will I Know * I Love Rock 'N Roll * Jump * Karma Chameleon * Let's Hear It for the Boy * Like a Virgin * Missing You * Nothing's Gonna Stop Us Now * One More Night * Pour Some Sugar on Me * Right Here Waiting * Sweet Child O' Mine * Sweet Dreams (Are Made of This) * Take on Me * Time After Time * Up Where We Belong * What's Love Got to Do with It * When Doves Cry * With or Without You * and more.
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INSSTR inches. French.
A previously unreleased piece by Francis Poulenc, published with permission from the Bibliothèque Historique de la Ville de Paris and Benoît Seringe, secretary of the Association des amis de Francis Poulenc [Association of the Friends ofFrancis Poulenc]. Le Voyageur sans bagage [The Traveller Without Luggage], which had been premiered in 1937 with music by Darius Milhaud, was reprised on 1 April 1944 at the Thé tre de la Michodière; Francis Poulenc was asked to compose new stage music. Theentire unpublished score lay undiscovered until Bérengère de l’Épine, a librarian at the Bibliothèque Historique de la Ville de Paris, announced the existence of a manuscript in the Association de la Régie Thé trale collection.Poulenc finalised the score between 19 and 21 March 1944. It contains nine songs, all written for a small instrumental ensemble including oboe, clarinet, cello and piano. However, at the end of the manuscript, the composer echoes the second song Lent [Slow] and creates another version for cello and piano; curiously, the original version of the song has not been erased in the manuscript. Poulenc seems to suggest that we consider the piece for cello and piano, that we have publishedhere, as a different piece of music. It was premiered on Wednesday 23 January 2013 by Marc Coppey, accompanied by Jean-François Heisser, in the organ auditorium of the Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris (CNSMDP), during thesymposium for the fiftieth anniversary of Poulenc’s death.Given in a dramatic context, some elements allow us to get an idea of the character of the piece, which Benoît Seringe, Poulenc’s beneficiary, judiciously chose to name Souvenirs.The main character of Anouilh’s play, Gaston, is suffering from amnesia at the end of World War One. Several families try to claim him; they want him to be their missing relative. The Renaud family prove to be particularly stubborn, but Gaston doesnot recognize himself in the child and young man they depict: a ruthless and violent person. In Act 1 Scene 3, left alone for a moment, overwhelmed by the story of the “old Gaston†that is gradually coming to light, and outraged by the desire ofthose around him to appropriate him (to the detriment of the person he would like to be from now on), he whispers these words: “You all have proof, photographs that look like me, memories as clear as day… I’ve listened to you all and it’s slowlycausing a hybrid person to rise up in me; a person in which there is a piece of each of your sons and nothing of me.†Poulenc chose to place the second piece from his stage music score as these words are spoken.He borrowed part of the material, as he often did, from an earlier composition. In this particular case, the beginning is a recycled version of the “slow and melancholic†section from L’Histoire de Babar , composed between 1940 and 1945, andpremiered in 1946 (unless it is Babar that reuses the musical idea from Voyageur ).The eponymous elephant decides to leave in search of the great forest. He embraces the old lady, promises her he will return and reassures her that he will never forget her. Left alone, the old lady, feeling sad and pensive, wonders when she’ll seeher friend Babar again. The situation is similar to that in Voyageur sans bagage: solitude, sadness, a distressing and introspective time, fear of oblivion, the presence of memories…Pièce inédite de Francis Poulenc, publiée avec l’autorisation de la Bibliothèque historique de la ville de Paris et de Benoît Seringe, secrétaire de l’Association des Amis de Francis Poulenc.Le 1er avril 1944, Le Voyageur sans bagage d’Anouilh, qui avait été créé en 1937 avec de la musique de Darius Milhaud, est repris au Thé tre de la Michodière. Francis Poulenc a été sollicité afin d’écrire une nouvelle musique de scène. On ignoraittout de cette partition inédite, jusqu’au jour où Bérengère de l’Épine, conservateur la Bibliothèque historique de la ville de Paris, nous signala l’existence d’un manuscrit dans le fonds de l’Association de la Régie thé trale.Poulenc mit au point sa partition entre le 19 et le 21 mars 1944. Elle comprend neuf numéros, tous écrits pour un petit effectif instrumental réunissant un hautbois, une clarinette, un violoncelle et un piano.Cependant, la fin de son manuscrit, le compositeur reprend le no 2 Lent et en donne une seconde version, pour violoncelle et piano. Curieusement, la version originale de ce numéro n’est pas biffée dans le manuscrit.Poulenc semble nous inviter considérer comme un morceau distinct cette pièce pour violoncelle et piano dont nous proposons ici l’édition. Elle a été créée par Marc Coppey, accompagné de Jean-François Heisser, lors du concert donné durant lecolloque organisé pour le cinquantenaire du décès de Poulenc, le mercredi 23 janvier 2013, salle d’orgue du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP).Quelques éléments sur le contexte dramatique permettront de se faire une idée du caractère du morceau, que Benoît Seringe, ayant droit Poulenc, a judicieusement choisi d’intituler Souvenirs.Le personnage principal de la pièce d’Anouilh, Gaston, a été retrouvé amnésique la fin de la Première Guerre Mondiale. Plusieurs familles le réclament. On veut voir en lui un parent disparu. Les Renaud se montrent particulièrement tenaces ; maisGaston ne parvient se reconnaître dans l’enfant et le jeune homme dont on lui trace le portrait : un être violent et sans scrupule. Au tableau 3 de l’acte I, resté seul un moment, écrasé par l’histoire de cet autre lui-même qu’il découvre peu peu, indigné par le désir des personnes qui l’entourent de le ramener elles au détriment de celui qu’il voudrait être désormais, il se murmure ces paroles : « Vous avez tous des preuves, des photographies ressemblantes, des souvenirs précis commedes crimes… je vous écoute tous et je sens surgir peu peu derrière moi un être hybride où il y a un peu de chacun de vos fils et rien de moi »…C’est sur ces mots que Poulenc a choisi de placer le no 2 de sa partition de musique de scène.Comme il le fait souvent, il emprunte une composition antérieure une part de son matériau. Dans ce cas précis, il réutilise pour le début du morceau la section « Lent et mélancolique » de l’Histoire de Babar, composée entre 1940 et 1945, créée en1946 ( moins que ce ne soit Babar qui réutilise l’idée musicale du Voyageur). Le héros-éléphant s’est décidé partir pour retrouver la grande forêt. Il a embrassé la vieille dame, lui a promis de revenir, l’a rassurée : jamais il ne l’oubliera.Restée seule, la vieille dame, triste et pensive, se demande quand elle reverra son ami Babar. La situation est similaire celle du Voyageur sans bagage : solitude, tristesse, instantde trouble et de retour sur soi, crainte de l’oubli, présence des souvenirs….
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English-German-French-Dutch.
Queen Cleopatra ruled Egypt for over 20 years. She is one of antiquity’s best-known women, in particular because of her relationships with Julius Caesar and, above all, Mark-Anthony, but also because the cause of her death remainsa mystery. The work is split into three parts and performed without breaks. The first section begins with a bright introduction representing Mark-Anthony. Dynamic in nature and reminiscent of military music, this characterises theRoman general. But soon after, another theme emerges, softer and more melodic, symbolising Cleopatra’s femininity. The two characters then combine on a faster tempo. The middle section of the work depicts the love thatMark-Anthony and Cleopatra feel for each other. This passionate relationship lasted ten years and produced three children. This is expressed by a warm and intense theme, just like the beauty of the Egyptian queen. The third andlast section opens in a determined and military mood. Mark-Anthony and Cleopatra were often apart, the Roman general was often away on a campaign. They met up in Alexandria to celebrate their triumph. But, as the targets of thejealousy and ambition of Octavius, Julius Caesar’s son, the lovers are trapped and await the inevitable conquest of Egypt by the Romans. When Mark-Anthony heard the false news that Cleopatra had committed suicide, he ended his ownlife. The Queen of Egypt, for her part, was imprisoned shortly afterwards. The two lovers remain one of History’s most famous couples. This piece was commissioned by the Wind Orchestra of the town of Antony, near Paris, directedby Philippe Rossignol, to mark its 90th anniversary.Koningin Cleopatra heerste meer dan twintig jaar lang over Egypte. Ze is een van de bekendste vrouwen uit de oudheid, vanwege haar relatie met Julius Caesar en vooral die met Marcus Antonius, maar ook omdat de oorzaak van haardood altijd een mysterie is gebleven. Dit werk bestaat uit drie in elkaar overlopende delen. Het eerste deel begint met de levendige introductie van Marcus Antonius. Met het dynamische en enigszins militaire karakter van de muziekwordt de Romeinse generaal krachtig neergezet. Snel daarna doemt een zachter en melodieuzer thema op een weerspiegeling van Cleopatra’s vrouwelijkheid. De twee persoonlijkheden gaan vervolgens samen verder in een vlotter tempo.Het middelste deel beschrijft de liefde die Marcus Antonius en Cleopatra voor elkaar voelden. Hun hartstochtelijke relatie duurde tien jaar en bracht drie kinderen voort. Dit wordt uitgedrukt in een warm en intens thema waarintevens de schoonheid van de Egyptische koningin doorschemert. Het derde en laatste deel opent vastberaden en in militaire sfeer. Marcus Antonius en Cleopatra waren vaak bij elkaar vandaan: de generaal was geregeld weg om strijd tevoeren. In Alexandrië vierden ze samen hun triomf, maar de jaloezie en ambitie van Octavius, de zoon van Julius Caesar, gooide roet in het eten. De geliefden werden in de val gelokt en de onvermijdelijke verovering van Egypte doorde Romeinen volgde al snel. Toen Marcus Antonius het onjuiste bericht kreeg dat Cleopatra zelfmoord had gepleegd, maakte hij een eind aan zijn eigen leven: de koningin van Egypte werd op haar beurt kort daarna gevangengezet. Detwee geliefden behoren tot de beroemdste stellen uit de wereldgeschiedenis. Cleopatra werd in opdracht geschreven om het negentigjarig bestaan van het blaasorkest uit de gemeente Antony dicht bij Parijs te markeren. Dat orkestbracht het onder leiding van Philippe Rossignol in première.Königin Kleopatra regierte über 20 Jahre lang Ägypten. Sie ist eine der bekanntesten Frauen der Antike, insbesondere aufgrund ihrer Beziehungen zu Julius Cäsar und vor allem zu Marcus Antonius aber auch aufgrund ihrerrätselhaften Todesursache. Das Werk besteht aus drei Abschnitten, die ohne Unterbrechung gespielt werden. Der erste Abschnitt beginnt mit einer strahlenden Einleitung, die Marcus Antonius darstellt. Die martialische und dynamischeMusik beschreibt den römischen Feldherrn. Doch bald darauf erklingt ein neues Thema, das sanfter und melodischer ist und Kleopatras Weiblichkeit symbolisiert. Die beiden Charaktere verschmelzen schließlich in einem schnellerenTempo. Der Mittelteil des Werkes beschreibt die Liebe, die Marcus Antonius und Kleopatra füreinander empfinden. Die leidenschaftliche Beziehung der beiden dauerte zehn Jahre lang und aus ihr gingen drei Kinder hervor. Dafür stehtein warmes und intensives Thema, das auch die Schönheit der ägyptischen Königin beschreibt. Der dritte und letzte Abschnitt beginnt mit einer entschlossenen und kriegerischen Stimmung. Marcus Antonius und Kleopatra waren oftmalsgetrennt, wenn sich der römische Feldherr auf Feldzügen befand. In Alexandria trafen sie sich, um ihren Sieg zu feiern. Doch sie waren Opfer der Eifersucht und der ehrgeizigen Ambitionen von Octavius, Julius Cäsars Sohn, wurden ineine Falle gelockt und mussten auf die bevorstehende Eroberung Ägyptens durch die Römer warten. Als Marcus Antonius die Nachricht vom vermeintlichen Selbstmord Kleopatras erhielt, nahm er sich selbst das Leben. Die Königin vonÄgypten wurde ihrerseits kurz darauf inhaftiert. Die beiden zählen zu den berühmtesten Liebespaaren der Geschichte. Dieses Stück wurde vom Orchestre d’Harmonie de la Ville d’Antony aus der Nähe von Paris, das von PhilippeRossignol geleitet wird, anlässlich seines 90-jährigen Jubiläums in Auftrag gegeben.La Reine Cléop tre règne sur l’Égypte pendant plus de 20 ans. Elle est l’une des femmes les plus connues de l’Antiquité, notamment gr ce ses relations avec Jules César et surtout avec Marc-Antoine (Antony), mais aussi par lemystère qu’entoure sa disparition. L’œuvre est écrite en trois parties enchaînées. La première commence par une brillante introduction qui représente Marc-Antoine. A la fois martiale et dynamique, cette musique caractérise legénéral romain. Mais très vite, un nouveau thème apparaît, plus mélodique et plus doux, il symbolise la féminité que représente Cléop tre. Les deux caractères vont ensuite s’assembler dans un tempo plus rapide. La partie centralede l’œuvre dépeint l’amour que Marc-Antoine et Cléop tre ressentent l’un pour l’autre. Cette relation passionnée durera 10 ans et donnera naissance 3 enfants. Il en résulte un thème chaleureux et intense, l’image de la beautéde la reine d’Égypte. Enfin, c’est sur un caractère décidé et guerrier que la troisième partie débute. Marc-Antoine et Cléop tre sont souvent séparés, le général romain est souvent en campagne. Ils se retrouvent Alexandrie pourfêter leur triomphe. Mais, victimes de la jalousie et de l’ambition terrifiante d’Octave, fils de Jules César, les amants sont piégés et attendent inexorablement que l’Égypte soit conquise par les Romains. A la fausse annonce dusuicide de Cléop tre, Marc-Antoine met fin ses jours. La Reine d’Egypte sera quant elle emprisonnée peu de temps après. Les deux amants resteront l’un des couples les plus célèbres de l’Histoire. L’œuvre a été commandée parl’Orchestre d’Harmonie de la ville d’Antony l’occasion de ses 90 ans : l’orchestre est placé sous la direction de Philippe Rossignol.
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