SKU: BT.CMP-0498-01-120
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Dramatic trumpet fanfares announce a flowing main theme,creating an atmosphere of exhilaration and anticipation.Commissioned for the 1996 Atlanta Centennial Olympics,Olympic Fanfare and Theme will make a brilliant opener forany occasion Dit werk, dat door de Olympic Band wordt gespeeld als de olympische vlag wordt gehesen, bevat virtuoze fanfares in het koper, afgewisseld met de percussie en de spectaculaire klanken van de houtblazers. Het dramatisch vloeiende hoofdthemawordt van tijd tot tijd onderbroken door motieven uit de openingsfanfare. Een contrasterend middendeel met een hoofdrol voor het lage koper gaat vooraf aan een herhaling van de openingsfanfare en een laatste presentatie vanhet hoofdthema.Dramatische Trompetenklänge kündigen hier ein flieÃ?endes Hauptthema an und schaffen eine Atmosphäre der Vorfreude und des Hochgefühls. Olympic Fanfare and Theme, das für die Olympischen Spiele 1996 in Atlanta in Auftrag gegeben wurde, ist ein ideales Eröffnungsstück für jeden Anlass. partir de 776 avant J.-C. et pendant plus dâ??un millénaire, les Jeux Olympiques antiques ont eu lieu dans le site sacré dâ??Olympie en Grèce. Lâ??année 1896 voit la renaissance de lâ??olympisme. Le baron Pierre de Coubertin organise les premiers Jeux modernes Athènes. En 1996, Atlanta célèbre avec faste le centenaire des Jeux. James Curnow compose la demande du Comité Olympique dâ??Atlanta cette ?uvre brillante, idéale pour débuter un concert.
SKU: BT.CMP-0423-00-120
You'll be a-wearin' the green with CELTIC DANCE by Douglas Court. The unmistakable Galway Piper opens the piece, and through artful variation, playfully comes a-visitin' now and again, while original thematic material leads us on a tour of a lovely emerald musical countryside. The energetic joy of Irish dance and the internationally appealing flavor of Irish folk music come together in CELTIC DANCE to form a jewel of young band literature. Court's unerring sense of young player's abilities makes this one a pot o' gold!Celtic Dance is een fris, jeugdig stuk dat de levendigheid van de dans verbindt met de sfeer van de Ierse volksmuziek. De compositie begint met de volksliedklanken van de Galway Piper, die vervolgens worden gecombineerdmet origineel muzikaal materiaal. Met dit stuk worden beelden van het groene Ierse landschap opgeroepen.Ein frisches, jugendliches Stück für junge Musiker! Celtic Dance verbindet die kraftvolle Ausgelassenheit des Tanzes mit dem unverwechselbaren Flair irischer Volksmusik. Der berühmte 'Galway Piper' - Klang eröffnet die Komposition und wird in deren Verlauf mit originalem musikalischen Material kombiniert. Die grüne irische Landschaft und ihr Zauber sind förmlich zu spüren! La musique traditionnelle irlandaise se caractérise par sa lumineuse gaieté. Celtic Dance (â??Danse celtiqueâ?) débute avec le célèbre air Galway Piper qui devient le fil conducteur de lâ???uvre. Soumis ensuite de nombreuses variations, réalisées avec finesse, il nous emmène pour un voyage travers lâ??histoire de la musique traditionnelle irlandaise.
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Spain is a country like no other. Its scenic beauty, colorful history and bold arts and literature are unique and legendary. In this overture Carmine Pastore skilfully portrays this timeless region of many contrasts with the widely-varied orchestration portraying many of the opposing and unique qualities of the concert band.
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Accessible even to particularly advanced Jr. High bands or honor groups, James Curnow’s brilliant fanfare and treatment of Renaissance composer Tylman Susato’s RONDO is truly a jubilant musical expression. What a terrific way to energize a concert or conclude a graduation ceremony!FANFARE AND JUBILOSO is dedicated to Harry Begian, the world renowned and highly respected American music educator and conductor, and is a creative exploration of joyous energy.Investigating those intriguing Renaissance harmonic concepts, this celebratory offering will be a fresh and vigorous addition to your concert repertoire!
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SKU: BT.CMP-1090-06-120
9x12 inches. English.
You’ve got to love it when Stephen Bulla goes Gospel! Your musicians surely will! The slow introductory section sets up the audience for a rousing good time when the band suddenly lets rip with hand-clapping up-tempo Gospel sounds. Rhythmic and filled with amazingly creative harmonic ideas, this superb arrangement takes O Come Emmanuel, Adeste Fidelis, and Handel’s Hallelujah Chorus places that you probably never imagined they could go. Conductors seeking high-quality new and entertaining literature for the Christmas concert have come to the right place. Definitely NOT the “same old†Christmas arrangement!Großartige Effekte! Das Publikum wird nach einer ruhigen Einleitung ganz plötzlich von schnellen Gospelklängen geweckt und zum Mitklatschen animiert.Rhythmisch und voll kreativer harmonischer Ideen sind in diesem superben Arrangement die Lieder O Come Emmanuel, Adeste Fidelis (Herbei, o ihr Gläubigen) und Händels Hallelujah Chorus im Gospel-Stil zu erkennen. Musique d’hier née des souffrances d’un peuple, le gospel s’est transformé au point de devenir une musique universelle pleine d’émotion et de joie. Stephen Bulla vous propose une version gospel des mélodies O Come Emmanuel, Adestes Fideles et du célèbre Halleluja extrait du Messie de Georg Friedrich Haendel. Entrez dans une nouvelle dimension musicale.
SKU: BT.CMP-0034-95-020
Captivated by the rolling hills, majestic horse farms and beautiful horses of the Central Kentucky Bluegrass region, James Curnow has named this exciting overture after one of the most scenic areas near his home. After a fanfare opening, the Percussion section provides high energy for the main theme. A contrasting middle section showcases the expressive abilities of your ensemble. With a return of the main theme, momentum builds steadily to the exciting conclusion.Exhilarating!Überwältigt von der Schönheit der sanften Hügel, prächtigen Pferdefarmen und edlen Pferden in der so genannten Bluegrass Region in Kentucky, benannte James Curnow diese spannende Ouvertüre nach einer der malerischsten Landschaften seiner Heimatregion. Nach der einleitenden Fanfare bereitet das Schlagzeug energievoll auf das Hauptthema vor. Im kontrastreichen Mittelteil kann Ihr Ensemble all seine Ausdrucksmöglichkeiten entfalten. Mit der Rückkehr zum Hauptthema nimmt die Musik stetig an Schwung und treibender Kraft hin zum aufregenden Schluss zu. Sehr belebend!
SKU: BT.CMP-0135-97-020
SKU: BT.CMP-0031-95-020
Tiger Rock is designed to help introduce students to their first use of easy rock rhythms, melodies and chords. It is filled with drive and energy and exciting percussion sounds.
SKU: BT.AMP-143-020
9x12 inches. English-German.
The idea behind this work was to create an opening piece, something to start a concert in an unusual way. The title is a portmanteau word derived from madrigal. The work indeed begins in Renaissance mood however gradually tries to shake of its modal start and, by contrasting different instrumental families,the work changes into modern clothes.Why not add a little Renaissance splendor to any concert with this unique new work? De titel Madrigalum is afgeleid van de term madrigaal - en dit openingswerk begint inderdaad in een renaissancistische sfeer, aanvankelijk met slagwerk. Een fanfareachtig motief, ingezet door een solotrompet, is gebaseerd ophet ritmische motief dat de aanvang van veel zestiende-eeuwse madrigalen kenmerkt (een lange toon en twee korte tonen). Maar het werk schudt zijn modale start van zich af: met contrasten tussen verschillende instrumentgroepen veranderthet van richting en hult zich in een modern jasje. Een legato gedeelte vestigt de aandacht op de zachter klinkende instrumenten in afwisseling met het madrigaalritme - tot een complete omschakeling naar een sneller coda leidt,waarmee het werk besluit.Dem Titel entsprechend, beginnt dieses Eröffnungswerk im Renaissance-Stil in den Schlaginstrumenten mit einer fanfareartigen Figur in einer Solotrompete. Dann entwickelt sich die Musik jedoch hin zu moderneren Klängen. Dann wechselt sich ein Legato mit dem schnelleren Madrigalrhythmus ab, bevor das Stück noch einmal die Richtung ändert und in einer schnellen Coda endet. Ein ungewöhnlicher, viel versprechender Auftakt für Ihr Konzert! Questo brano di apertura è insolito e originale. Il titolo è un acronimo derivato dal termine madrigale, una forma musicale apparsa nel XVI secolo. Madrigalum apre al suono delle percussioni, in uno stile rinascimentale. La tromba espone un motivo di fanfara ispirato da una figura ritmica caratteristica di numerosi madrigali dell’epoca. La struttura abbandona progressivamente la sua forma modale per sviluppare un dialogo strumentale contrastante e contrastato che d al brano una forma più moderna. Un passaggio legato evidenzia gli strumenti dalle sonorit più calde e si alterna con motivi ritmici del madrigale, prima di imporre un cambiamento assoluto del carattere cheaccompagna il brano ad un finale eclatante.
SKU: BT.AMP-023-020
Merry-Go-Round is a mini concerto for band in which each section takes a turn as soloist. On a merry-go-round the viewpoint is constantly changing, this being portrayed by different instrumental groups playing variations on the main theme, continually coming to the fore. This attractive work will bring all the excitement of the fairground to your concert. Merry-Go-Round is een miniconcert voor harmonieorkest, waarin de verschillende secties om de beurt aan bod komen. Immers, in een carrousel - een ‘merry-go-round’ - draait steeds weer een ander deel naar voren, in het blikveldvan de toeschouwers. Nadat alle secties een variatie op het hoofdthema hebben afgewisseld met een tweede melodie, vormt de terugkerende openingsfanfare het slot van het werk.Merry-Go-Round ist ein Minikonzert für Blasorchester, das nacheinander alle Register ins rechte Licht setzt. Auf einem Karussell - einem 'Merry-Go-Round' - dreht sich immer wieder ein anderer Teil nach vorne, hin zum Auge des Betrachters. Hier stellen sich immer wieder andere Instrumentengruppen in den Vordergrund, indem sie sich mit Varianten des Hauptthemas und einer zweiten Melodie abwechseln und so das Stück reizvoll und spannend für Musiker und Publikum gestalten.
SKU: BT.AMP-342-120
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Five States of Change was commissioned by Kunstfactor for the 4th section of the Dutch National Brass Band Championships (NBK) 2011. It is dedicated to Jappie Dijkstra and the Music Information Centre (MUI), Arnhem, Holland, in acknowledgement of their outstanding work in developing band repertoire.The composer writes: The idea for the piece came when I was reading an article about a branch of Chinese philosophy which is abbreviated as Wu Xing*, which has no exact translation but can mean, for example, five elements, five phases or five states of change. It is central to all elements of Chinese thought, including science, philosophy, medicine andastrology, and in simple terms tries to create various cyclic relationships between five elements in all walks of life.An example is: Earth - Metal - Water - Wood - Fire - (Earth) etc. where (in one cycle) earth bears metal, metal changes to liquid (water) when heated, water helps trees grow, wood burns to create fire, fire produces ash (earth) and the cycle continues.I was particularly interested in the cycle of emotions:- Meditation - Sorrow - Fear - Anger - Joy - (Meditation) etc. and thought this cyclic principle would provide an effective emotional journey for a piece of music. So Five States of Change has five equal sections which loosely characterise this emotional cycle. I have tried to make the music grow organically, with minimal repetition, and each movement evolves from the musical elements at the end of the previous one, with the opening material appearing, transformed, at the end of the piece to complete the cycle. *in full Wu zhong liu xing zhi chi or the five types of chi dominating at different times Five States of Change is geschreven in opdracht van Kunstfactor voor de 4e divisie van de NBK (Nederlandse Brassband Kampioenschappen) 2011. Het werk is opgedragen aan Jappie Dijkstra en het MUI (Muziekuitleen- en Informatiecentrum) te Arnhem,als waardering voor hun inspanningen met betrekking tot de ontwikkeling van het repertoire voor blaasorkesten.De componist schrijft: Het idee voor het werk kwam in mij op toen ik een artikel las over een takbinnen de Chinese filosofie waarvan denaam wordt afgekort tot Wu Xing* - waar geen exacte vertaling voor is, maar wat zoveel betekent als vijf elementen, vijf fasen of vijf stadia van verandering. Het gaat om eenwezenlijk onderdeel van alle componenten binnen hetChinese gedachtegoed, inclusief de wetenschap, filosofie, geneeskunst en astrologie. Simpel gezegd draait het om het creëren van diverse cyclische verbanden tussen vijf elementendie in ieders leven een rol spelen.Een voorbeeld: Aarde - Metaal - Water- Hout - Vuur - (Aarde) enz. In deze cyclus bevat aarde metaal, metaal verandert in vloeistof (water) door verhitting, water helpt bomen te groeien, houtdat brandt creëert vuur, en vuur produceert as (aarde). Zo blijft de cyclus voortgaan. Zelf wasik vooral ge nteresseerd in de cyclus van emoties: Meditatie - Verdriet - Angst - Boosheid - Vreugde - (Meditatie) enz. De gedachte aandit cyclische principe leverde een reis door een muzikale wereld van emoties op. Five States of Changebestaat uit vijf delen die betrekking hebben op de emotionele cyclus. Ik heb geprobeerd de muziek op natuurlijke wijzete laten ontstaan, met zo weinig mogelijk herhalingen. Elk deel vloeit voort uit de muzikale elementen uit het slot van hetvoorgaande deel. Het openingsmateriaal komt, in getransformeerde gedaante, terug aan het einde van het werk.Five States of Change wurde von Kunstfactor für die vierte Abteilung der Holländischen Nationalen Brass-Band-Meisterschaft (NBK) 2011 in Auftrag gegeben. Die Widmung gilt Jappie Dijkstra und dem Musik-Informationszentrum (MUI) in Arnhem(Holland), in Anerkennung derer außerordentlichen Bemühungen um die Entwicklung des Blasorchester-Repertoires. Der Komponist über sein Werk: Die Idee zu diesem Stück kam mir beim Lesen eines Artikels über eine Richtung derchinesischen Philosophie, die abgekürzt Wu Xing* heißt, was nicht wörtlich übersetzt werden kann, aber so viel wie fünf Elemente, fünf Phasen oder fünf Stadien der Verwandlung bedeutet. DiesesPrinzip nimmt eine zentrale Position im gesamten chinesischen Gedankengut ein, sei es in der Wissenschaft, Medizin oder Astrologie. Einfach ausgedrückt, werden damit in allen Lebensbereichen verschiedene zyklische Beziehungen zwischenfünf Elementen hergestellt.Zum Beispiel: Erde - Metall - Wasser - Holz - Feuer - (Erde) - usw. In diesem Zyklus enthält die Erde Metall, das sich bei Erhitzung verflüssigt (Wasser); Wasser lässt Bäume wachsen, deren Holz verbrennt (Feuer)und zu Asche wird (Erde), womit der Kreislauf von neuem beginnt.Mich interessierte besonders der Kreislauf von Gefühlen:Meditation - Trauer - Angst - Ärger - Freude - (Meditation) usw.Ich dachte mir, dass dieser Kreislauf eine wirkungsvolleemotionale Reise“ durch ein Musikstück darstellen könnte. Folglich besteht Five States of Change aus fünf gleichen Abschnitten, die diesen Kreislauf der Gefühle grob nachzeichnen. Ich habe versucht, die Musik organischwachsen zu lassen mit möglichst wenig Wiederholungen. Jeder Satz entwickelt sich aus den Elementen vom Ende des vorhergehenden Satzes und das Material der Eröffnung vollendet am Schluss des Werkes den Kreis. *Abkürzung für Wu zhongliu xing zhi chi oder Die fünf Arten von Chi, die zu unterschiedlichen Zeiten dominierenFive States of Change est une commande de l’institut Kunstfactor pour la 4e division des Championnats néerlandais de Brass Band en 2011. Cette œuvre est dédiée Jappie Dijkstra et au Music Information Centre (MUI) d’Arnhem, aux Pays-Bas, en hommage leur rôle exceptionnel dans le développement du répertoire pour Orchestre Vent.Le compositeur écrit : L’idée de cette composition m’est venue alors que je lisais un article sur un aspect de la philosophie chinoise, connu sous l’abréviation de Wu Xing*, qu’il est impossible de traduire littéralement mais qui peut signifier, par exemple, cinq éléments, cinq phases ou cinq états de changement. Toutechose dans l’univers est le fruit d’un cycle de création (ou d’engendrement) et de domination (ou contrôle). Ce concept est essentiel tous les éléments de la pensée chinoise, y compris les sciences, la philosophie, la médecine et l’astrologie et, en termes simples, il représente les multiples rapports cycliques qui existent entre cinq éléments liés l’univers et toute chose dans l’univers, donc l’homme.Évoquons le cycle de la création : Terre - Métal - Eau - Bois - Feu - (Terre) etc. La terre contient des minéraux, source de métal, le métal peut être fondu et se liquéfie, l’eau arrose et fait pousser les arbres, le bois br le et produit du feu, le feu produit des cendres, une sorte de terre, dans une dynamique cyclique perpétuelle.Parmi tous les cycles existants, celui des émotions éveilla particulièrement mon intérêt : Méditation - Chagrin - Peur - Colère - Joie - (Méditation) etc. et je me suis dit que ce principe cyclique pourrait être la source d’un puissant et émotionnel voyage musical. Five States of Change se compose donc de cinq parties égales qui reflètent assez librement ce cycle des émotions. J’ai essayé de faire en sorte que la musique se développe de manière fluide et naturelle, avec un minimum de répétitions. Chaque mouvement s’ouvre partir des éléments musicaux qui parachèvent le mouvement précédent, tandis que L’idea di comporre questo brano è venuta a Philip Sparke leggendo un articolo sulla filosofi a cinese che si basa su cicli di cinque elementi, fasi e stadi di cambiamento. A Sparke interessavano in particolare il flusso dei sentimenti come la meditazione, il lutto, la paura, la rabbia e la gioia. A partire da questi elementi ha composto un impressionante “viaggio†musicale suddiviso in cinque sezioni, tematicamente intrecciate tra loro, quasi a voler formare un cerchio.
SKU: BT.AMP-047-020
Suite from Hymn of the Highlands draws three expressive musical pictures of the Scottish highlands. The first movement, Ardross Castle, features solo passages for clarinet and bassoon and features a fascinating bagpipe melody. The second movement, Alladale, is a saxophone trio with an accompaniment featuring the percussion section. The final movement, Dundonnell, features two highly contrasting melodies, a wild presto and the bagpipe melody first heard in the first movement.Suite from Hymn of the Highlands schetst drie indrukwekkende muzikale beelden van de Schotse Hooglanden. Hoewel is gekozen voor een Schots thema, zijn er geen volksliedjes gebruikt. Het eerste deel, Ardross Castle, wordtgekenmerkt door solo’s voor klarinet en fagot of euphonium, voordat een doedelzakmelodie wordt ge ntroduceerd. Het tweede deel, Alladale, is een trio voor saxofoon waarin het slagwerk een belangrijke rol speelt. Dit leidtnaar de finale, Dundonnell, die contrastrijk heen en weer beweegt tussen een wild presto en de doedelzakmelodie uit het eerste deel. Met de zwaarddans Strathcarron is deze suite uit te breiden tot een vierdelig erk.
SKU: BT.AMP-026-120
Edward MacDowell can be regarded as the first great American composer, although he disliked the idea of being classified as any sort of musical nationalist. He composed a large number of orchestral works but it is the charming and unpretentious suite of musical miniatures, Woodland Sketches, that has survived as his best-known work, with To a Wild Rose being the most popular. Philip Sparke has expertly arranged this simple work for concert band. Philip Sparke bearbeitete dieses Stück des amerikanischen Komponisten Edward MacDowell, der weit über die Grenzen seines Heimatlandes hinaus berühmt ist. To a Wild Rose wurde seinem bekanntesten Werk, den Woodland Sketches, entnommen, einer Reihe anmutiger, unprätentiöser musikalischer Miniaturen. Hieraus ist To a Wild Rose das wohl populärste Stück, dessen Qualität Kritiker zu dem Urteil bewog, es sei so gut, wie der gesamte Rest von MacDowells Klaviermusik.Edward MacDowell (1860-1908) est considéré comme le premier grand compositeur américain de l’histoire de la musique, bien qu’il refusait avec vigueur d’être associé un quelconque courant musical nationaliste. Edward MacDowell a toujours considéré que la musique était une véritable langue internationale, et ses œuvres sont fortement influencées par le style de composition européen, et plus particulièrement par l’écriture allemande. Compositeur adulé de son vivant dans son pays natal et l’étranger, il était également un pianiste exceptionnel dont la virtuosité a impressionné l’un de ses plus brillants professeurs, Franz Liszt. Edward MacDowell a composé de nombreusesœuvres pour piano, un grand nombre de lieder ainsi que plusieurs œuvres orchestrales. Mais l’œuvre la plus connue de son répertoire est une charmante suite de miniatures musicales pour piano, Woodland Sketches, une composition modeste et stylistiquement simple dont est extraite la plus célèbre de ces miniatures To a Wild Rose (“ une rose sauvageâ€). L’étonnante sincérité de la mélodie fit dire un grand critique musical que cette mélodie valait toutes les œuvres pour piano réunies de MacDowell.
SKU: BT.AMP-127-020
One of the most beautiful songs ever written. Philip Sparke’s sumptuous arrangement of this Stephen Foster classic will make a perfect item to bring a few minutes of peace and calm tranquillity to any concert. The lush harmonies, so characteristic of Philip Sparke’s arranging. Once you have played this once you will want it on every concert programme. Veel van de songs van Stephen Collins Foster (1826-1864), die onder meer Oh! Susannah, My Old Kentucky Home en Beautiful Dreamer schreef, waren erop gericht de zwarte Amerikaanse slaven een menselijker gezichtte geven. Jeanie with the Light Brown Hair schreef hij echter naar aanleiding van de afwezigheid van zijn vrouw toen hij in New York en zij in Pittsburgh woonde. De melancholie van de song komt in dit arrangement van PhilipSparke prachtig naar voren.Viele Lieder des amerikanischen Komponisten Stephen Foster handelten von den schwarzamerikanischen Sklaven zur Zeit der Abschaffung der Sklaverei. Foster war ein gewissenhafter Arbeiter und verbrachte manchmal Monate damit, den Text eines Liedes zu perfektionieren. Jeanie with the Light Brown Hair schrieb Foster nach einer langen Trennung von seiner geliebten Frau. Dieses strahlende Werk ist ein ideales langsames Zwischenspiel für Ihr Konzertprogramm.Stephen Foster (1826-1864), fu un compositore molto meticoloso. Dedicò a volte mesi al perfezionamento della scrittura di un testo. Conobbe il successo nel 1848 con Oh! Susanna e la crescente notoriet gli consentì di lasciare la provincia americana alla volta di New York. Ma il trasferimento non ebbe l’effetto desiderato, tanto che nel 1854 sua moglie Jane e sua figlia Marion ritornarono a Pittsburgh. L’assenza prolungata di sua moglie gli ispirò la canzone Jeanie with the Light Brown Hair.
SKU: BT.AMP-045-020
Philip Sparke has taken this traditional melody and produced an attractive arrangement for fanfare band. The piece is ideal for use in Christmas concerts and is guaranteed to get everyone’s toes tapping - players and audience alike. Philip Sparke heeft deze mooie traditionele melodie omgetoverd tot een prachtig arrangement voor fanfareorkest. Het is ideaal voor kerstconcerten, en zowel spelers als luisteraars zullen gegarandeerd met hun voet mee gaan tikken. Philip Sparke schuf eine gelungene Umsetzung der traditionellen Gospelmelodie Mary’s Boy Child für Fanfareorchester, die schon von vielen berühmten Künstlern und Gruppen, wie z.B. Jester Hairston, Harry Belafonte oder Boney M. interpretiert wurde. Jetzt kann sich auch Ihr Fanfareorchester in die Riege dieser berühmten Interpreten einreihen! Philip Sparke a fait de cette mélodie traditionnelle un arrangement attractif pour fanfare. Ce morceau est idéal pour des concerts de Noël et fera en sorte d’encourager les gens taper des pieds les musiciens mais aussi le public.
SKU: BT.AMP-390-020
Variations on a Scale was commissioned by CMV Excelsior Schraard in the Netherlands, to celebrate their 90th anniversary. The piece is in the form of six variations of different lengths but without a unifying theme. Instead, each variation includes either a melody based on the notes of a scale, or figurations based upon scales in the accompaniment. Variations on a Scale is geschreven in opdracht van CMV Excelsior Schraard (dirigent Thom Zigterman) ter gelegenheid van het 90-jarig jubileum van het orkest in 2012. Het werk werd gepresenteerd tijdens het jubileumconcert en de première vond plaats in maart 2013.De compositie bestaat uit zes variaties van verschillende lengte, zonder een verbindend inhoudelijk thema. In plaats daarvan wordt elke variatie gekarakteriseerd door óf een melodie die is gebaseerd op de noten van een toonladder, óf een opvallende toonladderfiguur in de begeleiding.Variations on a Scale wurde 2012 anlässlich des 90-jährigen Bestehens des CMV Excelsior Schraard (Dirigent: Thom Zigterman) in Auftrag gegeben und vom Orchester selbst bei der Jubiläumsfeier im März 2013 uraufgeführt. Das Werk besteht aus sechs verschieden langen Variationen, die nicht thematisch verbunden sind. Den gemeinsamen Nenner bildet das Motto Tonleiter - alle Variationen enthalten entweder eine Melodie, die auf einer Tonleiter beruht oder eine wichtige Tonleiter-Figur in der Begleitung.Variations on a Scale fut commandé par l’orchestre CMB Excelsior Schraard pour la célébration de leur 90ème anniversaire. Le morceau prend la forme de six variations de longueurs différentes. Au lieu d’un thème unifiant, chaque variation contient une mélodie basée sur les notes d’une gamme ou des figurations dans l’accompagnement qui sont basées sur des gammes.
SKU: BT.AMP-023-120
Merry-Go-Round is a mini concerto for band in which each section takes a turn as soloist. On a merry-go-round the viewpoint is constantly changing, this being portrayed by different instrumental groups playing variations on the main theme, continually coming to the fore. This attractive work will bring all the excitement of the fairground to your concert. Merry-Go-Round ist ein Minikonzert für Blasorchester, das nacheinander alle Register ins rechte Licht setzt. Auf einem Karussell - einem 'Merry-Go-Round' - dreht sich immer wieder ein anderer Teil nach vorne, hin zum Auge des Betrachters. Hier stellen sich immer wieder andere Instrumentengruppen in den Vordergrund, indem sie sich mit Varianten des Hauptthemas und einer zweiten Melodie abwechseln und so das Stück reizvoll und spannend für Musiker und Publikum gestalten.
SKU: BT.AMP-142-020
9x12 inches.
Over a period of four decades Jimmy Webb (b. 1946) has written hits for a number of singers including Glen Campbell, Art Garfunkel, Frank Sinatra, Willie Nelson, Johnny Cash and Linda Ronstadt. His songs are often epic in character and include By the Time I Get to Phoenix; Up, Up and Away; Didn’t We; Wichita Lineman and Galveston. MacArthur Park (1968) was unlike anything that had gone before it. Running at over 7 minutes, it is 2 or 3 times the length of most pop songs and has an extended orchestral interlude. Richard Harris’ seminal recording topped the music charts in Europe, while peaking at number two on the U.S. charts. Philip Sparke has made this excellentarrangement for fanfare band, which is sure to become a regular feature on your concert programme. MacArthur Park van Jimmy Webb, een nummer dat uitkwam in 1968, was niet te vergelijken met alles wat daarvoor was gemaakt. Met een duur van meer dan zeven minuten is deze song twee of drie keer zo lang als de meeste popsongs,ook het orkestraal tussenspel is bijzonder. Richard Harris’ originele opname stond bovenaan in de hitparades van Europa en op nummer 2 in de Verenigde Staten. Philip Sparke schreef een fantastisch arrangement dat zowel uw muzikantenals uw publiek zal aanspreken.Jimmy Webbs Musik kennt jeder: sei es als Musik zur Fernsehserie Emergency Room oder als einen der Hits von großen Stars wie Frank Sinatra, Johnny Cash, Linda Ronstadt und vielen anderen. Mit dem Popsong MacArthur Park gelang Webb ein Riesenhit im Jahr 1968. Das Lied über eine verlorene Liebe ist ungewöhnlich lang für einen Popsong und enthält ein ausgearbeitetes Orchester-Zwischenspiel. Grund genug für Philip Sparke, diesen Hit für Blasorchester zu bearbeiten.Pendant plus de quarante ans, Jimmy Webb (1946) a composé des chansons succès pour divers artistes tels que Glen Campbell, Art Garfunkel, Frank Sinatra, Willie Nelson, Johnny Cash et Linda Ronstadt. En 1968, il écrit MacArthur Park, une chanson complètement novatrice. D’une durée de plus de sept minutes, elle est deux trois fois plus longue que la plupart des succès pop et contient un grand interlude orchestral. La version d’anthologie de MacArthur Park, interprétée et enregistrée par Richard Harris, s’est classée en tête des hit-parades européens et numéro 2 aux États-Unis.Per oltre quarant’anni, Jimmy Webb (1946) ha composto canzoni di successo per artisti come Glen Campbell, Art Garfunkel, Frank Sinatra, Willie Nelson, Johnny Cash e Linda Ronstadt. Nel 1968, scrive MacArthur Park, una canzone totalmente innovativa. Di una durata di oltre sette minuti, è da due a tre volte più lunga della gran parte dei successi pop e contiene un interludio orchestrale. La versione d’antologia di MacArthur Park, interpretata e incisa da Richard Harris è stata in testa alle hit-parades europee e n. 2 negli Stati Uniti.
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Obwohl César Franck schon während seiner Studienzeit einen Preis nach dem anderen gewann, bekam er doch erst zu späteren Lebzeiten die Anerkennung, die er eigentlich verdiente. Von seinen Zeitgenossen kaum wahrgenommen, genießt César Franck und seine religiös gefärbte, poetische, fast düstere Musik heute große Bewunderung. Panis Angelicus, das Philip Sparke arrangierte, ist zweifellos die beliebteste Komposition von Franck.
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Suite from Hymn of the Highlands draws three expressive musical pictures of the Scottish highlands. The first movement, Ardross Castle, features solo passages for clarinet and bassoon and features a fascinating bagpipe melody. The second movement, Alladale, is a saxophone trio with an accompaniment featuring the percussion section. The final movement, Dundonnell, features two highly contrasting melodies, a wild presto and the bagpipe melody first heard in the first movement.
SKU: BT.AMP-045-120
SKU: BT.AMP-247-120
Designed to open a Christmas concert, A Christmas Herald starts with a fanfare that introduces a lyrical theme, which eventually turns out to be a descant to Hark, the Herald Angels Sing, which is subsequently introduced by trombones and euphoniums. The famous carol then gradually transforms back into the fanfare, which closes the work as it began. A Christmas Herald, een openingswerk voor een kerstconcert, begint met een proclamerende fanfare. Deze fanfare introduceert een lyrisch thema, dat uiteindelijk uitmondt in een discant over Hark, the Herald Angels Sing,een melodie die achtereenvolgens wordt gepresenteerd door de trombones en euphoniums. De beroemde carol gaat vervolgens langzaam weer over in de fanfare, waarmee het werk eindigt zoals het begon.A Christmas Herald beginnt mit einer Signalfanfare; diese stellt ein lyrisches Thema vor, das sich bald als Diskant zu Hark, the Herald Angels Sing herausstellt, welches anschließend von Posaunen und Euphonien präsentiert wird. Dann verwandelt sich das berühmte Weihnachtslied schrittweise zurück in die Fanfare, die das Werk so beendet, wie es begann. Eine wunderbare Eröffnung für ein Weihnachtskonzert! Cette composition est idéale pour débuter ou clore un concert de Noël. A Christmas Herald (“Le Messager de Noëlâ€) débute avec une fanfare majestueuse qui cède sa place l’exposition d’un thème lyrique qui forme un contrechant au noël Hark, the Herald Angels Sing (Écoutez le chant des Anges) introduit par les trombones et l’euphonium. La mélodie de ce célèbre chant de noël revient progressivement vers la fanfare initiale qui clôt l’œuvre sur un ton toujours aussi solennel.
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This is an ancient Welsh air that was first published in Relics of the Welsh Bards in 1794. Dafydd (David) Owain was a famous Welsh bard who lived on a farm called Gareg Wen (The White Rock) in Eifionydd, Carnarnvonshire, North Wales. Tradition has it that on his deathbed he called for his harp and composed this lovely melody, requesting that it be played at his funeral. Accordingly, it was later played at the parish church of Ynys-Cynhaiarn. Lyrics were later added by Ceiriog Hughes, which describe the melody's inspiration. This version for fanfare band retains all the beauty and simplicity of the original.Deze oude melodie uit Wales werd in 1794 voor het eerst uitgegeven in Relics of the Welsh Bards. Dafydd (David) Owain was een beroemde bard uit Wales, hij woonde op een boerderij genaamd Gareg Wen (De witte rots) te Eifionyddin Carnarnvonshire, in Noord-Wales. Volgens de overlevering vroeg hij op zijn sterfbed om zijn harp en componeerde hij vervolgens deze prachtige melodie, met het verzoek om die te laten spelen op zijn begrafenis. Overeenkomstigzijn wens werd de melodie gespeeld in de dorpskerk van Ynys-Cynhaiarn. De tekst werd later toegevoegd door Ceiriog Hughes en beschrijft de ontstaansgeschiedenis van deze muziek.Dafydd Owain war ein berühmter walisischer Barde, der auf einem Bauernhof namens Gareg Wen, was so viel wie weißer Felsen bedeutet, lebte; daher der Name David vom weißen Felsen“. Es wird erzählt, dass Dafydd auf seinem Sterbebett nach seiner Harfe verlangte und dort diese Melodie komponierte, mit der Bitte, man möge sie zu seiner Beerdigung spielen. Die Schlichtheit dieses bezaubernden Airs eignet sich perfekt als Zwischenspiel in Ihrem Konzert. Dafydd (David) Owain fu un poeta e cantore gallese. Visse a Eifionydd, nella contea del Carnavonshire (nel nord del Galles), in una fattoria chiamataâ€Gareg wen†(La roccia bianca). Una leggenda narra che, prima di morire,Dafydd Owain chiese che gli venisse portata la sua arpa. Negli ultimi istanti della sua vita avrebbe composto questa deliziosa melodia esigendo che venisse eseguita al suo funerale. Alcuni anni dopo, il poeta John Ceiriog Hughes scrisse un testo riportandosi alla storia che aveva portato alla composizione di questa melodia, divenuta da allora un classico della musica tradizionale gallese.
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The British rock band Queen, formed in 1970, are one of the most popular bands of all time. The music of Queen already exists in numerous instrumental arrangements at all kinds of levels. However, arranger Philip Sparke has taken a unique approach: he has created an exceptional medley in a challenging, symphonic style from four of their greatest hits: 'Bohemian Rhapsody’, 'Bicycle Race’, 'Who Wants to Live Forever’ and 'We Are the Champions’. De in 1970 opgerichte Britse rockgroep Queen is nog steeds een van de populairste bands aller tijden. Van de muziek van Queen zijn talloze instrumentale arrangementen gemaakt voor blaasorkesten van diverse niveaus. Philip Sparke besloot echter om de grootste hits van de groep ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Bicycle Race’, ‘Who Wants to Live Forever’ en ‘We Are the Champions’ als basis te nemen voor een bijzondere medley in symfonische stijl. Een uitdagende en unieke benadering!Die britische Rockband Queen wurde 1970 gegründet und ist trotz der Tatsache, dass die Band nicht mehr auftritt, bis heute eine der beliebtesten Bands aller Zeiten. Die Musik von Queen existiert heute in zahlreichen Instrumentalarrangements für alle möglichen Schwierigkeitsgrade. Philip Sparke entschied sich für die größten Hits, Bohemian Rhapsody“, Bicycle Race“, Who Wants to Live Forever“ und We Are the Champions“, und erstellte ein außergewöhnliches Medley im sinfonischen Stil. Ein anspruchsvolles und einzigartiges Werk!Bien que formé en 1970 et ne se produisant plus sur scène, le groupe de rock britannique Queen demeure l’un des plus populaires de tous les temps. Sa musique existe aujourd’hui dans une multitude d’arrangements instrumentaux adaptés tous les niveaux. Pour ne pas être en reste, Philip Sparke a décidé de prendre certains des plus grands succès de Queen « Bohemian Rhapsody », « Bicycle Race », « Who Wants to Live Forever » et « We Are the Champions » pour en faire un pot-pourri de style symphonique. Une démarche unique et motivante !
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This enchanting melody is from the fourth movement of Bach’s Cantata 140 which was composed in 1731 using the parable of the wise and foolish virgins as the text. The work is beautiful in its simplicity with only three melodic lines, demonstrating Bach’s counterpoint at its best. For greatest effect it is suggested that the trumpets and trombones play behind the band or to the right and left of the stage. Bach schreef een ontelbare hoeveelheid cantates. Deze cantate, waarvan de tekst afkomstig is van de gelijkenis van de wijze en de dwaze maagden, schreef Bach in 1731 voor de 27e zondag na Drievuldigheidsdag (de eerste week van deadvent) en is gebaseerd op een koraal van Philipp Nicolai (1556-1608). Het vierde deel van de cantate, waarin Bach’s contrapunt zich van zijn meest elegante kant laat zien, werd door Philip Sparke bewerkt. Het bestaat uit drie melodielijnenen is in zijn eenvoud wonderbaarlijk mooi.Johann Sebastian Bach schrieb in seinem musikalisch überaus produktiven Leben unzählige Kantaten. Diese Kantate, deren Text vom Gleichnis der klugen und der törichten Jungfrauen handelt, schrieb er zum ersten Adventssonntag. Philip Sparke bearbeitete daraus den vierten Satz, in welchem sich Bachs Kontrapunkt von seiner elegantesten Seite zeigt, für Blasorchester. Das Stück besteht aus nur drei melodischen Linien, ist aber gerade in seiner Schlichtheit wunderschön.
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The Ukrainian Bell Carol is part of a large choral work entitled Shchedryk by the Ukrainian composer Mykola Dmytrovich Leontovych (1877-1921). It was first performed by students of Kiev University in December 1916. The tune is an adaptation of an old ‘shchedrivka’, a song traditionally sung on Ukrainian New Year’s Eve (January 13th) which hopes for good fortune in the year to come. In Shchedryk, Leontovych added his own the lyrics which concern the legend claiming that when Jesus was born, all the bells on earth started ringing in his honour.The tune has since been the inspiration of at least four different Christmas carols, but Philip Sparke has sourced the originalUkrainian melody to create this stirring arrangement. De Ukrainian Bell Carol is onderdeel van het grote koorwerk Shchedryk van de Oekra ense componist Mykola Dmytrovich Leontovych (1877-1921). De melodie is gebaseerd op een ‘shchedrivka’, een lied dat van oudsher werdgezongen op de Oekra ense oudejaarsavond (13 januari). In Shchedryk voegde Leontovych de tekst toe over de legende die vertelt dat bij de geboorte van Jezus alle klokken op aarde begonnen te luiden. Sindsdien is deze melodiede inspiratiebron geweest voor ten minste vier verschillende Christmas carols, waarvan Carol of the Bells de beroemdste is. Voor dit meeslepende arrangement heeft Philip Sparke echter de oorspronkelijke Oekra ense melodiegebruikt.Das Ukrainian Bell Carol ist Teil eines großen Chorwerkes namens Shchedryk vom ukrainischen Komponisten Mykola Dmytrovich Leontovych. Leontovych ergänzte ein traditionelles ukrainisches Neujahrslied um eine alte Legende, die besagt, dass zu Ehren von Jesu Geburt alle Glocken läuteten. Die Melodie diente inzwischen als Grundlage für mindestens vier verschiedene Weihnachtslieder. Philip Sparke griff für seine bewegende Bearbeitung jedoch auf die originale ukrainische Melodie zurück.Ukrainian Bell Carol constitue une des parties de l’œuvre chorale Shchedryk du compositeur ukrainien Mykola Dmytrovich Leontovich (1877-1921). La mélodie s’inspire d’un vieux chant traditionnel ukrainien (shchedrivka) chanté le Jour de l’An (célébré le 13 janvier, conformément au calendrier julien) dans l’espoir que l’année venir se présente sous de bons hospices. l’écriture de Shchedryk, Mykola Leontovich a choisi de changer les paroles. Il opte pour la légende selon laquelle, toutes les cloches des églises se sont mises carillonner joyeusement pour annoncer la naissance de Jésus. La mélodie du chant a inspiré au moins quatre noëlsdifférents. Carol of the Bells en est la version la plus célèbre. Elle a été adaptée en 1936 (texte et mélodie) par Peter J. Wilhousky (1902-1978) d’après la version originale de Mykola Leontovich. Philip Sparke s’est basé sur la mélodie du chant traditionnel ukrainien pour réaliser cet arrangement brillant et pétillant. Ukrainian Bell Carol costituisce una delle parti dell’opera corale Shchedryk del compositore ucraino Mykola Dmytrovich Leontovich (1877-1921). Il testo narra una leggenda secondo la quale le campane delle chiese si sono messe a suonare per annunciare la nascita di Gesù. La melodia di Leontovich ha ispirato almeno quattro canti natalizi diversi. Carol of the Bells di Peter J.Wilhousky è la versione più celebre. Philip Sparke ha scelto di ispirarsi alla melodia originale del canto tradizionale ucraino (shchedrivka) per realizzare questo brillante arrangiamento.