Aldo Ciccolini est sans conteste l'un des plus grands pianistes contemporains. II fut partenaire des plus grands chefs et interprètes (Mitropoulos, Furtwängler, Cluytens, Schwarzkopf, Thibaud...) - son immense carrière internationale n'a cessée d'être saluée par de nombreux prix et distinctions, depuis ce jour de 1949 où il remporta le 1er prix du concours Marguerile-Long à Paris. Interprète au répertoire éclectique, ayant à son actif plus 80 références discographiques, son nom prestigieux est désormais rattaché à celui de Debussy, Satie, Séverac, Janacek, Liszt,... Mais en disant cela, l'on ne dit rien : rien de la magie qui opère à chaque concert lorsque, dès les premières mesures, l'artiste, dans une économie d'effets, capte l'émotion d'une salle entière par la seule densité de sa sonorité et la justesse du phrasé. Ni de l'intensité de son interprétation, fondée sur un respect absolu de l'écriture et une compréhension intime des oeuvres qu'il travaille encore et encore jusqu'à I'imprégnation totale. `Je suis un lirico spinto`, aime à répéter Aldo Ciccolini en référence à cette voix lyrique puissante et surtout incisive. Alors que certains parlent d'alchimie, il vous répond sacerdoce et mission. Car Aldo Ciccolini se définit comme un passeur, un messager, habité depuis l'enfance par une unique exigence intérieure : saisir l'essence de la musique pour mieux en transmettre le message. Fruit de ses entretiens avec le pianiste Pascal Le Corre, son ancien élève et ami, ce livre est l'occasion de revisiter `de l'intérieur` le parcours de cet artiste hors du commun : sa formation à Naples où la promesse d'une carrière d'enfant prodige ne suffît pas à le détourner de sa quête artistique - son installation en France, sa patrie de coeur, ferment de culture et de liberté, où il enrichit sa vision de la musique et de l'Art au contact de Marguerite Long, AIfred Cortot mais aussi d'acteurs comme Marie Marquet ou d'écrivains tels Jean Cocleau - son rôle de pédagogue au Conservatoiree de Paris qui lui permet de transmettre l'originalité de sa démarche artistique. Au travers de ses réflexions sur I'enseignement du piano, la place de l'Art en Occident ou encore le rôle de l'artiste contemporain, l'on découvre que cet artiste discret et modeste cache un être passionné, ennemi des fausses valeurs, libre dans ses choix et ses opinions jusqu'à parfois l'impertinence. Fort de la complicité qui lie l'élève à son maître, c'est l'attachant portrait d'un homme en quête perpétuelle d'absolu que nous livre ici Pascal Le Corre. Pascal Le Corre est pianiste, professeur de piano et d'accompagnement aux conservatoires de Paris et Orléans et auteur de divers ouvrages pédagogiques.

Nuova edizione a cura di André Richard e Marco Mazzolini. The new edition of Luigi Nono?s Prometeo serves a twofold objective. First, it proposes to document the musical text as defined through the experience of the performances in which Nono took part. Second, it aims to provide performers and scholars with the necessary information relating to the performance practice of the voices, instruments, and electronics (data, programming schemes, instructions for the implementation of sonic treatments). The technical and performance-related material is preceded by an essay which illustrates the philosophical background of the work, as closely linked to its formal aspects. The edition avails itself of the text of the second, final version of Prometeo, performed for the first time in Milan at the Stabilimento Ansaldo (September-October 1985) and reprised in Frankfurt (Alte Oper, August 1987), Paris (Théâtre National de Chaillot, October 1987) and Berlin (Kammermusiksaal of the Philharmonie, August 1988), with Nono at the Sound Direction. While the purpose of the edition is eminently practical, the specific nature of the work, combined with Nono?s own compositional approach, has made it necessary for the editors to access a number of sources, in order to accurately define the musical text. These include the autograph score supplied to the publisher and the printed copy that Nono used in all of the performances he took part in, the scores and parts used by the performers who worked with the composer, the work protocols of the Experimentalstudio of Freiburg (where Nono realized the live electronics part for Prometeo), the radio broadcast recordings of the performances in which Nono was directly involved. The concept of the edition owes much to André Richard?s extended experience realizing Prometeo, from the premieres of Venice (1984) and Milan (1985) up until 2015. He assumed a variety of roles in his plurennial involvement, from preparing the chorus and vocal soloists to leading the Sound Direction, to the design of the sonic space. As to the notation for the electronics of Prometeo, particular attention was devoted to solving the problem posed by the absence of a reference standard, as well as of specific indications in the autograph score. Based on the work protocols of the Experimentalstudio of Freiburg, the editors have developed a semiographic code that is coherent and expressive enough to avert stylistic ambiguities and, at the same time, open and flexible enough to allow for the exercise of interpretative freedom in a constantly evolving technological context.

For Clarinet solo with wind quartet and string quartet. Score OnlyFirst performed by Michael Collins Clarinet London Winds and the Endellion String Quartet on 27th January 2011 at the Wigmore Hall London.Scoring:Solo ClarinetFluteOboeBassoonFrench Horn2 ViolinsViolaCelloDuration:circa 13 minutes'During a visit to the exhibition of Francis Bacon at the Tate Gallery in December 2008my eye fell on Figure in a Landscape 1945 which resonated in me powerfully. It is a sceneof devastation and despair and also it seemed to me of latent anger and hostility... butabove it all a serene blue sky beckons. So perhaps even in the darkest moments there is aglimmer of hope - the possibility of change.This idea became the starting point for this work - Towards the Blue - a mini concerto forclarinet who eventually becomes the leader of the group.The work starts without the clarinet and all is desolate yet fiercely argumentative discordant and uncomfortable. Suddenly the offstage clarinet is heard and the players insurprise are quietened. However when the clarinet enters and approaches with a lyricalmusical motif some of the players respond others resist. Gradually the clarinetpersuades the dissident voices to join him in a spirit of co-operation and harmony.A brief memory of the opening desolation casts a momentary shadow which is quicklydispelled by the coda marked Gioioso.'Thea Musgrave (May 13th 2010)Parts available for hire separately

The Chinese Pictures for solo flute (s) (1993) were composed for the premiere played by the solo flutist Walter van Hauwe but Yun also wished for a performance by German flutes. The four pieces which Yun composed in June 1993 in Hohegeiß/ Harz are characterised by the reduced structural capacity of his style the memories of far eastern flute-idioms - with the exceprion of the third piece Der Affenspieler - and a Buddhist pattern. Yun consistently limits his work: all pieces come from techniques of the evolved variations and contrastive adaptions from (repsectively different) two- or three-toned themes. The first two pieces have the contemplative tenor as well as the spiraldramaturgy of the upward auched semi-circle the archetypal symbol for heaven in common. However the themes are conflictive: Bigger intervals abound the single tone in I. Der Besucher der Idylle whereas the tight coupling with the 'main tone' through smaller intervals in II. Der Eremit am Wasser evoke a softer sound. This clearly mirrors the impression of the single tone as a brush mark. Both pieces are - just like IV. Die Hirtenflöte - inspired by various variations of the story of the shepherd and his ox which in east Asia is used to name the 'inner child' of a human. The title if the first piece in the autograph is Der Besucher der Eremitage and refers to Buddhist hermitage. The visitor of this idyll is the farmer who leads his ox to the water for him to drink. The continuation of this parable is expressed by the second piece Der Eremit am Wasser. Together with the farmer the hermit comes to the water and rinses his ears. The farmer asks him why he would do that and the hermit responds: 'I was in town at the royal palace. I was to be empoloyed as sergeant and got offered a good payment. But when I asked what I had to do I heard terrible things. That is why I have to rinse my ears. ' The farmer however is disgusted by the contamination of the water; he leaves the fountain without letting his ox drink. The title of the third piece

Les Chardons d'après Van Gogh Discipline / Instrument : Alto et orchestre de chambre Nomenclature : 1(+picc).1(+ca).2(+clB).1(cbn) / 1.1.1.0 / perc / 1.1.2.1.1 Genre : contemporain Média : Partition Nombre de pages : 90 Format : A3 Editeur : Lemoine Réf. : 28792 Date de parution : 28/05/2009 ISBN / ISMN : 9790230987929 Création 09/09/2009 - Turin (Italie), Festival Settembre Musica, Geneviève Strosser (vla), Ensemble Orchestral Contemporain, Daniel Kawka (direction) Commanditaire Commande de l'Etat à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain Notice Van Gogh écrit en 1888 : Le peintre de l'avenir, c'est un coloriste comme il n'y en a pas encore eu. A cette époque, Van Gogh se sépare des impressionnistes, élargit leur intuition de la couleur et la simplifie. La forme-couleur se crée plutôt qu'elle ne se recompose dans notre vision. Van Gogh ne se soucie plus que de l'énergie de l'image. Le peintre séjourne en Arles où Gauguin le rejoint quelque temps. Il veut rénover les fondements mêmes de l'art, changer la technique de la peinture. Il rêve de créer un atelier du Midi et pense trouver là le Japon idéal, les paysages de Monticelli, de Cézanne, le rayonnement du soleil et l'âpre lumière qui annonce l'art de l'avenir. Il forge un style original en deux cents tableaux, parmi lesquels les Tournesols (août 1888), Joseph Roulin, le postier (août 1888), L'Arlésienne (novembre 1888) et Les Chardons, qui datent de la même année. Des tons vifs et crus, des couleurs claires, éclatantes, étalées en des dispositions stridentes à grands coups de pinceau ou au couteau, résument tout le registre expressif de son art. Bleu contre jaune, vert contre rouge écarlate, lilas, gris-rose, gris-violet, bleu et vert, noir et jaune: la seule force des contrastes suffit au déploiement de la forme. Tournesols, oliviers, chaumes, cyprès, ravins, rochers, chardons, tous ces motifs lacérés, distordus, ont l'intensité spontanée d'un tourment intérieur. Van Gogh a délibérément renoncé à la capture de l'instant fugitif comme à la représentation de la lumière, de l'air, de l'atmosphère - la qualité transitoire de l'impression visuelle lui importe peu désormais. Ses toiles sont emportées par la véhémence des touches, la brutale évidence des couleurs, leur vitalité convulsive. Désespoir, lucidité, emportement sont les traits d'un art que l'on a reconnu précurseur de l'expressionnisme. Les Chardons nous découvrent les racines du monde, une sorte de brasier originel d'où jaillissent trois flamèches. Les assises géologiques du paysage - l'expression est de Cézanne - y semblent déchiquetées, consumées dans une perpétuelle fournaise. C'est un enchevêtrement d'arêtes vives, une nature émiettée, une image de passion et de fureur. Au fond, à gauche, se découpe un petit pan de ciel bleu, encastré dans un horizon surélevé de montagnes vertes. La terre, chauffée à blanc, y occupe tout l'espace. Au premier plan, un fourmillement de stries incandescentes qui se tordent et crépitent. Les Chardons d'après Van Gogh - ma propre transposition musicale inspirée du tableau auquel elle emprunte son titre - sont écrits pour un alto soliste et une formation de chambre de quinze instrumentistes. Cette pièce s'attache à restituer la vitalité sourde de la toile, son atmosphère d'embrasement. Elle n'a ni contours ni limites, ni, à proprement parler, de schèmes d'organisation. J'y ai plutôt recherché des agencements formels doués d'une valeur dynamique, donnant au modelé de la masse sonore un rôle ambigu: axes de forces, impulsion des gestes, variété des dimensions directrices, tensions du matériau, conflit des principes formateurs. L'alto décrit en permanence la trajectoire idéale d'un mouvement irréel - formes spiralées, volutes, arabesques. Mais il fraie son chemin dans un milieu constamment hostile. Le choix du timbre de l'alto met en valeur le registre du sous-médium, à l'intensité contenue. La technique d'écriture consiste en une composition de textures, dont le propre est l'enchevêtrement des forces et des formes. Les structures perceptibles elles-mêmes procèdent du seul jeu des masses et des couleurs. J'ai évidemment mis l'accent sur la dynamique de l'interaction des couleurs qui forment la trame sonore. Je nourris toutefois un certain scepticisme à l'égard des méthodes scientifiques et raisonnées qui s'appliquent au traitement des propriétés acoustiques du son. La culture du son n'est pas, à mon sens, réductible à la science du son. La musique, me semble-t-il, a ceci de commun avec la peinture qu'elle peut investir la couleur de qualités contraires. Un bleu violacé peut s'assimiler aussi bien à un pourpre tirant sur le bleu qu'à un bleu en train de rougir. Van Gogh soutenait précisément l'idée d'un dynamisme, et même d'une intentionnalité de la couleur, capable de se déployer selon des foyers et des aires de diffusion, en transgressant toute limite. La musique que je souhaite écrire n'a pourtant rien de commun avec une nouvelle forme d'impressionnisme. C'est le drame que je recherche dans la plastique sonore. Ce drame peut être aussi bien celui des structures dispersées que de l'amplification indéfinie des actes, celui de la violence des masses tumultueuses comme celui du surgissement ou de l'essor. La partition est une Commande de l'Etat, à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain. Hugues Dufourt

Commissioned by the Presteigne Festival of Music and the Arts Limited with funds provided by the Arts Council of Wales for premiere in August 2012 by the Carducci String Quartet in St. Andrew?s Church Presteigne.Composer's Note'Some years ago I noted down the opening theme of what I anticipated would be a relatively Classical string quartet ?Classical? in the sense of the forms adopted plus perhaps a predominantly lyrical tone of voice. The commission for this work from the Presteigne Festival for their 30th anniversary in 2012 gave me the opportunity of putting into practice this long-held idea. It isdedicated to the Festival and to the Carducci Quartet whose career as much-admired friends and colleagues I have greatly enjoyed.The only break with ?classical? tradition is that there are five movements instead of four with two Scherzi as the second and third though both these are very short and contrasting. I found myself listening to Haydn?s string quartets a lot before and during the composition of this work and I hope the spirit of his delight in writing for this medium is echoed in my own music. The opening movement is in sonata form unusually for me and lyricism is I hope the basis of it though there is a good deal of activity at times. The Scherzo light and marked by frequently-changing rhythms is followed by an equally short but ferocious Perpetuum mobile marked Wild und rasch (one of my favourite German tempo markings). The fourth movement is an intense Adagio in which a single phrase uttered strongly in unison is gradually transformed into gentle diatonic chords before the close intermingled with cadenzas for cello for viola and for the two violins together. The finale (a Rondo) resumes the classical tone of the first movement but apart from one dance-like episode it builds up a fair head of steam towards a final Presto which however ascends slows and quietens towards a gentle summer sky at dusk.'

A Symphonic Sketch. Otto M. Schwarz composes not only for symphonic bands, but has written the soundtracks for many films. In this piece, he describes a ride on a roller coaster. At the beginning, the cars are pulled up by a chain. High above the ground the ride begins with all the well-known variations like steep downhill slides and loops, accompanied by the screams of the passengers. Towards the end of the piece, the ride becomes faster and faster, and then comes the end. Roller Coaster must be considered as a musical sketch, and is especially suited as an encore for your concerts. Get in! Let the ride begin!

For Concert Band. Par CESARINI FRANCO. Bright Dawn Overture est une commande de l?Association suisse des Musiques dans le cadre d'un projet de renouvellement et d'élargissement du répertoire artistique. 'Il n'y a jamais eu une nuit ou un problème capable de vaincre l'aube ou l'espoir.' : cette phrase du philosophe anglais Bernard Williams a inspiré Franco Cesarini dans la composition de cette ouverture. En fait, même à la nuit la plus sombre suit toujours le lever du soleil et de manière métaphorique, à chaque moment de difficulté, l'homme s'accroche à l'espoir d'un avenir meilleur. Bright Dawn Overture est écrite sous la forme classique d'une ouverture à l'italienne (rapide-lent-rapide). Elle se veut être un hymne d'espoir de la relance, après une période de grande difficulté. Un thème unique caractérise la composition, passant par les différents registres et se présentant, sans cesse modifié, sous de nouvelles formes. Dans la partie centrale, le thème prend un caractère presque mystique, tandis que dans le final, il se présente sous une forme héroïque et conclut la composition par un signe d'optimisme péremptoire. Une composition accessible à la plupart des orchestres d'harmonie, parfait comme pièce d'ouverture ! / Date parution : 2023-06-01/ Répertoire / Concert Band/Harmonie

Meditation On A Norfolk Ballad by John McCabe for Tenor Recorder and String Quartet. Score and Parts.

Born in South Africa but now an Irish citizen Kevin Volans? musical idiom has been shaped by an unusually diverse range of experiences including studies with Stockhausen in Cologne field trips to South Africa tostudy traditional music his own involvement with the New Simplicity movement his collection of contemporary art and African textiles friendships with composers like Morton Feldman and Gerald Barry as well as a love of virtuosopiano music which he performs broadcasts and records. While having an easily recognised unique voice Volans? music resists compartmentalisation. He is as comfortable working in conventional genres as embarking oninnovative collaborations with artists of other disciplines. String Quartet No.1 (White Man Sleeps) was written for the Kronos Quartet and was first performed by them in July 1986 London.The title?White Man Sleeps? comes from a moment in nyanga Panpipe music where the performers leave off playing their loud pipes for a few cycles and dance only to the sound of their ankle rattles to let the whitelandowner sleep for a minute or two.'In composing this piece I drew from the following sources: the first movement owes something to the style of Basotho concertina music; the second and fourth movements are drawnfrom traditional Nyungwe music played by Makina Chirenje and his Nyanga panpipe group at Nsava Tete Mozambique recorded and transcribed by Andrew Tracey (to be found in an article entitled ?The nyanga Panpipe dance? in AfricanMusic Vol.5 No.1 (1971); the third movement derives from the San bow music (recorded by Tony Traill of the University of Witwatersrand) and from Basotho lesiba music transcribed by myself; in the fifth movement I added my owninvented folklore. My approach to the original music was anything but purist it is played in Western tuning filtered slowed down by a few ?time-octaves? cast into non-African metres (like the 13-beat pattern of the first