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| Transcriptions of Lieder Piano solo Carl Fischer
Chamber Music Piano SKU: CF.PL1056 Composed by Clara Wieck-Schumann, Fran...(+)
Chamber Music Piano SKU: CF.PL1056 Composed by Clara Wieck-Schumann, Franz Schubert, and Robert Schumann. Edited by Nicholas Hopkins. Collection. With Standard notation. 128 pages. Carl Fischer Music #PL1056. Published by Carl Fischer Music (CF.PL1056). ISBN 9781491153390. UPC: 680160910892. Transcribed by Franz Liszt. Introduction It is true that Schubert himself is somewhat to blame for the very unsatisfactory manner in which his admirable piano pieces are treated. He was too immoderately productive, wrote incessantly, mixing insignificant with important things, grand things with mediocre work, paid no heed to criticism, and always soared on his wings. Like a bird in the air, he lived in music and sang in angelic fashion. --Franz Liszt, letter to Dr. S. Lebert (1868) Of those compositions that greatly interest me, there are only Chopin's and yours. --Franz Liszt, letter to Robert Schumann (1838) She [Clara Schumann] was astounded at hearing me. Her compositions are really very remarkable, especially for a woman. There is a hundred times more creativity and real feeling in them than in all the past and present fantasias by Thalberg. --Franz Liszt, letter to Marie d'Agoult (1838) Chretien Urhan (1790-1845) was a Belgian-born violinist, organist and composer who flourished in the musical life of Paris in the early nineteenth century. According to various accounts, he was deeply religious, harshly ascetic and wildly eccentric, though revered by many important and influential members of the Parisian musical community. Regrettably, history has forgotten Urhan's many musical achievements, the most important of which was arguably his pioneering work in promoting the music of Franz Schubert. He devoted much of his energies to championing Schubert's music, which at the time was unknown outside of Vienna. Undoubtedly, Urhan was responsible for stimulating this enthusiasm in Franz Liszt; Liszt regularly heard Urhan's organ playing in the St.-Vincent-de-Paul church in Paris, and the two became personal acquaintances. At eighteen years of age, Liszt was on the verge of establishing himself as the foremost pianist in Europe, and this awakening to Schubert's music would prove to be a profound experience. Liszt's first travels outside of his native provincial Hungary were to Vienna in 1821-1823, where his father enrolled him in studies with Carl Czerny (piano) and Antonio Salieri (music theory). Both men had important involvements with Schubert; Czerny (like Urhan) as performer and advocate of Schubert's music and Salieri as his theory and composition teacher from 1813-1817. Curiously, Liszt and Schubert never met personally, despite their geographical proximity in Vienna during these years. Inevitably, legends later arose that the two had been personal acquaintances, although Liszt would dismiss these as fallacious: I never knew Schubert personally, he was once quoted as saying. Liszt's initial exposure to Schubert's music was the Lieder, what Urhan prized most of all. He accompanied the tenor Benedict Randhartinger in numerous performances of Schubert's Lieder and then, perhaps realizing that he could benefit the composer more on his own terms, transcribed a number of the Lieder for piano solo. Many of these transcriptions he would perform himself on concert tour during the so-called Glanzzeit, or time of splendor from 1839-1847. This publicity did much to promote reception of Schubert's music throughout Europe. Once Liszt retired from the concert stage and settled in Weimar as a conductor in the 1840s, he continued to perform Schubert's orchestral music, his Symphony No. 9 being a particular favorite, and is credited with giving the world premiere performance of Schubert's opera Alfonso und Estrella in 1854. At this time, he contemplated writing a biography of the composer, which regrettably remained uncompleted. Liszt's devotion to Schubert would never waver. Liszt's relationship with Robert and Clara Schumann was far different and far more complicated; by contrast, they were all personal acquaintances. What began as a relationship of mutual respect and admiration soon deteriorated into one of jealousy and hostility, particularly on the Schumann's part. Liszt's initial contact with Robert's music happened long before they had met personally, when Liszt published an analysis of Schumann's piano music for the Gazette musicale in 1837, a gesture that earned Robert's deep appreciation. In the following year Clara met Liszt during a concert tour in Vienna and presented him with more of Schumann's piano music. Clara and her father Friedrich Wieck, who accompanied Clara on her concert tours, were quite taken by Liszt: We have heard Liszt. He can be compared to no other player...he arouses fright and astonishment. His appearance at the piano is indescribable. He is an original...he is absorbed by the piano. Liszt, too, was impressed with Clara--at first the energy, intelligence and accuracy of her piano playing and later her compositions--to the extent that he dedicated to her the 1838 version of his Etudes d'execution transcendante d'apres Paganini. Liszt had a closer personal relationship with Clara than with Robert until the two men finally met in 1840. Schumann was astounded by Liszt's piano playing. He wrote to Clara that Liszt had played like a god and had inspired indescribable furor of applause. His review of Liszt even included a heroic personification with Napoleon. In Leipzig, Schumann was deeply impressed with Liszt's interpretations of his Noveletten, Op. 21 and Fantasy in C Major, Op. 17 (dedicated to Liszt), enthusiastically observing that, I feel as if I had known you twenty years. Yet a variety of events followed that diminished Liszt's glory in the eyes of the Schumanns. They became critical of the cult-like atmosphere that arose around his recitals, or Lisztomania as it came to be called; conceivably, this could be attributed to professional jealousy. Clara, in particular, came to loathe Liszt, noting in a letter to Joseph Joachim, I despise Liszt from the depths of my soul. She recorded a stunning diary entry a day after Liszt's death, in which she noted, He was an eminent keyboard virtuoso, but a dangerous example for the young...As a composer he was terrible. By contrast, Liszt did not share in these negative sentiments; no evidence suggests that he had any ill-regard for the Schumanns. In Weimar, he did much to promote Schumann's music, conducting performances of his Scenes from Faust and Manfred, during a time in which few orchestras expressed interest, and premiered his opera Genoveva. He later arranged a benefit concert for Clara following Robert's death, featuring Clara as soloist in Robert's Piano Concerto, an event that must have been exhilarating to witness. Regardless, her opinion of him would never change, despite his repeated gestures of courtesy and respect. Liszt's relationship with Schubert was a spiritual one, with music being the one and only link between the two men. That with the Schumanns was personal, with music influenced by a hero worship that would aggravate the relationship over time. Nonetheless, Liszt would remain devoted to and enthusiastic for the music and achievements of these composers. He would be a vital force in disseminating their music to a wider audience, as he would be with many other composers throughout his career. His primary means for accomplishing this was the piano transcription. Liszt and the Transcription Transcription versus Paraphrase Transcription and paraphrase were popular terms in nineteenth-century music, although certainly not unique to this period. Musicians understood that there were clear distinctions between these two terms, but as is often the case these distinctions could be blurred. Transcription, literally writing over, entails reworking or adapting a piece of music for a performance medium different from that of its original; arrangement is a possible synonym. Adapting is a key part of this process, for the success of a transcription relies on the transcriber's ability to adapt the piece to the different medium. As a result, the pre-existing material is generally kept intact, recognizable and intelligible; it is strict, literal, objective. Contextual meaning is maintained in the process, as are elements of style and form. Paraphrase, by contrast, implies restating something in a different manner, as in a rewording of a document for reasons of clarity. In nineteenth-century music, paraphrasing indicated elaborating a piece for purposes of expressive virtuosity, often as a vehicle for showmanship. Variation is an important element, for the source material may be varied as much as the paraphraser's imagination will allow; its purpose is metamorphosis. Transcription is adapting and arranging; paraphrasing is transforming and reworking. Transcription preserves the style of the original; paraphrase absorbs the original into a different style. Transcription highlights the original composer; paraphrase highlights the paraphraser. Approximately half of Liszt's compositional output falls under the category of transcription and paraphrase; it is noteworthy that he never used the term arrangement. Much of his early compositional activities were transcriptions and paraphrases of works of other composers, such as the symphonies of Beethoven and Berlioz, vocal music by Schubert, and operas by Donizetti and Bellini. It is conceivable that he focused so intently on work of this nature early in his career as a means to perfect his compositional technique, although transcription and paraphrase continued well after the technique had been mastered; this might explain why he drastically revised and rewrote many of his original compositions from the 1830s (such as the Transcendental Etudes and Paganini Etudes) in the 1850s. Charles Rosen, a sympathetic interpreter of Liszt's piano works, observes, The new revisions of the Transcendental Etudes are not revisions but concert paraphrases of the old, and their art lies in the technique of transformation. The Paganini etudes are piano transcriptions of violin etudes, and the Transcendental Etudes are piano transcriptions of piano etudes. The principles are the same. He concludes by noting, Paraphrase has shaded off into composition...Composition and paraphrase were not identical for him, but they were so closely interwoven that separation is impossible. The significance of transcription and paraphrase for Liszt the composer cannot be overstated, and the mutual influence of each needs to be better understood. Undoubtedly, Liszt the composer as we know him today would be far different had he not devoted so much of his career to transcribing and paraphrasing the music of others. He was perhaps one of the first composers to contend that transcription and paraphrase could be genuine art forms on equal par with original pieces; he even claimed to be the first to use these two terms to describe these classes of arrangements. Despite the success that Liszt achieved with this type of work, others viewed it with circumspection and criticism. Robert Schumann, although deeply impressed with Liszt's keyboard virtuosity, was harsh in his criticisms of the transcriptions. Schumann interpreted them as indicators that Liszt's virtuosity had hindered his compositional development and suggested that Liszt transcribed the music of others to compensate for his own compositional deficiencies. Nonetheless, Liszt's piano transcriptions, what he sometimes called partitions de piano (or piano scores), were instrumental in promoting composers whose music was unknown at the time or inaccessible in areas outside of major European capitals, areas that Liszt willingly toured during his Glanzzeit. To this end, the transcriptions had to be literal arrangements for the piano; a Beethoven symphony could not be introduced to an unknowing audience if its music had been subjected to imaginative elaborations and variations. The same would be true of the 1833 transcription of Berlioz's Symphonie fantastique (composed only three years earlier), the astonishingly novel content of which would necessitate a literal and intelligible rendering. Opera, usually more popular and accessible for the general public, was a different matter, and in this realm Liszt could paraphrase the original and manipulate it as his imagination would allow without jeopardizing its reception; hence, the paraphrases on the operas of Bellini, Donizetti, Mozart, Meyerbeer and Verdi. Reminiscence was another term coined by Liszt for the opera paraphrases, as if the composer were reminiscing at the keyboard following a memorable evening at the opera. Illustration (reserved on two occasions for Meyerbeer) and fantasy were additional terms. The operas of Wagner were exceptions. His music was less suited to paraphrase due to its general lack of familiarity at the time. Transcription of Wagner's music was thus obligatory, as it was of Beethoven's and Berlioz's music; perhaps the composer himself insisted on this approach. Liszt's Lieder Transcriptions Liszt's initial encounters with Schubert's music, as mentioned previously, were with the Lieder. His first transcription of a Schubert Lied was Die Rose in 1833, followed by Lob der Tranen in 1837. Thirty-nine additional transcriptions appeared at a rapid pace over the following three years, and in 1846, the Schubert Lieder transcriptions would conclude, by which point he had completed fifty-eight, the most of any composer. Critical response to these transcriptions was highly favorable--aside from the view held by Schumann--particularly when Liszt himself played these pieces in concert. Some were published immediately by Anton Diabelli, famous for the theme that inspired Beethoven's variations. Others were published by the Viennese publisher Tobias Haslinger (one of Beethoven's and Schubert's publishers in the 1820s), who sold his reserves so quickly that he would repeatedly plead for more. However, Liszt's enthusiasm for work of this nature soon became exhausted, as he noted in a letter of 1839 to the publisher Breitkopf und Hartel: That good Haslinger overwhelms me with Schubert. I have just sent him twenty-four new songs (Schwanengesang and Winterreise), and for the moment I am rather tired of this work. Haslinger was justified in his demands, for the Schubert transcriptions were received with great enthusiasm. One Gottfried Wilhelm Fink, then editor of the Allgemeine musikalische Zeitung, observed of these transcriptions: Nothing in recent memory has caused such sensation and enjoyment in both pianists and audiences as these arrangements...The demand for them has in no way been satisfied; and it will not be until these arrangements are seen on pianos everywhere. They have indeed made quite a splash. Eduard Hanslick, never a sympathetic critic of Liszt's music, acknowledged thirty years after the fact that, Liszt's transcriptions of Schubert Lieder were epoch-making. There was hardly a concert in which Liszt did not have to play one or two of them--even when they were not listed on the program. These transcriptions quickly became some of his most sough-after pieces, despite their extreme technical demands. Leading pianists of the day, such as Clara Wieck and Sigismond Thalberg, incorporated them into their concert programs immediately upon publication. Moreover, the transcriptions would serve as inspirations for other composers, such as Stephen Heller, Cesar Franck and later Leopold Godowsky, all of whom produced their own transcriptions of Schubert's Lieder. Liszt would transcribe the Lieder of other composers as well, including those by Mendelssohn, Chopin, Anton Rubinstein and even himself. Robert Schumann, of course, would not be ignored. The first transcription of a Schumann Lied was the celebrated Widmung from Myrten in 1848, the only Schumann transcription that Liszt completed during the composer's lifetime. (Regrettably, there is no evidence of Schumann's regard of this transcription, or even if he was aware of it.) From the years 1848-1881, Liszt transcribed twelve of Robert Schumann's Lieder (including one orchestral Lied) and three of Clara (one from each of her three published Lieder cycles); he would transcribe no other works of these two composers. The Schumann Lieder transcriptions, contrary to those of Schubert, are literal arrangements, posing, in general, far fewer demands on the pianist's technique. They are comparatively less imaginative in their treatment of the original material. Additionally, they seem to have been less valued in their day than the Schubert transcriptions, and it is noteworthy that none of the Schumann transcriptions bear dedications, as most of the Schubert transcriptions do. The greatest challenge posed by Lieder transcriptions, regardless of the composer or the nature of the transcription, was to combine the vocal and piano parts of the original such that the character of each would be preserved, a challenge unique to this form of transcription. Each part had to be intact and aurally recognizable, the vocal line in particular. Complications could be manifold in a Lied that featured dissimilar parts, such as Schubert's Auf dem Wasser zu singen, whose piano accompaniment depicts the rocking of the boat on the shimmering waves while the vocal line reflects on the passing of time. Similar complications would be encountered in Gretchen am Spinnrade, in which the ubiquitous sixteenth-note pattern in the piano's right hand epitomizes the ever-turning spinning wheel over which the soprano voice expresses feelings of longing and heartache. The resulting transcriptions for solo piano would place exceptional demands on the pianist. The complications would be far less imposing in instances in which voice and piano were less differentiated, as in many of Schumann's Lieder that Liszt transcribed. The piano parts in these Lieder are true accompaniments for the voice, providing harmonic foundation and rhythmic support by doubling the vocal line throughout. The transcriptions, thus, are strict and literal, with far fewer demands on both pianist and transcriber. In all of Liszt's Lieder transcriptions, regardless of the way in which the two parts are combined, the melody (i.e. the vocal line) is invariably the focal point; the melody should sing on the piano, as if it were the voice. The piano part, although integral to contributing to the character of the music, is designed to function as accompaniment. A singing melody was a crucial objective in nineteenth-century piano performance, which in part might explain the zeal in transcribing and paraphrasing vocal music for the piano. Friedrich Wieck, father and teacher of Clara Schumann, stressed this point repeatedly in his 1853 treatise Clavier und Gesang (Piano and Song): When I speak in general of singing, I refer to that species of singing which is a form of beauty, and which is a foundation for the most refined and most perfect interpretation of music; and, above all things, I consider the culture of beautiful tones the basis for the finest possible touch on the piano. In many respects, the piano and singing should explain and supplement each other. They should mutually assist in expressing the sublime and the noble, in forms of unclouded beauty. Much of Liszt's piano music should be interpreted with this concept in mind, the Lieder transcriptions and opera paraphrases, in particular. To this end, Liszt provided numerous written instructions to the performer to emphasize the vocal line in performance, with Italian directives such as un poco marcato il canto, accentuato assai il canto and ben pronunziato il canto. Repeated indications of cantando,singend and espressivo il canto stress the significance of the singing tone. As an additional means of achieving this and providing the performer with access to the poetry, Liszt insisted, at what must have been a publishing novelty at the time, on printing the words of the Lied in the music itself. Haslinger, seemingly oblivious to Liszt's intent, initially printed the poems of the early Schubert transcriptions separately inside the front covers. Liszt argued that the transcriptions must be reprinted with the words underlying the notes, exactly as Schubert had done, a request that was honored by printing the words above the right-hand staff. Liszt also incorporated a visual scheme for distinguishing voice and accompaniment, influenced perhaps by Chopin, by notating the accompaniment in cue size. His transcription of Robert Schumann's Fruhlings Ankunft features the vocal line in normal size, the piano accompaniment in reduced size, an unmistakable guide in a busy texture as to which part should be emphasized: Example 1. Schumann-Liszt Fruhlings Ankunft, mm. 1-2. The same practice may be found in the transcription of Schumann's An die Turen will ich schleichen. In this piece, the performer must read three staves, in which the baritone line in the central staff is to be shared between the two hands based on the stem direction of the notes: Example 2. Schumann-Liszt An die Turen will ich schleichen, mm. 1-5. This notational practice is extremely beneficial in this instance, given the challenge of reading three staves and the manner in which the vocal line is performed by the two hands. Curiously, Liszt did not use this practice in other transcriptions. Approaches in Lieder Transcription Liszt adopted a variety of approaches in his Lieder transcriptions, based on the nature of the source material, the ways in which the vocal and piano parts could be combined and the ways in which the vocal part could sing. One approach, common with strophic Lieder, in which the vocal line would be identical in each verse, was to vary the register of the vocal part. The transcription of Lob der Tranen, for example, incorporates three of the four verses of the original Lied, with the register of the vocal line ascending one octave with each verse (from low to high), as if three different voices were participating. By the conclusion, the music encompasses the entire range of Liszt's keyboard to produce a stunning climactic effect, and the variety of register of the vocal line provides a welcome textural variety in the absence of the words. The three verses of the transcription of Auf dem Wasser zu singen follow the same approach, in which the vocal line ascends from the tenor, to the alto and to the soprano registers with each verse. Fruhlingsglaube adopts the opposite approach, in which the vocal line descends from soprano in verse 1 to tenor in verse 2, with the second part of verse 2 again resuming the soprano register; this is also the case in Das Wandern from Mullerlieder. Gretchen am Spinnrade posed a unique problem. Since the poem's narrator is female, and the poem represents an expression of her longing for her lover Faust, variation of the vocal line's register, strictly speaking, would have been impractical. For this reason, the vocal line remains in its original register throughout, relentlessly colliding with the sixteenth-note pattern of the accompaniment. One exception may be found in the fifth and final verse in mm. 93-112, at which point the vocal line is notated in a higher register and doubled in octaves. This sudden textural change, one that is readily audible, was a strategic means to underscore Gretchen's mounting anxiety (My bosom urges itself toward him. Ah, might I grasp and hold him! And kiss him as I would wish, at his kisses I should die!). The transcription, thus, becomes a vehicle for maximizing the emotional content of the poem, an exceptional undertaking with the general intent of a transcription. Registral variation of the vocal part also plays a crucial role in the transcription of Erlkonig. Goethe's poem depicts the death of a child who is apprehended by a supernatural Erlking, and Schubert, recognizing the dramatic nature of the poem, carefully depicted the characters (father, son and Erlking) through unique vocal writing and accompaniment patterns: the Lied is a dramatic entity. Liszt, in turn, followed Schubert's characterization in this literal transcription, yet took it an additional step by placing the register of the father's vocal line in the baritone range, that of the son in the soprano range and that of the Erlking in the highest register, options that would not have been available in the version for voice and piano. Additionally, Liszt labeled each appearance of each character in the score, a means for guiding the performer in interpreting the dramatic qualities of the Lied. As a result, the drama and energy of the poem are enhanced in this transcription; as with Gretchen am Spinnrade, the transcriber has maximized the content of the original. Elaboration may be found in certain Lieder transcriptions that expand the performance to a level of virtuosity not found in the original; in such cases, the transcription approximates the paraphrase. Schubert's Du bist die Ruh, a paradigm of musical simplicity, features an uncomplicated piano accompaniment that is virtually identical in each verse. In Liszt's transcription, the material is subjected to a highly virtuosic treatment that far exceeds the original, including a demanding passage for the left hand alone in the opening measures and unique textural writing in each verse. The piece is a transcription in virtuosity; its art, as Rosen noted, lies in the technique of transformation. Elaboration may entail an expansion of the musical form, as in the extensive introduction to Die Forelle and a virtuosic middle section (mm. 63-85), both of which are not in the original. Also unique to this transcription are two cadenzas that Liszt composed in response to the poetic content. The first, in m. 93 on the words und eh ich es gedacht (and before I could guess it), features a twisted chromatic passage that prolongs and thereby heightens the listener's suspense as to the fate of the trout (which is ultimately caught). The second, in m. 108 on the words Betrogne an (and my blood boiled as I saw the betrayed one), features a rush of diminished-seventh arpeggios in both hands, epitomizing the poet's rage at the fisherman for catching the trout. Less frequent are instances in which the length of the original Lied was shortened in the transcription, a tendency that may be found with certain strophic Lieder (e.g., Der Leiermann, Wasserflut and Das Wandern). Another transcription that demonstrates Liszt's readiness to modify the original in the interests of the poetic content is Standchen, the seventh transcription from Schubert's Schwanengesang. Adapted from Act II of Shakespeare's Cymbeline, the poem represents the repeated beckoning of a man to his lover. Liszt transformed the Lied into a miniature drama by transcribing the vocal line of the first verse in the soprano register, that of the second verse in the baritone register, in effect, creating a dialogue between the two lovers. In mm. 71-102, the dialogue becomes a canon, with one voice trailing the other like an echo (as labeled in the score) at the distance of a beat. As in other instances, the transcription resembles the paraphrase, and it is perhaps for this reason that Liszt provided an ossia version that is more in the nature of a literal transcription. The ossia version, six measures shorter than Schubert's original, is less demanding technically than the original transcription, thus representing an ossia of transcription and an ossia of piano technique. The Schumann Lieder transcriptions, in general, display a less imaginative treatment of the source material. Elaborations are less frequently encountered, and virtuosity is more restricted, as if the passage of time had somewhat tamed the composer's approach to transcriptions; alternatively, Liszt was eager to distance himself from the fierce virtuosity of his early years. In most instances, these transcriptions are literal arrangements of the source material, with the vocal line in its original form combined with the accompaniment, which often doubles the vocal line in the original Lied. Widmung, the first of the Schumann transcriptions, is one exception in the way it recalls the virtuosity of the Schubert transcriptions of the 1830s. Particularly striking is the closing section (mm. 58-73), in which material of the opening verse (right hand) is combined with the triplet quarter notes (left hand) from the second section of the Lied (mm. 32-43), as if the transcriber were attempting to reconcile the different material of these two sections. Fruhlingsnacht resembles a paraphrase by presenting each of the two verses in differing registers (alto for verse 1, mm. 3-19, and soprano for verse 2, mm. 20-31) and by concluding with a virtuosic section that considerably extends the length of the original Lied. The original tonalities of the Lieder were generally retained in the transcriptions, showing that the tonality was an important part of the transcription process. The infrequent instances of transposition were done for specific reasons. In 1861, Liszt transcribed two of Schumann's Lieder, one from Op. 36 (An den Sonnenschein), another from Op. 27 (Dem roten Roslein), and merged these two pieces in the collection 2 Lieder; they share only the common tonality of A major. His choice for combining these two Lieder remains unknown, but he clearly recognized that some tonal variety would be needed, for which reason Dem roten Roslein was transposed to C>= major. The collection features An den Sonnenschein in A major (with a transition to the new tonality), followed by Dem roten Roslein in C>= major (without a change of key signature), and concluding with a reprise of An den Sonnenschein in A major. A three-part form was thus established with tonal variety provided by keys in third relations (A-C>=-A); in effect, two of Schumann's Lieder were transcribed into an archetypal song without words. In other instances, Liszt treated tonality and tonal organization as important structural ingredients, particularly in the transcriptions of Schubert's Lieder cycles, i.e. Schwanengesang, Winterreise a... $32.99 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 1 to 2 weeks | | |
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Piano - early intermediate SKU: BT.EMBZ15083 The Bartók Performing ...(+)
Piano - early intermediate SKU: BT.EMBZ15083 The Bartók Performing Editions-Instruktive Ausgaben von Béla Bártok. By Bela Bartok. By Domenico Scarlatti. EMB Music of Bela Bartok. Tuition. Book Only. Composed 2018. 48 pages. Editio Musica Budapest #EMBZ15083. Published by Editio Musica Budapest (BT.EMBZ15083). English-German-Hungarian. Bartók probably first played pieces by Domenico Scarlatti in public in 1911. During the next two decades he featured them in his piano recitals more than 60 times. His dedication to Italian and French Baroque music is also illustrated by the fact that, in 1920, he signed a contract with the Budapest publisher Rozsnyai to edit seven volumes of Baroque keyboard music. His plan was to select compositions by Couperin and Rameau in addition to pieces by Scarlatti, but during the 1920s it ended up being only two volumes of Couperin and another two comprising ten compositions by Scarlatti. In editing these masterpieces, Bartók's aim was primarily to counterbalance or evenovershadow the works by the Mendelssohn-Schumann epigones used in primary and secondary music education. The present, single-volume collection comprises Bartók's two Scarlatti volumes, complete with an editorial preface, his detailed performing instructions, and his commentary. The editor recommends these compositions for pianists with at least five years' experience, and gives practical recommendations for the grouping of individual items to form charming sonatina-like sets of pieces.
Bartók spielte wahrscheinlich 1911 erstmals Werke von Domenico Scarlatti öffentlich und in den folgenden zwei Jahrzehnten ließ er sie an seinen Klavierabenden mehr als sechzig Mal erklingen. Seine Verbundenheit mit der italienischen und französischen Barockmusik beweist sich auch darin, dass er 1920 einen Vertrag mit dem Budapester Verlag Rozsnyai über die Herausgabe von sieben Heften mit Werken der Klaviermusik schloss. Geplant war, dass er das Material der Bände sowohl mit Werken Scarlattis als auch mit Kompositionen Couperins und Rameaus zusammenstellte. Im Laufe der 1920er-Jahre kam es schließlich zur Herausgabe einer Couperin-Auswahl in zwei Heften sowie - ebenso in zwei Heften - von zehn Scarlatti-Kompositionen. Mit der Veröffentlichung dieser Meisterwerke beabsichtigte Bartók in erster Linie, den Mendelssohn-Schumann-Epigonen bereits in der Musikausbildung in der Grund- und Mittelstufe entgegenwirken und ihre Werke in den Hintergrund treten zu lassen. Die vorliegende Publikation versammelt in einem Band das Material der beiden mit Bartóks Vorwort, detaillierten Vortragsanweisungen und Anmerkungen erschienenen Scarlatti-Hefte. Der Herausgeber empfiehlt PianistInnen diese Kompositionen seit mindestens fünf Jahren zum Klavier spielen und gibt auch praktische Vorschläge dafür, wie man die einzelnen Stücke zu einem attraktiven Sonatina-artigen Ganzen gruppieren kann. $15.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 2 to 3 weeks | | |
| Improve Your Sight-Reading! Trinity Piano Piano solo Faber Music Limited
(Initial). Composed by Paul Harris. For Piano. This edition: Trinity Edition. Bo...(+)
(Initial). Composed by Paul Harris. For Piano. This edition: Trinity Edition. Book; Piano Musicianship; Technique Musicianship. Faber Edition. Elementary. Published by Faber Music
$8.50 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 1 to 2 weeks | | |
| 4'33 (Cage Centennial Edition) Piano solo Peters
By John Cage (1912-1992). For for any instrument or combination of instruments. ...(+)
By John Cage (1912-1992). For for any instrument or combination of instruments. Modern. Sheet Music. Composed 1952. Duration 4 minutes 33 seconds. Published by Edition Peters
$17.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 1 to 2 weeks | | |
| Piano Exam Pieces Plus Exercises 2021-2023: Grade 7 - Extended Edition Piano solo Trinity College London
21 pieces plus exercises for Trinity College London exams 2021-2023. Composed ...(+)
21 pieces plus exercises for
Trinity College London exams
2021-2023. Composed by
Various. Classical. Textbook.
Trinity College London
#TCL020581. Published by
Trinity College London
$37.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 4 to 6 weeks | | |
| Schumann: Complete Works for Piano (Version 2.0)
Piano solo [CD Sheet Music] Subito Music
By Robert Schumann. For Piano. (Piano Solo). CD Sheet Music (Version 2.0). PDF f...(+)
By Robert Schumann. For Piano. (Piano Solo). CD Sheet Music (Version 2.0). PDF file on CD. 800 pages. Published by Subito Music.
(2)$19.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 3 to 5 business days | | |
| Piano Exam Pieces Plus Exercises 2021-2023: Initial Piano solo - Beginner Trinity College London
Composed by Various. Classical. Textbook. Trinity College London #TCL020239. ...(+)
Composed by Various.
Classical. Textbook. Trinity
College London #TCL020239.
Published by Trinity College
London
$7.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 4 to 6 weeks | | |
| Sight Reading Piano: Initial-Grade 2 Piano solo Trinity College London
Classical. Textbook. Trinity College London #TCL020482. Published by Trinity C...(+)
Classical. Textbook. Trinity
College London #TCL020482.
Published by Trinity College
London
$21.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 4 to 6 weeks | | |
| Bach - French Suites Bwv 812-817 Piano solo G. Henle
Piano SKU: HU.HN593 Composed by Johann Sebastian Bach. Edited by Ullrich Scheid...(+)
Piano
SKU: HU.HN593
Composed by Johann Sebastian Bach. Edited by Ullrich Scheideler. Piano and Keyboard, Repertoire, Solos. French Suites BWV 812-817. Softcover Book. 107 pages. G. Henle #HN593. Published by G. Henle (HU.HN593).
$29.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 4 to 6 weeks | | |
| Die ersten Bach-Studien C3944 Piano solo EMB (Editio Musica Budapest)
By Teoke Marianne. By Johann Sebastian Bach (1685-1750). EMB. Studies and Exerci...(+)
By Teoke Marianne. By Johann Sebastian Bach (1685-1750). EMB. Studies and Exercises. Book Only. 44 pages. Editio Musica Budapest #EMBZ8865. Published by Editio Musica Budapest (HL.50511326).
$16.45 - See more - Buy online | | |
| Piano Exam Pieces Plus Exercises 2021-2023: Initial - Extended Edition Piano solo - Beginner Trinity College London
21 pieces plus exercises for Trinity College London exams 2021-2023. Compose...(+)
21 pieces plus exercises for
Trinity College London exams
2021-2023. Composed by
Various. Classical. Textbook.
Trinity College London
#TCL020512. Published by
Trinity College London
$18.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 4 to 6 weeks | | |
| Wolf-temperiertes Klavier Piano solo - Advanced EMB (Editio Musica Budapest)
24 pieces for piano. Composed by Peter Wolf. Contemporary Music. EMB. Classic...(+)
24 pieces for piano.
Composed by Peter Wolf.
Contemporary Music. EMB.
Classical. Softcover.
Composed 2019. 128 pages.
Editio Musica Budapest
#EMBZ15087. Published by
Editio Musica Budapest
$39.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 24 hours - In Stock | | |
| 12 Novelty Piano Solos (Bach Scholar Edition Vol. 66) Piano solo Subito Music
Piano SKU: SU.12800066 For Piano. Composed by Edward Elzear Zez Co...(+)
Piano SKU: SU.12800066 For Piano. Composed by Edward Elzear Zez Confrey. Keyboard, Piano/Harpsichord. Score. Subito Music Corporation #12800066. Published by Subito Music Corporation (SU.12800066). BachScholar Editions Vol. 66: ZEZ CONFREY: 12 Novelty Piano Solos (1921-1924) (editor's preface, 49 pages of music) presents Zez Confrey's twelve most popular novelty piano solos from the exciting era of the 1920s. (The novelty style evolved from classic ragtime, of which Confrey was its first pioneer.) These beautiful and meticulous engravings are reproduced from the original editions, making this an historically accurate Urtext of the highest quality (no fingerings provided). Pianists, students, teachers, and ragtime aficionados will marvel at the clarity and legibility of this fine authoritative edition of exciting and entertaining solos from the pioneer of the novelty ragtime style. Contents include: 1. My Pet (1921) 2. Kitten on the Keys (1921) 3. You Tell 'Em, Ivories (1921) 4. Greenwich Witch (1921) 5. Poor Buttermilk (1921) 6. Stumbling (Paraphrase) (1922) 7. Coaxing the Piano (1922) 8. Dizzy Fingers (1923) 9. Nickel in the Slot (1923) 10. High Hattin' (1924) (from African Suite) 11. Kinda Careless (1924) (from African Suite) 12. Mississippi Shivers (1924) (from African Suite) Composed: 1921-1924 Published by: BachScholar. $34.95 - See more - Buy onlinePre-shipment lead time: 2 to 3 weeks | | |
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| Sorel Alexandre - La
Methode Bleue
Français Piano solo Lemoine, Henry
Lorsque Chopin improvisait, Georges Sand disait qu'il cherchait La note bleue. L...(+)
Lorsque Chopin improvisait, Georges Sand disait qu'il cherchait La note bleue. Le bleu est la couleur de l'âme... Cette méthode s'adresse à l'enfant débutant qui ne sait encore rien de la musique ni du piano. Son propos est de lui apprendre à jouer tout de suite des petits morceaux qui seront agréables à entendre, pour lui et ses parents. Tout en assimilant les premières connaissances de solfège et de grammaire musicale, il devra les interpréter avec une vraie musicalité et simultanément se familiariser avec les bons principes de technique manuelle, car tout doit être développé ensemble. La grande clé de l'art du piano est de comprendre que la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches. C'est pourquoi le petit Mozart a tout de suite joué du piano. Dès les premières leçons, l'enfant doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer, car la raison d'être des signes qu'il voit devant lui est de transcrire des sons vivants, destinés à l'oreille. Cette méthode vise donc à ne jamais séparer la lecture des notes - du chant - de la quête du beau son et du phrasé. La dimension affective est par ailleurs essentielle pour assimiler la musique. C'est pourquoi ces morceaux sont ici proposés avec des paroles, comme des comptines. L'expérience prouve en effet que les images aident beaucoup les petits à chanter et à mémoriser. Les paroles aident en outre l'enfant à phraser naturellement, sans même qu'il ait à penser à cette notion de phrasé qui est bien trop abstraite pour lui au début. Les histoires et les images stimulent ses émotions or, sans émotion, l'on ne retient rien ! Cette méthode contient aussi, outre les éléments de solfège habituels, des conseils techniques expliquant comment il faut toucher le piano et quels gestes il faut faire pour obtenir un beau son, un beau phrasé. Car, si l'on ressent la musique mais que le geste est inadéquat, rien n'est possible ! Un Cd permettra d'écouter les morceaux, joués à deux ou à quatre mains. L'enfant pourra également jouer tout seul, tout en se faisant accompagner par le Cd. Ajoutons enfin l'essentiel : tout le coeur de cette méthode s'appuie sur les conseils que Chopin donnait à ses élèves pour apprendre à jouer du piano. Ils figurent dans Esquisses de Méthode, cet ouvrage élaboré par Chopin lui-même mais qu'il n'a pu achever, et dans le livre incontournable du grand musicologue Jean-Jacques Eigeldinger, le spécialiste mondial de Chopin : Chopin vu par ses élèves (1). A la mesure du débutant, nous tenterons d'appliquer ici pas à pas ces principes du Maître. Chaque chapitre sera ainsi ponctué de phrases de Chopin telles que : Il vous faut chanter si vous voulez jouer du piano ou : Le poignet est la respiration dans la voix, Soyez souple jusqu'au bout des pieds. Emanant de l'un des plus grands musiciens qui ait écrit pour le piano, lui-même génial pianiste et admirable pédagogue, sa pensée mérite d'être gravée dans le coeur de chaque petit(e) pianiste qui se lance dans cette grande aventure du piano... Alexandre Sorel (1) Chopin vu par ses élèves, par Jean-Jacques Eigeldinger, 3e édition revue et commentée, 450 pages, La Baconnière, Neuchâtel, 1998. Réédité par Fayard, octobre 2006, 454 pages / et : Chopin : Esquisses pour une Méthode de piano, Textes réunis et présentés par J. Jacques Eigeldinger, Paris, éditions Flammarion, coll. Harmoniques, 138 p. Mars 2010. Presse La Méthode Rose a formé tant de jeunes pianistes. D'autres méthodes d'Alfred Cortot (Principes rationnels de la technique pianistique) ou d'Isidor Philipp sont conçues pour l'acquisition de la vélocité ; celles de Marie Jaëll (1846-1925) et de Blanche Selva (1884-1942), pour la qualité du son. Tout récemment, sont parus les 2 volumes du vaste et original manuel de piano : A Compianon (fin 2018, en 2 volumes, 300 p.) de Stéphan Patin (né en 1966) - pour débutant et pianiste plus chevronné, reposant sur l'apprentissage mental et digital, et l'appropriation formatrice des quelque 200 morcelets très diversifiés. Voici, cette année, (préfacée par J.-J. Eigeldinger, le spécialiste de Chopin), la Méthode Bleue (en 2 volumes, avec illustrations sonores et conseils pédagogiques) d'Alexandre Sorel selon lequel la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches... et qu'il doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer. A cet effet, il propose des morceaux avec des paroles comme des comptines, ce qui facilite la mémorisation. Au fil des 10 leçons, le débutant est appelé à emprunter la marche à suivre claire et bien pensée du pédagogue. L'auteur précède les questionnements de l'enfant et des parents, et y répond, étape par étape. L'imaginaire enfantin est sollicité grâce à la présence d'un bestiaire engageant (puce, chat, chien, tourterelle, écureuil, grenouille, perroquet...). Le tout est joliment agrémenté de médaillons de caractère assez naïf, du meilleur effet. L'auteur cite les conseils donnés par Frédéric Chopin à ses élèves, les intégrant judicieusement dans le cursus pédagogique jalonné par les différentes étapes indispensables à l'autonomisation progressive du musicien en herbe. Mine de rien, lecture des notes, apprentissage rythmique, incorporation de la gestuelle pianistique, développement de l'appropriation musicale se font dans un contexte délibérément rassurant (familial, amical) et un climat de confiance, avec des figures musicales tutélaires (Mozart, Chopin) pour aboutir à quelques pages accessibles du maître franco-polonais : Polonaise en sol mineur, Valse en la mineur... (Voir CD : Chopin à Nanteuil... Récital d'Alexandre Sorel). Edith Weber L'Education musicale n°127 (sept-oct 2019)
39.00 EUR - Sold by Woodbrass Pre-shipment lead time: In Stock | |
| Piano Scores Unlimited
Français Piano solo [DVD-ROM] IPE Music
Ecoles de Musique, Conservatoires, Médiathèques, Etablissements Scolaires, Pro...(+)
Ecoles de Musique, Conservatoires, Médiathèques, Etablissements Scolaires, Professeurs de Piano, Pianistes débutants ou confirmés, Concertistes... désormais, vous pouvez imprimer, utiliser et faire circuler librement un grand répertoire de partitions sans que ce soit considéré comme une photocopie pour les cours, les examens, les auditions, les concerts, le travail chez soi?
Voici les plus grand répertoire de partitions pour Piano libre de droit et sans restrictions sur un seul DVD-Rom comprenant : - 630 Oeuvres Majeures doigtées avec soin et classées par niveau de difficulté - 2 500 Pages de Musique à imprimer dans une qualité irréprochable - 26 heures d'écoute au format MP3 à exporter et à utiliser sans limitation
Quelques exemples d?utilisation
Installé dans une salle de cours, chaque professeur aura le loisir de faire écouter à son élève chaque morceau enregistré par des pianistes virtuoses. Puis le professeur imprimera naturellement la partition que l?élève emportera avec lui pour travailler à la maison. Pour les cours de musique collectifs, cours d?initiation dans les Ecoles primaires, Collèges, Lycées, Conservatoires?, une solution ludique et inépuisable pour faire découvrir la musique des grands compositeurs. Le professeur imprime pour chaque élève la partition qu?il aura choisi de faire travailler, déchiffrer, expliquer, avec l?aide de l?Audio. Quoi qu?il en soit, même pour les bibliothèques, vous disposez d?un répertoire complet à imprimer à l?infini sans que ce soit considéré comme du « photocopillage » puisque les oeuvres contenues dans Piano Score Unlimited appartiennent au domaine public. Imprimez des partitions d?une qualité graphique exceptionnelle ! Doigtée avec soin, chaque partition est tirée de la première édition ou de l?oeuvre originale du compositeur. Pour vous aider dans vos choix, les pièces ont été classées par compositeur et par niveau de difficulté. Exportez le fichier MP3 qui a été interprété par des pianistes virtuoses pour l?utiliser sans restriction et libre de droit, agrémenter vos DVD, élaborer des programmes d?écoute pour vos élèves ou vous-même...
Débutez en travaillant les exercices du recueil « Le Premier Maître du Piano Opus 599 », « Les Cinq Doigts Opus 777 », « Les Etudes » de Czerny ou de Burgmuller, le célèbre « petit livre » d?Anna Magdalena BACH? Déchiffrez les partitions de l?incontournable répertoire de Piano : « Le Clavecin bien tempéré » de JS BACH ou les « Sonatines » de Clémenti ? Interprétez les « Nocturnes », « Préludes », « Mazurkas »,Grandes « Valses » de Chopin, les airs les plus connus (« Fantaisie », « Marche turque », « Petite Sonate`) et `Sonates` de Mozart, les « Petits Préludes » ou les fameuses « Fugues », les « Inventions à 2 et 3 voies » de J.S.Bach, les « Romances sans Paroles » de Mendelssohn, l? « Album pour la jeunesse », « Scènes d?enfants » de Schumann, les « Moments Musicaux », les « Impromptus » de Schubert, « Les Arabesques », le « Children?s Corner » ,« Le Petit Nègre» de Debussy, les « Ragtimes » de Scott Joplin, pour ne citer qu?eux... De Haendel, Schubert, Beethoven, en passant entre autres par Tchaïkovski ou Purcell, Couperin, Gounod, Scarlatti?. / DVD /
59.00 EUR - Sold by Note4Piano Pre-shipment lead time: 3-10 days - In Stock Supplier | |
| Troendle S. - Methode De
Boogie-woogie Vol.2 -
Piano
Français Piano solo Lemoine, Henry
Sébastien Troendlé, pianiste et professeur, a élaboré cette méthode de Boog...(+)
Sébastien Troendlé, pianiste et professeur, a élaboré cette méthode de Boogie-Woogie pour aider les élèves à travailler ce style de musique. Conseils techniques, morceaux sur-mesure, progression maîtrisée permettent de comprendre comment se construit cette musique. Vous mettez en place la rythmique si particulière au Boogie, sans vous crisper. Puis les petites notes ajoutées à la mélodie feront sonner les morceaux. Des vidéos disponibles sur le site de www.sebastientroendle.com proposent de travailler et d'entendre les morceaux en versions lente et normale. Le 2e volume propose les morceaux dans des versions plus avancées, plus abouties. Presse L'auteur s'adresse au pianiste autodidacte débutant qui souhaite s'initier au Boogie-Woogie. Bien sûr, les notions de bases en solfège sont quand même requises, mais la méthode est d'une grande clarté et procède acquis par acquis avec un grand sens pédagogique. Chaque étape est expliquée en détail et la progression est remarquablement graduée. Très prochainement des vidéos de travail seront présentées sur le site de l'auteur : www.sebastientroendle.com L'Education Musicale, n°106 (sept. 2016) Entretien Une nouvelle méthode de Boogie-Woogie Après avoir fait revivre l'âme et l'histoire du boogie-woogie sur scène et au disque, le pianiste Sébastien Troendlé a imaginé une méthode consacrée à ce genre musical. Elle sort, ces jours-ci, aux éditions Lemoine. Quelles sont les origines du boogie-woogie ? C'est le blues, même si celui-ci s'exprime davantage à la guitare et par le chant. Ce style est apparu dans les Barrelhouses, ces ghettos noirs bordant le Mississippi. Cela explique que le boogie-woogie des origines ne tient pas compte de la qualité du piano : cette musique sonne naturellement, si le groove est préservé. En 1928, le pianiste américain Clarence Pinetop Smith (1904-1929) enregistra son célèbre Pinetop's Boogie WoogÃe dont le nom s'imposa. Puis, au fil des décennies, ce genre devint plus commercial face au jazz qui, lui, s'imposa. Vous avez réalisé cette méthode. Un simple recueil de pièces n'aurait-il pas suf? ? Jusqu'à présent, on disposait soit de morceaux très simplifiés, agréables, mais musicalement limités, soit de quelques pièces originales réellement dificiles. J'ai donc composé des morceaux que j'ai déclinés en quatre niveaux progressifs, qui correspondent à la classification du répertoire classique. Par exemple, le premier niveau s'adresse aux pianistes qui savent lire les notes et ont une petite aisance au piano. L'écriture rythmique est simplifiée et je valorise la mélodie principale. Les niveaux suivants deviennent de plus en plus complexes et on comprend que cette musique possède certaines clés. ll faut notamment restituer des effets de glissés. Cette écriture comporte aussi quelques risques. En effet, lorsqu'on maîtrise bien la mécanique du morceau, on en oublie le principal, c'est-à -dire la mélodie. Or, le boogie, c'est déjà du blues. Les interprètes qui jouent essentiellement des oeuvres classiques tireront profit de ce répertoire. Ils gagneront une meilleure stabilité rythmique et porteront une attention particulière aux lignes mélodiques de la main droite. Par ailleurs, j'ai réalisé des vidéos - gratuites et disponibles sur internet - de toutes les pièces présentées. Quelle serait la descendance du boogie-woogie, aujourd'hui ? C'est un répertoire qui vit toujours et ne s'est pas refermé sur son patrimoine, même s'il y a de fervents défenseurs de tel ou tel style de boogie. Cette musique supporte mal la simplification à outrance. On ne peut donc que l'enrichir, à partir dictées musicales qui sont nées... il y a un siècle ! Propos recueillis par Stéphane Friédérich Pianiste n°99 (juillet-août 2016)
27.00 EUR - Sold by Woodbrass Pre-shipment lead time: In Stock | |
| Troendle S. - Methode De
Boogie-woogie Vol.1 -
Piano
Français Piano solo Lemoine, Henry
Sébastien Troendlé, pianiste et professeur, a élaboré cette méthode de Boog...(+)
Sébastien Troendlé, pianiste et professeur, a élaboré cette méthode de Boogie-Woogie pour aider les élèves à travailler ce style de musique. Conseils techniques, morceaux sur-mesure, progression maîtrisée permettent de comprendre comment se construit cette musique. Vous mettez en place la rythmique si particulière au Boogie, sans vous crisper. Puis les petites notes ajoutées à la mélodie feront sonner les morceaux. Des vidéos disponibles sur le site de www.sebastientroendle.com proposent de travailler et d'entendre les morceaux en versions lente et normale. Le 2e volume propose les morceaux dans des versions plus avancées, plus abouties. Presse L'auteur s'adresse au pianiste autodidacte débutant qui souhaite s'initier au Boogie-Woogie. Bien sûr, les notions de bases en solfège sont quand même requises, mais la méthode est d'une grande clarté et procède acquis par acquis avec un grand sens pédagogique. Chaque étape est expliquée en détail et la progression est remarquablement graduée. Très prochainement des vidéos de travail seront présentées sur le site de l'auteur : www.sebastientroendle.com L'Education Musicale, n°106 (sept. 2016) Entretien Une nouvelle méthode de Boogie-Woogie Après avoir fait revivre l'âme et l'histoire du boogie-woogie sur scène et au disque, le pianiste Sébastien Troendlé a imaginé une méthode consacrée à ce genre musical. Elle sort, ces jours-ci, aux éditions Lemoine. Quelles sont les origines du boogie-woogie ? C'est le blues, même si celui-ci s'exprime davantage à la guitare et par le chant. Ce style est apparu dans les Barrelhouses, ces ghettos noirs bordant le Mississippi. Cela explique que le boogie-woogie des origines ne tient pas compte de la qualité du piano : cette musique sonne naturellement, si le groove est préservé. En 1928, le pianiste américain Clarence Pinetop Smith (1904-1929) enregistra son célèbre Pinetop's Boogie WoogÃe dont le nom s'imposa. Puis, au fil des décennies, ce genre devint plus commercial face au jazz qui, lui, s'imposa. Vous avez réalisé cette méthode. Un simple recueil de pièces n'aurait-il pas suf? ? Jusqu'à présent, on disposait soit de morceaux très simplifiés, agréables, mais musicalement limités, soit de quelques pièces originales réellement dificiles. J'ai donc composé des morceaux que j'ai déclinés en quatre niveaux progressifs, qui correspondent à la classification du répertoire classique. Par exemple, le premier niveau s'adresse aux pianistes qui savent lire les notes et ont une petite aisance au piano. L'écriture rythmique est simplifiée et je valorise la mélodie principale. Les niveaux suivants deviennent de plus en plus complexes et on comprend que cette musique possède certaines clés. ll faut notamment restituer des effets de glissés. Cette écriture comporte aussi quelques risques. En effet, lorsqu'on maîtrise bien la mécanique du morceau, on en oublie le principal, c'est-à -dire la mélodie. Or, le boogie, c'est déjà du blues. Les interprètes qui jouent essentiellement des oeuvres classiques tireront profit de ce répertoire. Ils gagneront une meilleure stabilité rythmique et porteront une attention particulière aux lignes mélodiques de la main droite. Par ailleurs, j'ai réalisé des vidéos - gratuites et disponibles sur internet - de toutes les pièces présentées. Quelle serait la descendance du boogie-woogie, aujourd'hui ? C'est un répertoire qui vit toujours et ne s'est pas refermé sur son patrimoine, même s'il y a de fervents défenseurs de tel ou tel style de boogie. Cette musique supporte mal la simplification à outrance. On ne peut donc que l'enrichir, à partir dictées musicales qui sont nées... il y a un siècle ! Propos recueillis par Stéphane Friédérich Pianiste n°99 (juillet-août 2016)
31.00 EUR - Sold by Woodbrass Pre-shipment lead time: In Stock | |
| CHOPIN FREDERIC - TROIS
NOUVELLES ETUDES Piano solo Peters
- Chopin : Trois Nouvelles Études. Nouvelle édition Urtext de Roy Howat au sei...(+)
- Chopin : Trois Nouvelles Études. Nouvelle édition Urtext de Roy Howat au sein de la série « The Complete Chopin ? A New Critical Edition » (rédacteur en chef John Rink) - Édition critique faisant autorité basée sur l'autographe de Chopin. Celle-ci restaure le texte original de Chopin et corrige les notes importantes présentées de façon erronée dans les éditions précédentes. - Comprend uniquement les doigtés authentiques de Chopin - Variantes clairement présentées sous forme d'ossias dans le texte musical principal de chaque étude - Préface de Roy Howat en anglais, français et allemand - Commentaire critique approfondi La série « The Complete Chopin ? A New Critical Edition » des éditions Peters est fermement établie comme l?édition scientifique actuelle la plus importante de la musique de Chopin et est un must pour tout pianiste averti. Les éditeurs de Chopin les plus éminents au monde, sous la direction de l?éditeur en chef John Rink, apportent leurs connaissances collectives inégalées pour donner au projet une autorité unique, en s'appuyant sur les recherches internationales les plus récentes. « The Complete Chopin » priorise les besoins du pianiste pratique et fournit un texte d'exécution magnifiquement présenté de chaque ?uvre, basé sur une source principale unique ainsi que des variantes de premier rang, ainsi que des commentaires critiques approfondis et une préface éclairante en anglais, français et allemand. Edition Peters est maintenant ravi de présenter la nouvelle édition de Roy Howat des « Trois Nouvelles Études » de Chopin au sein de « The Complete Chopin ». Publiées à l'origine en 1840 dans la « Méthode des Méthodes » qui regroupait plusieurs compositeurs, les « Trois Nouvelles Études » sont les études les moins ouvertement virtuoses de Chopin, mais sans doute les plus sophistiquées de toutes en termes de formation de la sensibilité du pianiste au son, au rythme et à la texture. Debussy a dit un jour qu'il avait « usé ses doigts » en jouant la deuxième d'entre eux. 180 ans après, il semble extraordinaire que de nouveaux détails puissent encore être trouvés dans les pièces, mais l'édition de Howat en publie certains pour la première fois, notamment un certain nombre de variantes mélodiques dans la première Étude, ainsi que des notes dans la deuxième Étude que toutes les éditions précédentes avaient supprimées. Agissant littéralement comme un pivot dans la structure de la seconde Étude, ces notes authentiques ? restaurées ici avec sensibilité ? modifient notre perception de la texture et de l?harmonisation de la musique au moment où la pièce prend son envol sur l?une des cordes de modulation les plus époustouflantes de Chopin. Notre édition confirme également certains doigtés authentiques encore inconnus de la plupart des pianistes, comme le pouce fantaisiste qui « sautille » sur les touches noires à la fin de la troisième Étude. Conformément à la procédure éditoriale de cette série, la présente édition est basée sur une source principale, à savoir le manuscrit de Chopin soigneusement préparé pour son ami Moscheles. De plus, certains changements que Chopin a introduits après la publication sont présentés ici comme des variantes, permettant aux pianistes de choisir des options de performance en connaissant sciemment leur origine. Le concept de travail qui sous-tend la série « The Complete Chopin ? A New Critical Edition » : « The Complete Chopin » est basé sur deux prémisses clés. Premièrement, il ne peut y avoir de version définitive des ?uvres de Chopin : les variantes font partie intégrante de la musique. Deuxièmement, effectuer une fusion de plusieurs sources ? produisant alors une version de la musique qui n'a jamais vraiment existé ? doit être évité. En conséquence, la procédure de travail des éditeurs consiste à identifier une seule source principale pour chaque ?uvre et à préparer une édition de cette source-là (qu?ils considèrent comme « la meilleure », même si elle ne peut être définitive). Dans le même temps, des variantes importantes provenant d'autres sources autorisées sont reproduites soit à côté soit, dans certains cas, dans le texte principal de la musique, dans les notes de bas de page ou dans le commentaire critique, permettant ainsi des comparaisons savantes et facilitant le choix de l'interprétation. / Partitions classique / Piano - instruments à clavier / Piano / EDITION PETERS
9.50 EUR - Sold by Woodbrass Pre-shipment lead time: On order | |
| Giner Bruno : Piano
Traces. Cycle 2 Piano solo Dhalmann
Collection 'Carnets du 21e siècle'.6 pièces pour piano solo.- Récit- Mécanis...(+)
Collection 'Carnets du 21e siècle'.6 pièces pour piano solo.- Récit- Mécanisme à 'cinq-huit'- Harmoni(qu)es sympathi(qu)es- Valse esqui(s)se- D'une gondole oubliée - (Des)accords1 à 4 mn par pièce.Ce recueil, extrêmement varié, permet au pianiste d'aborder un langage contemporain original...Ce recueil, extrêmement varié, permet au pianiste d'aborder un langage contemporain original.Les différentes pièces de Piano Traces font appel à l'essentiel des acquis pianistiques du 2o cycle : notes répétées, études de sonorités, travail rythmique, contrastes dynamiques, exploration de toute l'étendue du clavier (Valse esqui(s)e intègre même un instrument de percussion joué par le pianiste lui-même).Les différentes pièces peuvent être jouées indépendamment les unes des autres ou faire l'objet d'une seule et même oeuvre.Et au-delà des aspects purement techniques, c'est bien de musique qu'il s'agit ! Une musique pour l'oreille, exigeante sans être rébarbative, originale sans être déconcertante.' La vision première de l'oeuvre est sonore, fugace, violente et définitive. Et puis... et puis vient le temps de l'écriture...une errance chargée d'encre et de papier, tentative d'écrire dans sa propre langue ce qu'on ne sait pas encore écrire 'Né en 1960 à Perpignan, Bruno Giner commence ses études musicales à Toulouse, puis dans sa ville natale et à Barcelone. A Paris, il suit régulièrement les cours de Pierre Boulez au Collège de France et travaille la composition (électroacoustique et instrumentale) successivement avec Luis de Pablo, Ivo Malec et Brian Ferneyhough.Aujourd'hui, ses oeuvres sont jouées dans de nombreux festivals français et internationaux, et sont interprétées par différents ensembles de musique contemporaine (Aleph, Sic, Fa, L'instant donné, Grame, Nomos, Motus, Intercontemporain, Quatuor Arditti, Klangheimlich, Frullato, Xasax, Ars Nova Nürnberg, Ixtla, Slowind). ' Ce n'est pas la moindre qualité de la musique de Bruno Giner que de nous permettre de mesurer l'étendue de nos préjugés (enfin, je parle pour moi), a écrit Bertrand Dubedout. Restons à l'écoute. Ce compositeur, dont la réflexion et la démarche se nourrissent aussi bien de Boulez ou Ferneyhough, que de Schaeffer ou de Malec, et qu'une insatiable curiosité conduit aussi bien chez Schumann ou Machaut que chez les Pygmées, nous réserve encore bien des surprises, nous mijote bien des émerveillements 'Son catalogue comporte des pièces pour solistes, des partitions de musique de chambre, de la musique vocale, orchestrale, des oeuvres pour l'apprentissage, etc. Sa musique révèle un caractère charnel, parfois virtuose, une énergie canalisée par la formalisation d'une écriture rigoureuse qui n'empêche pas un travail plus empirique sur la morphologie et la matière sonore.En 1998, Bruno Giner reçoit le Prix Hervé Dugardin décerné par la SACEM pour l'ensemble de son oeuvre.Parmi ses dernières compositions, citons Paraphrase sur ' Guernica ' de Paul Dessau pour clarinette, violoncelle, piano et percussions (2003), TCP 17 pour harpe, guitare et mandoline (2005), Clameurs, concertino pour deux percussions et ensemble à vents (2006), Charlie opéra de chambre d'après Matin brun de Franck Pavloff (2007), Extra pour huit violoncelles (2007-2008), Quatuor #3 pour quatuor à cordes et percussion (2008). Parallèlement à ses activités compositionnelles, Bruno Giner a régulièrement collaboré à différentes revues musicales, encyclopédies ou labels discographiques (The New Grove, La Lettre du Musicien, Les cahiers du CIREM, Musica falsa, Motus, etc). Par ailleurs, il signe trois livres : Musique contemporaine : le second vingtième siècle (Editions Durand, 2000), Toute la musique ? (Editions Autrement Junior, 2003), De Weimar à Térézine 1933-1945 : l'épuration musicale (Editions Van de Velde, 2006). / Clavier, Piano Et Solo
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| Recueil CrocK'MusiC
Volume 6
Français Piano solo EBR Editions Bourges
Transcriptions : Patrice Bourgès-Rouhaut / Armelle Cocheril / Aline Sans / Jean...(+)
Transcriptions : Patrice Bourgès-Rouhaut / Armelle Cocheril / Aline Sans / Jean Rieux. Par . Cet ouvrage est le fruit de dix ans d?enseignement pianistique. J?ai souvent vu arrivé comme d?autres professeurs de jeunes élèves démotivés, ayant perdu tout intérêt à la pratique de la Musique après seulement une ou deux années d?apprentissage. A l?écoute de leurs désirs, j?ai commencé à écrire des transcriptions d??uvres proches d?eux, que ce soit par l?actualité musicale, scolaire ou tout simplement par leur propre sensibilité à tel ou tel artiste. Chaque arrangement devait prendre en compte leur capacité technique afin de donner à ces pianistes une sensation de facilité. Leurs lacunes en lecture s?effaçaient en sollicitant le travail de l?oreille sur ces chansons connues de tous. Quelques mois suffisaient à ces pianistes pour retrouver un sens à leurs efforts, et s?intéresser à nouveau à des répertoires aussi traditionnels qu?indispensables. Ainsi est née la collection CrocK?MusiC qui permet aujourd?hui à tous l?étude de ces transcriptions. Patrice Bourgès / Date parution : 2023-03-21/ Recueil / Piano Solo
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| Partita n° 3 en la
mineur BWV 827 (sans
doigtés) (BACH JOHANN
SEBASTIAN) Piano solo [Sheet music] G. Henle
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le re...(+)
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le recueil de suites le plus célèbre et le plus exigeant de toute l?histoire de la musique. Conscient de l?importance de ce cycle, chaque partita étant constituée de nombreux mouvements, il les fit d?abord imprimer séparément. Composées entre 1726 et 1730 à Leipzig, elles firent ensuite l?objet d?un recueil commun paru en 1731 fièrement numéroté «opus 1». La diversité des formes est sans limites, l?écriture musicale est constamment parcourue du contrepoint le plus raffiné, sans compter le plaisir toujours renouvelé de la virtuosité. Les éditions G. Henle présentent cette ?uvre magistrale dans une édition Urtext révisée qui s?appuie tant sur les éditions originales que sur des sources manuscrites, et documente en détail les nombreuses annotations figurant dans les épreuves ayant appartenu aux membres de l?entourage de Bach. Elle reproduit également les versions ornementées en annexe.
En parfaite résonnance avec la démarche de Bach, la Partita n° 3 en la mineur est disponible à la fois dans l?édition complète et dans une édition séparée maniable et peu onéreuse, idéale pour les étudiants des cours supérieurs et pour l?étude personnelle.
Les variantes intéressantes issues des différentes sources sont aisément accessibles en notes de bas de page ou entre parenthèses directement dans la partition.
En guise de bonus, cette édition comprend également une version plus tardive de la Gigue qui comporte de nombreux changements de hauteurs de notes par rapport à la version initiale. / Date parution : 2023-03-11/ Répertoire / Piano
8.50 EUR - Sold by LMI-partitions (Seller in french langage) Pre-shipment lead time: In Stock | |
| Partita n° 3 en la
mineur BWV 827 (BACH
JOHANN SEBASTIAN) Piano solo [Sheet music] G. Henle
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le re...(+)
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le recueil de suites le plus célèbre et le plus exigeant de toute l?histoire de la musique. Conscient de l?importance de ce cycle, chaque partita étant constituée de nombreux mouvements, il les fit d?abord imprimer séparément. Composées entre 1726 et 1730 à Leipzig, elles firent ensuite l?objet d?un recueil commun paru en 1731 fièrement numéroté «opus 1». La diversité des formes est sans limites, l?écriture musicale est constamment parcourue du contrepoint le plus raffiné, sans compter le plaisir toujours renouvelé de la virtuosité. Les éditions G. Henle présentent cette ?uvre magistrale dans une édition Urtext révisée qui s?appuie tant sur les éditions originales que sur des sources manuscrites, et documente en détail les nombreuses annotations figurant dans les épreuves ayant appartenu aux membres de l?entourage de Bach. Elle reproduit également les versions ornementées en annexe.
En parfaite résonnance avec la démarche de Bach, la Partita n° 3 en la mineur est disponible à la fois dans l?édition complète et dans une édition séparée maniable et peu onéreuse, idéale pour les étudiants des cours supérieurs et pour l?étude personnelle.
Très utiles, les doigtés du pianiste William Youn sont remarquablement ergonomiques, et s?ajustent avec précision et sensibilité à la construction du discours musical de Bach.
Les variantes intéressantes issues des différentes sources sont aisément accessibles en notes de bas de page ou entre parenthèses directement dans la partition.
En guise de bonus, cette édition comprend également une version plus tardive de la Gigue qui comporte de nombreux changements de hauteurs de notes par rapport à la version initiale. / Date parution : 2023-03-11/ Répertoire / Piano
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| Wagner, Richard : Ch?ur
Nuptial, Extrait de
l'Opéra `Lohengrin`
(Collection Anacrouse) Piano solo [Sheet music] EBR Editions Bourges
Lohengrin est le sixième opéra que Richard Wagner ait composé. Ecrit entre 18...(+)
Lohengrin est le sixième opéra que Richard Wagner ait composé. Ecrit entre 1845 et 1848, créé en 1850, cette ?uvre est basée sur l'histoire du « chevalier au cygne », provenant de la littérature médiévale allemande. Lohengrin connut un succès immédiat et eut une grande importance dans la carrière musicale du compositeur. En effet, pour la première fois, on sent le langage musical de Richard Wagner se libérer définitivement de la tradition classique et montrer pleinement un caractère romantique. Dans une lettre adressée à Liszt datée de 1853, Richard Wagner dit: «Je m?aperçois que dans Lohengrin, j?ai oublié une indication de mouvement, omission que je n?ai constatée que lorsque je l?ai dirigé. C?est dans le ch?ur nuptial en ré majeur, après le second solo des huit femmes, les huit dernières mesures avant le premier mouvement : ici, le mouvement doit être considérablement ralenti, plus qu?à la première entrée en ré majeur; cela doit se faire tranquillement, solennellement, sinon l?intention est manquée.» Le ch?ur nuptial dont Richard Wagner fait mention marque le début du troisième acte de l'opéra, lorsqu'Elsa et son époux pénètrent dans la chambre nuptiale où ils se déclarent leur amour : `que les bruits de la fête s'éteignent, que vos c?urs s'enivrent! Que la chambre parfumée parée pour l'amour vous accueille à présent''. Aujourd'hui, cette marche nuptiale accompagne traditionnellement les mariés à l?entrée ou la sortie de l?Eglise en Occident. Elle est traditionnellement jouée à l?orgue, mais peut être jouée par un orchestre. Elle est parfois appelée ?la marche des fiançailles? (ou des fiancés). / Classique / Transcriptions pour piano de David Neyrolles / Partition / Agrafé /
6.80 EUR - Sold by Note4Piano Pre-shipment lead time: In Stock | |
| Ipe Music Piano Scores -
630 Partitions Pour Piano
Sur Dvd-rom
Français Piano solo IPE Music 49.00 EUR - Sold by Woodbrass Pre-shipment lead time: On order | |
| Le Petit Pianorama Français Piano solo [Sheet music + CD] - Easy Hit Diffusion
Le Petit Pianorama est le répertoire de tous les pianistes débutants. Vous ...(+)
Le Petit Pianorama est le répertoire de tous les pianistes débutants. Vous y trouverez les pièces les plus connues et les plus originales de la musique classique, du jazz, de la variété, des musiques traditionnelle et de la musique de film. Conçu pour favoriser une progression logique et motivante, le Petit Pianorama deviendra vite le compagnon indispensable de tous les apprentis pianistes dans la découverte de l'instrument et du langage musical. / Classique / Jazz / Variétés / Musiqu / Partition CD / Spirale /
33.90 EUR - Sold by Note4Piano Pre-shipment lead time: In Stock | |
| Mozart, Wolfgang Amadeus
: Piano Sonata D major K.
284 (205b) Piano solo [Sheet music] G. Henle
La Sonate en Ré majeur est la dernière des six Sonates K. 279?284 que Mozart e...(+)
La Sonate en Ré majeur est la dernière des six Sonates K. 279?284 que Mozart emporta dans ses valises lorsqu?il s?apprêtait à se rendre vers Paris en septembre 1777. Il rapporta à son père qu?il exécuta ces sonates avec succès déjà à Munich, Augsbourg et Mannheim.
Il les pourvut de nombreuses indications de dynamique et trouva aussi en ce qui concerne leur forme des solutions inhabituelles, comme par exemple le lent Rondeau en Polonaise qui fait office de mouvement central de la Sonate en Ré majeur.
Jusqu?alors réunies dans les recueils (HN 1 et 3), ces six sonates sont désormais éditées séparément avec, en sus, de nouvelles préfaces.
Mozart a dédié cette sonate à un certain Freiherr Thaddäus von Dürnitz, ce qui explique qu?on l?ait souvent appelée la «Sonate à Dürnitz». De ces six premières sonates c?est conteste la meilleure, la plus brillante et celle qui requiert le plus d?habileté technique. On peut comprendre pourquoi Mozart l?affectionnait particulièrement et qu?il ait continué à l?exécuter lui-même.
C?est de cette incomparable lorsqu?elle était interprétée sur un des nouveaux pianofortes de Stein.
1er MOUVEMENT Une première version du début du premier mouvement rédigée sur une page et demie a été supprimée par Mozart. Il a commencé à réécrire la version définitive au bas de cette même page. Le matériau thématique de ce mouvement d?ouverture (et, à un moindre degré, celui des mouvements suivants) est disposé sur une échelle plus vaste, presque plus orchestrale, ce qui constitue une rupture avec le ton d?intimité des premières sonates. L?effet de tremolo dans les mesures 13 à 16 et les annonces répétées à l?unisson du premier thème peuvent très bien se lire comme la réduction d?un tutti orchestral. Le deuxième thème, ligne mélodique plus souple, sans accompagnement dans sa mesure d?introduction, contient une chaîne descendante de premiers renversements ? formule harmonique fort prisée aux siècles baroque et classique (il y a des passages analogues dans les thèmes subsidiaires de l?ouverture de l?Iphigénie en Tauride de Gluck et le premier mouvement du Concerto Italien de Johann Sebastian Bach). Cela fonctionne comme un passage de solo par opposition aux entrées de tutti qui suivent dans la mesure 30. Le développement traverse un cycle de tonalités mineures avant le début de la réexposition dans la mesure 72.
2eme MOUVEMENT Mozart a intitulé le second mouvement: Rondeau en Polonaise. Il s?agit donc d?une danse. Les quatre premières mesures constituent une forme de dialogue (comme le thème du premier mouvement de la sonate précédente en sol majeur) et Mozart les soumet à des variations avec un certain bonheur. Il accentue le contraste entre l?exposition et la contre-exposition par des indications de dynamique.
3eme MOUVEMENT Le dernier mouvement de la sonate est une suite de variations joyeuses qui est un régal pour le pianiste, et présente, jusqu?à la variation en adagio les caractéristiques d?une gavotte. Le don spécial de Mozart pour l?écriture en variations s?y manifeste de la manière la plus brillante. L?impression superficielle de forme diffuse ne résiste pas l?examen approfondi: il ne serait guère facile d?oublier une des douze variations ou d?en ajouter une. La variation Adagio est d?un intérêt tout particulier pour les spécialistes de Mozart, car elle nous donne quelque a perçus de sa conception de l?ornementation impromptue: l?autographe n?est que pudiquement orné et il est probable que Mozart enjolivait son texte lors de l?exécution au gré de sa fantaisie. Mais une version richement ornée a survécu dans la première édition publiée du vivant de Mozart ; et il ne fait pas de doute que cette version enjolivée est l??uvre de Mozart lui-même ? qui d?autre pourrait enjoliver une musique d?une manière aussi ingénieuse? Cela nous éclaire sir les idées de Mozart en matière d?ornementation en général et en particulier. / [Sonate pour piano en Ré majeur K. 284 (205b)] / Classique / Partition / Agrafé /
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| Partita n° 1 en Si
bémol majeur BWV 825
(sans doigtés) (BACH
JOHANN SEBASTIAN) Piano solo [Sheet music] G. Henle
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le re...(+)
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le recueil de suites le plus célèbre et le plus exigeant de toute l?histoire de la musique. Conscient de l?importance de ce cycle, chaque partita étant constituée de nombreux mouvements, il les fit d?abord imprimer séparément. Composées entre 1726 et 1730 à Leipzig, elles firent ensuite l?objet d?un recueil commun paru en 1731 fièrement numéroté «opus 1». La diversité des formes est sans limites, l?écriture musicale est constamment parcourue du contrepoint le plus raffiné, sans compter le plaisir toujours renouvelé de la virtuosité. Les éditions G. Henle présentent cette ?uvre magistrale dans une édition Urtext révisée qui s?appuie tant sur les éditions originales que sur des sources manuscrites, et documente en détail les nombreuses annotations figurant dans les épreuves ayant appartenu aux membres de l?entourage de Bach. Elle reproduit également les versions ornementées en annexe.
En parfaite résonnance avec la démarche de Bach, la Partita n° 1 en Si bémol majeur est disponible à la fois dans l?édition complète et dans une édition séparée maniable et peu onéreuse, idéale pour les étudiants des cours supérieurs et pour l?étude personnelle.
Les variantes intéressantes issues des différentes sources sont aisément accessibles en notes de bas de page ou entre parenthèses directement dans la partition.
En guise de bonus, cette édition comprend également en annexe une version de la Sarabande particulièrement ornementée. / Date parution : 2023-03-11/ Répertoire / Piano
8.50 EUR - Sold by LMI-partitions (Seller in french langage) Pre-shipment lead time: In Stock | |
| Partita n° 2 en ut
mineur BWV 826 (BACH
JOHANN SEBASTIAN) Piano solo [Sheet music] G. Henle
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le re...(+)
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le recueil de suites le plus célèbre et le plus exigeant de toute l?histoire de la musique. Conscient de l?importance de ce cycle, chaque partita étant constituée de nombreux mouvements, il les fit d?abord imprimer séparément. Composées entre 1726 et 1730 à Leipzig, elles firent ensuite l?objet d?un recueil commun paru en 1731 fièrement numéroté «opus 1». La diversité des formes est sans limites, l?écriture musicale est constamment parcourue du contrepoint le plus raffiné, sans compter le plaisir toujours renouvelé de la virtuosité. Les éditions G. Henle présentent cette ?uvre magistrale dans une édition Urtext révisée qui s?appuie tant sur les éditions originales que sur des sources manuscrites, et documente en détail les nombreuses annotations figurant dans les épreuves ayant appartenu aux membres de l?entourage de Bach. Elle reproduit également les versions ornementées en annexe.
En parfaite résonnance avec la démarche de Bach, la Partita n° 1 en Si bémol majeur est disponible à la fois dans l?édition complète et dans une édition séparée maniable et peu onéreuse, idéale pour les étudiants des cours supérieurs et pour l?étude personnelle.
Très utiles, les doigtés du pianiste William Youn sont remarquablement ergonomiques, et s?ajustent avec précision et sensibilité à la construction du discours musical de Bach.
Les variantes intéressantes issues des différentes sources sont aisément accessibles en notes de bas de page ou entre parenthèses directement dans la partition.
En guise de bonus, cette édition comprend également en annexe une version de la Sarabande particulièrement ornementée. / Date parution : 2023-03-11/ Répertoire / Piano
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| Partita n° 1 en Si
bémol majeur BWV 825
(BACH JOHANN SEBASTIAN) Piano solo [Sheet music] G. Henle
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le re...(+)
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le recueil de suites le plus célèbre et le plus exigeant de toute l?histoire de la musique. Conscient de l?importance de ce cycle, chaque partita étant constituée de nombreux mouvements, il les fit d?abord imprimer séparément. Composées entre 1726 et 1730 à Leipzig, elles firent ensuite l?objet d?un recueil commun paru en 1731 fièrement numéroté «opus 1». La diversité des formes est sans limites, l?écriture musicale est constamment parcourue du contrepoint le plus raffiné, sans compter le plaisir toujours renouvelé de la virtuosité. Les éditions G. Henle présentent cette ?uvre magistrale dans une édition Urtext révisée qui s?appuie tant sur les éditions originales que sur des sources manuscrites, et documente en détail les nombreuses annotations figurant dans les épreuves ayant appartenu aux membres de l?entourage de Bach. Elle reproduit également les versions ornementées en annexe.
En parfaite résonnance avec la démarche de Bach, la Partita n° 1 en Si bémol majeur est disponible à la fois dans l?édition complète et dans une édition séparée maniable et peu onéreuse, idéale pour les étudiants des cours supérieurs et pour l?étude personnelle.
Très utiles, les doigtés du pianiste William Youn sont remarquablement ergonomiques, et s?ajustent avec précision et sensibilité à la construction du discours musical de Bach.
Les variantes intéressantes issues des différentes sources sont aisément accessibles en notes de bas de page ou entre parenthèses directement dans la partition.
En guise de bonus, cette édition comprend également en annexe une version de la Sarabande particulièrement ornementée. / Date parution : 2023-03-11/ Répertoire / Piano
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| Partita n° 2 en ut
mineur BWV 826 (sans
doigtés) (BACH JOHANN
SEBASTIAN) Piano solo [Sheet music] G. Henle
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le re...(+)
Par BACH JOHANN SEBASTIAN. Les six partitas de Bach constituent sans doute le recueil de suites le plus célèbre et le plus exigeant de toute l?histoire de la musique. Conscient de l?importance de ce cycle, chaque partita étant constituée de nombreux mouvements, il les fit d?abord imprimer séparément. Composées entre 1726 et 1730 à Leipzig, elles firent ensuite l?objet d?un recueil commun paru en 1731 fièrement numéroté «opus 1». La diversité des formes est sans limites, l?écriture musicale est constamment parcourue du contrepoint le plus raffiné, sans compter le plaisir toujours renouvelé de la virtuosité. Les éditions G. Henle présentent cette ?uvre magistrale dans une édition Urtext révisée qui s?appuie tant sur les éditions originales que sur des sources manuscrites, et documente en détail les nombreuses annotations figurant dans les épreuves ayant appartenu aux membres de l?entourage de Bach. Elle reproduit également les versions ornementées en annexe.
En parfaite résonnance avec la démarche de Bach, la Partita n° 2 en ut mineur est disponible à la fois dans l?édition complète et dans une édition séparée maniable et peu onéreuse, idéale pour les étudiants des cours supérieurs et pour l?étude personnelle.
Les variantes intéressantes issues des différentes sources sont aisément accessibles en notes de bas de page ou entre parenthèses directement dans la partition. / Date parution : 2023-03-11/ Répertoire / Piano
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| Johann Sebastian Bach:
Italian Concerto French
Overture: Piano:
Instrumental Piano solo [Sheet music] G. Henle
Vier Duette Goldberg-Variationen-Outre la grande cantate pour l??lection du con...(+)
Vier Duette Goldberg-Variationen-Outre la grande cantate pour l??lection du conseil municipal de M?hlhausen (dite Ratswahl-kantate) et l?Offrande musicale la collection Clavier-?bung fait partie des rares ?uvres de Bach ?dit?es de son vivant. Cette collection est constitu?e de quatre parties dont la premi?re comprenant les six partitas parut en 1731 tandis que les parties II ? IV parurent respectivement en 1735 1739 et 1741/42. Les ?uvres r?unies dans le pr?sent volume sont issues de ces der-ni?res. Le concerto italien et l?Ouverture dans le style fran?ais constituent la deuxi?me partie et pro-posent une sorte d?imitation au clavier de la musique orchestrale fran?aise et italienne de l??poque. Les Quatre duosfigurent dans la partie III de la Clavier-?bung aux c?t?s d?importantes ?uvres pour orgue mais leur ?criture ? deux voix convient parfaitement au pia-no ou au clavecin. Enfin les Variations Goldberg constituaient la quatri?me partie de la Cla-vier-?bung au moment de leur publication. Selon Forkel premier biographe de Bach un comte de Keyserlingk avait command? ? Bach de la musique dont son claveciniste Johann Gottlieb Goldberg devait pouvoir lui jouer des morceaux ?doux et de caract?re plut?t gai? pendant ses nuits d?insomnie. Commande dont ont r?sult? des chefs-d??uvre de premier plan.
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| Flament Natalia - Les
Exercices A La Barre Sur
1/2 Pointes - Piano
Français Piano solo Lemoine, Henry
Pendant mes années d'enseignement avec Natalia Flament au CRR de Paris, j'ai ap...(+)
Pendant mes années d'enseignement avec Natalia Flament au CRR de Paris, j'ai apprécié son engagement et sa connaissance de la danse classique.
Nous avons recherché ensemble la plus juste harmonie entre le mouvement de danse et la phrase musicale. Chaque exercice à la barre comme au centre possédait son propre caractère : sensibilité, poésie, nuances, dynamiques, couleurs, puissance grâce à la capacité de Natalia de traduire les mouvements chorégraphiques en phrase musicale. Les retenues, les résonances, les accents, les anacrouses étaient en parfaite liaison avec mes explications et mes exigences de qualité de mouvement.
La diversité de son accompagnement donnait à chaque cours une ambiance particulière. Le travail avec Natalia à mon sens n'a pu se faire qu'avec une grande complicité et compréhension émotionnelle.
23.00 EUR - Sold by Woodbrass Pre-shipment lead time: On order | |
| Doriath Danielle - Danse
Avec Les Doigts - Le
Fitness Du Pianiste
Français Piano solo Hit Diffusion
Danse avec les doigts, ou le « fitness du pianiste », est une méthode composÃ...(+)
Danse avec les doigts, ou le « fitness du pianiste », est une méthode composée essentiellement d?exercices destinés à faire travailler ses doigts au piano : ils répondront plus vite, avec plus de précision, et permettront une meilleure fluidité de jeu dans les mélodies. Elle s?adresse aussi bien aux pianistes débutants que chevronnés, aux enfants comme aux adultes.
Ces exercices particulièrement adaptés et progressifs, associés à la découverte précoce des gammes, constituent un excellent échauffement, et apporteront une meilleure maîtrise de l?indépendance des doigts.
Quel que soit le répertoire de prédilection de l?utilisateur (classique, jazz, variété, musiques de films etc), ce «?fitness des doigts?» lui permettra de jouer avec plus d?aisance, tout en développant également sa capacité de concentration et la qualité de sa pratique grâce au «?fitness mental?» : une nouvelle proposition dans la manière de penser ses exercices, pour travailler plus efficacement encore, grâce à l?emploi, par exemple, de mots-clés, ou des techniques de projection mentale ; cet aspect a été conçu avec le concours de Dominique Meignen, spécialiste en Gestion mentale et Stratégies d?apprentissage.
Une pédagogie particulière pour progresser plus rapidement, et de façon attrayante, notamment grâce aux nombreuses illustrations humoristiques de l?artiste Waz.
Ouvrage conçu et fabriqué en France, 174 pages, illustré couleur, relié spirale.
23.80 EUR - Sold by Woodbrass Pre-shipment lead time: On order | |
| Rossini, Gioachino : La
Danza (Collection
Anacrouse)
Français Piano solo [Sheet music] EBR Editions Bourges
La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix...(+)
La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix d??uvres classiques, allant de la Renaissance à l?époque moderne.
Proposer tout à la fois des « incontournables » du répertoire classique et des pièces de compositeurs parfois oubliés, toutes d?une valeur pédagogique indéniable, tels sont les objectifs que nous nous sommes fixés. Chaque pièce, vendue à l?unité, a fait l?objet d?un travail éditorial attentif, tant sur le plan de l?établissement du texte musical que de sa gravure, afin de garantir aux musiciens les conditions indispensables aux plaisirs tirés du commerce fréquent de ces ?uvres.
Les partitions sont proposées sous la forme d?ouvrages traditionnels (feuillets papier), et disponibles également par téléchargement.
La tarentelle est une musique traditionnelle provenant du sud de l'Italie. Elle a probablement des racines très anciennes, on en retrouve des traces dans le culte des dieux antiques. Particulièrement vivace, cette musique, accompagnée d'une danse effrénée, était jouée au cours de cérémonies qui pouvaient durer des journées entières, cérémonies qui avait pour mission de guérir ceux que l'on croyait être victimes de morsure d'une araignée légendaire, la tarentule. Ces cérémonies populaires ont quasiment disparu au milieu du XXème siècle.
Des compositeurs comme Gioacchino Rossini ont repris la tarentelle à leur manière. Cette Tarentelle Napolitaine, dite La Danza, a été composée pour un orchestre symphonique et ténor soliste. Mais elle a été reprise et arrangée de nombreuses fois par divers ensembles instrumentaux (ensembles de guitares), et chantés par exemple par des mezzo-soprano. Cette pièce semble tourner et virevolter, et rappelle vraiment une danse envoutante. / Classique / Partition / Agrafé /
6.80 EUR - Sold by Note4Piano Pre-shipment lead time: In Stock | |
| Offenbach, Jacques :
French Cancan, Extrait de
`Orphée aux enfers`
(Collection Anacrouse) Piano solo [Sheet music] EBR Editions Bourges
Les cancans, que l'on attribue souvent à Jacques Offenbach, ne sont en réalitÃ...(+)
Les cancans, que l'on attribue souvent à Jacques Offenbach, ne sont en réalité que des détournements de ses compositions. Le cas le plus célèbre est celui du galop infernal (nom d'un pas de danse), issu de l??uvre Orphée aux enfers (1858), que l'on se permet souvent de renommer French Cancan. Cette transformation est faite de manière abusive, car l?appellation de French Cancan n'existait pas à l?époque où Jacques Offenbach composait. Le cancan est une danse populaire, inventée au début du XIXème siècle. Il était à la base exécutée en couple dans les bals et les cabarets, et faisait partie des danses très mal vues par les familles mondaines. Le nom Cancan, attribué semble t?il à l?origine parce que les danseurs imitaient la démarche et le cri de l?oie, est ensuite devenu, par une transformation touristique d'origine anglaise (coincoin / cancan) le French Cancan. Cette danse donne l'image d'une société parisienne frivole, proche de celle décrite de façon caricaturale dans La vie parisienne. Les femmes sont vite seules à le danser, en rang, face au public, et les nombreux pas de pattes en l?air laissent souvent apparaître les dessous raffinés de l?époque?que le peintre Toulouse-Lautrec aura plaisir à illustrer. / Classique / Transcriptions pour piano de David Neyrolles / Partition / Agrafé /
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| Sonate KV 545 (Collection
Anacrouse) (MOZART
WOLFGANG AMADEUS) Piano Solo [Sheet music] Bourgès Editions
Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices...(+)
Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix d’œuvres classiques, allant de la Renaissance à l’époque moderne. Proposer tout à la fois des « incontournables » du répertoire classique et des pièces de compositeurs parfois oubliés, toutes d’une valeur pédagogique indéniable, tels sont les objectifs que nous nous sommes fixés. Chaque pièce, vendue à l’unité, a fait l’objet d’un travail éditorial attentif, tant sur le plan de l’établissement du texte musical que de sa gravure, afin de garantir aux musiciens les conditions indispensables aux plaisirs tirés du commerce fréquent de ces œuvres. Les partitions sont proposées sous la forme d’ouvrages traditionnels (feuillets papier), et disponibles également par téléchargement. Cette sonate dite facile ou « sonata semplice » est la plus célèbre de Mozart. Son sous-titre est trompeur car elle n’est pas aussi facile que l’on pourrait croire. En effet, la maîtrise pianistique et la science de Mozart échouent à révéler la réelle difficulté de cette sonate. Sa création date du 26 juin 1788, peu d’années avant la disparition du compositeur. La finalité de cette création serait mi-pédagogique, mi-commerciale d’où l’objet de son surnom.Cette pièce a trois mouvements : Allegro, Andante et Rondo-allegretto. Elle débute par un allegro sur un tempo assez allant avec une basse appelée basse d’Alberti en rythme de croche, se déployant tout au long du mouvement. La structure du premier mouvement est une forme sonate. La mélodie comporte deux sujets sur la tonique et à la réexposition se présente le thème sur la sous-dominante. La basse dAlberti exposée dans ce premier mouvement est développée d’une manière assez étendue en fluidité dans le deuxième mouvement, l’andante.Seul l’allegro est représenté dans cette partition, ce premier mouvement, très connu, ensorcelle de nombreux pianistes de tous niveaux grâce à la relative aisance de son interprétation et à l’enchantement et à la frivolité qui s’en dégage. / Date parution : 2023-03-21/ Répertoire / Piano Solo
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| Französische Suiten
Bwv 812-817 Piano solo G. Henle
Trois grands cycles de suites de Johann Sebastian Bach comptent parmi les pièce...(+)
Trois grands cycles de suites de Johann Sebastian Bach comptent parmi les pièces maîtresses de la littérature de clavier: les Partitas ainsi que les Suites anglaises et françaises. Sur l'échelle de popularité, les Suites françaises l'emportent de très loin sur les autres - et il en était déjà ainsi du temps de leur création. Le revers de la médaille pour l'éditeur Urtext: un nombre presque incalculable de copies issues du cercle des élèves de Bach qui transmettent de nombreuses variantes probablement authentiques. Ullrich Scheideler présente avec une clarté exemplaire la complexité des sources dans cette édition Henle-Urtext révisée. Les petites variantes provenant des sources sont reproduites dans des notes en bas de page - en présence de grandes divergences, les mouvements en question sont reproduits en deux versions. Une annexe avec des pièces alternatives ou additionnelles complète cette somptueuse édition. À l'aide de cette publication Urtext de Henle entièrement révisée, pianistes et amateurs de Bach peuvent redécouvrir l'univers de Bach! / Piano
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| Legendary Piano Series :
ShowTunes (Coffret Luxe) Piano solo [Sheet music] - Intermediate Amsco Wise Publications
Les recueils de la collection Legendary Piano Series sont un véritable trésor,...(+)
Les recueils de la collection Legendary Piano Series sont un véritable trésor, en nombre limité !
EDITION LIMITEE A 3000 EXEMPLAIRES / CHAQUE LIVRE EST NUMEROTE !
Présentés dans une boîte d'un grand raffinement, leur couverture luxueuse est designée en faux-suède brodée tandis que le papier et la gravure sont eux-aussi d'une qualité remarquable.
Legendary Showtunes est un ouvrage qui trouvera sa place dans les meilleures bibliothèques, invitant son possesseur à être joué, lu et relu pendant des années.
Cette somptueuse édition contient la collection ultime des meilleures chansons écrites pour Broadway et West End, soigneusement sélectionnées, méticuleusement retranscriptes et magnifiquement présentées.
Livre au format 35*24,50 cm.
Inclus un ruban rouge servant comme marque page.
Chaque livre est présenté dans un coffret cartonné, qui reprend la couverture du livre.
Partitions pour piano avec les paroles et la ligne mélodique du chant des comédies musicales les plus connues au monde. / Variétés / Coffret Partition /
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| Verschaeve, Michel : Airs
d'opéras baroques
Français Piano solo [Sheet music] Lemoine, Henry
Comme à notre habitude, nous profitons d'une large distribution éditoriale pou...(+)
Comme à notre habitude, nous profitons d'une large distribution éditoriale pour mettre à la fois au programme de ce recueil des airs très connus de Lully, Rameau ou Charpentier, mais aussi révéler les talents de Boismortier, Mondonville, Collasse, etc. grâce à des compositions tout à fait remarquables et bien entendu à découvrir.
Un problème concernant le maintien de la tonalité originale s'est tout de suite posé. En effet, le diapason étant plus bas à l'époque d'un demi, voire d'un ton, devait-on garder la tonalité d'origine ?
Nous avons pris la décision de jouer la carte de la sécurité vocale et ainsi dans bon nombre de cas de transposer les airs lorsque ceux-ci sont trop tendus pour le diapason d'aujourd'hui (ce recueil étant avant tout destiné à un public le plus large possible).
Notons pour anecdote que l'air de Titon (et l'Aurore) de Mondonville n'a pas eu besoin d'être abaissé. En effet, le chanteur vedette de l'époque - Jélyotte -était en fin de carrière et ne possédait plus les superbes aigus* qu'il déployait auparavant dans les oeuvres de Rameau (Dardanus ou Platée).
Nous recommandons vivement aux interprètes avant de chanter, de déclamer le texte, dans les oeuvres du XVIIe siècle et les récitatifs des airs du XVIIIe afin de dégraisser la voix de l'emprise du son.
Le texte (et sa parfaite compréhension) est essentiel, il fait partie intégrante de la composition elle-même voulue par le compositeur.
Dr. Michel Verschaeve
* Avis très important :
- La voix de Haute-Contre à la Française est en fait une voix de Ténor léger qui mixe ses aigus et qui dans cette tessiture n'utilise absolument pas à l'époque son registre de poitrine. Le premier contre-ut (français) de poitrine sera poussé en 1831 par le grand ténor romantique Gilbert-Louis Duprez dans Guillaume Tell de Rossini...
- Nous avons respecté l'orthographe et la ponctuation originales des manuscrits et éditeurs de l'époque. / Partition /
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