SKU: MH.1-59913-071-8
ISBN 9781599130712.
Program Notes: Stylistically diverse -- tranquil, spirited pastoral, sensitive, energetic -- exhibiting a remarkable palette, the five movements of SINFONIA IX form a unique symphonic statement. Movement I, Prelude, is about contrasts: A lazy, smooth, motive in brasses alternates with, and then joins, an active and detached motive in woodwinds. The spirited Movement II, Morley's Ghost, is an intricate canonic collage and homage to that venerable theoretician & composer, Thomas Morley. By contrast, movement III, Dialog, speaks in a relaxed, lyrical, and pastoral language as it develops its gently rising and falling motives. Movement IV, Waltz, innocently celebrates the joys of childhood with a lilting melody and rondo form. For the rousing Finale, Movement V begins with a martial call of repeated-notes, heralding a headstrong journey of power and excitement. Like a number of the composer's other works, SINFONIA IX is based on earlier material: A brass sextet, written in 1966 when the composer was nineteen years old, forms the raw material for the first, third and fifth movements, while a later work, Martin's Waltz (a children's piece for flutes and clarinets composed in 1975) is the basis of the fourth movement. The second movement, however, is a fanciful contrapuntal commentary on Thomas Morley's 16th-century canzonet, Fire and Lightning. SINFONIA IX is dedicated to John Raforth, a distinguished band director and music educator at West High School in Madison, Wisconsin. The work was commissioned by his friends and former students, and was completed in 1977. Its first publication some twenty years later is a result of the increasing attention paid by university band directors to the earlier Sinfonias, particularly Sinfonia III (Hymns and Dances); Sinfonia V (Sinfonia Sacra et Profana); and now, Sinfonia IX. Whereas the first two works are wind ensemble compositions that have been championed equally by the concert band, Sinfonia IX is the composer's first college-level Sinfonia written especially for concert band. Ensemble instrumentation: 1 Piccolo, 8 Flute 1-2, 2 Oboe, 1 Eb Clarinet, 4 Bb Clarinet 1, 4 Bb Clarinet 2, 4 Bb Clarinet 3, 3 Bb Bass Clarinet, 2 Bassoon, 4 Eb Alto Saxophone, 2 Bb Tenor Saxophone, 1 Eb Baritone Saxophone, 3 Bb Trumpet 1, 3 Bb Trumpet 2, 3 Bb Trumpet 3, 2 F Horn 1-2, 2 F Horn 3-4, 3 Trombone 1, 3 Trombone 2, 3 Baritone B.C., 2 Baritone T.C., 4 Tuba, 3 String Bass, 2 Timpani, 5 Percussion.
SKU: BT.DHP-1084416-140
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Dirk Brossé schreef dit werk ter gelegenheid van de zeventigste verjaardag van zijn vader. De compositie is gebaseerd op het thema ‘Happy Birthday’, dat er als een rode draad doorheen loopt. In een aaneenschakeling van korte passageskomt het karakter van ‘Il Signor Brossini’ tot uiting - nu eens hero sch, dan weer impressionistisch en romantisch, soms heftig en vurig maar ook kwetsbaar en ontroerend. Het gevoel voor humor is steeds aanwezig.Dieses Stück schrieb Dirk Brossé zum 70. Geburtstag seines Vaters, basierend auf dem wohl bekanntesten aller Geburtstagslieder: Happy Birthday. Mit viel Gefühl drückte Brossé in einer Reihe von kurzen Fragmenten die wichtigsten Charakterzüge seines Vaters aus: Heldenmut, aber auch Romantik und Introvertiertheit, Leidenschaft und Feuer, aber auch Zerbrechlichkeit und eine gute Prise Humor. Glückwunsch zu diesem gelungenen Werk, Signor (B)rossini!En 2007, Dirk Brossé compose Il Signor Brossini (Monsieur Brossini) l’occasion du 70e anniversaire de son père. Il fait de la mélodie du célébrissime Happy Birthday (Joyeux anniversaire) le fil conducteur de son œuvre. Divers petits fragments successifs brossent le caractère de “Monsieur Brossini†: tantôt héro que, tantôt impressionniste et romantique, parfois passionné et fougueux, mais aussi fragile et émouvant, et toujours avec humour.La mélodie de la chanson Happy Birthday a été composée par deux sœurs américaines, Patty et Mildred J. Hill, en 1893, lorsqu’elles enseignaient Louisville dans le Kentucky. En 1990, cette mélodie fut vendueaux éditions Warner Chappell pour la coquette somme de quinze millions de dollars.D’après le Livre Guinness des Records, Happy Birthday est l’air le plus chanté de tous les temps. Les orchestrations sont multiples et couvrent une pléiade de combinaisons instrumentales. Quant au texte, il a été traduit dans presque toutes les langues. Si le titre Il Signor Brossini fait référence au brillant compositeur italien Gioacchino Rossini, il rappelle également les origines italiennes de la famille Brossé.
SKU: BT.EMBZ14493
9x12 inches. English-Hungarian.
This work was written in 2005, prompted by the composer's determination that young members of junior, music school and conservatoire wind ensembles should not be limited to transcriptions for lack of original compositions, especially contemporary ones. The new devices used in the Little Suite are suitable for student players to try out. Indeed, they enjoy them - for instance, purring or whistling into the instrument. Each of the three-or-four-minute movements of this four-movement work can also be performed separately. The titles of the movements are the following: 1. In cheerful mood, 2. Song, 3. Joke, 4. March. This music in modern idiom, full ofinteresting new effects, offers young players an opportunity for enjoyable music-making together, and at the same time prepares them for playing more difficult contemporary works. Dieses Werk schrieb der Komponist 2005, für Jugendblasorchester. Jeder der vier Sätze dieser Komposition lässt sich auch einzeln vortragen. Die Titel der Sätze sind: 1. Gutgelaunt, 2. Lied, 3. Spass, 4. Marsch. Die in moderner Sprache gehaltene, mit vielen interessanten neuen Effekten bereicherte Musik bietet den jungen Instrumentalisten Möglichkeiten zum heiteren, gutgelaunten Musizieren in der Gemeinschaft und bereitet sie auch auf das Spielen schwierigerer zeitgenössischer Musik vor.Little Suite (In Cheerful Mood, Song, Joke, March) pour musiciens décomplexés s’adresse aux Orchestres Juniors de niveau avancé, ainsi qu’aux formations la recherche de nouvelles expériences musicales. Il va falloir, siffl er, souffl er, ronronner, etc. Chacun des quatre mouvements (durée individuelle : 3-4 min.) peut être interprété séparément. Little Suite si presta per essere eseguito da banda di livello avanzato come anche per tutte le formazioni desiderose di suonare un brano originale moderno con effetti sorprendenti. I quattro movimenti di questa piccola suite, In Cheerful Mood, Song, Joke e March, possono essere eseguiti separatamente.
SKU: BT.DHP-1084601-400
ISBN 9789043130745. 9x12 inches. German.
Klasse(n) Musikanten - Los geht´s ist ein Spielbuch, das sich an Bläserklassen richtet, die sich gerade auf das Abenteuer eines Blasorchesterprojekts im Grundschulalter (Klasse 3-4) eingelassen haben. Die Idee ist, dass sobald alle Schüler ihrInstrument gewählt haben, das Blasorchester zusammengestellt ist und die ersten Hürden der Tonerzeugung überwunden sind, mit dem gemeinsamen Musizieren begonnen werden soll. So profitieren sie gleich von Beginn an von den groÃ?en Pluspunkten einerBläserklasse - nämlich der hohen Motivation und dem Gemeinschaftsgeist im Orchester - und entwickeln für das Orchesterspiel wichtige Fähigkeiten, wie gut aufeinander zu hören und Rhythmusgefühl. Damit dies zu einem so frühen Zeitpunkt möglich ist,beginnt das Buch mit einem ein stimmigen Stück aus nur zwei Tönen ohne Dynamikangaben. Parallel zu den Lernfortschritten der Schüler werden die Stücke in ganz kleinen Schritten allmählich komplexer. In der Partitur finden Sie Erläuterungen zumKonzept des ganzen Buches und zu einzelnen Stücken sowie eine tabellarische Ã?bersicht der Lerninhalte in jedem Stück sowie eine CD mit vollständigen Aufnahmen aller Stücke. Zusätzliche Möglichkeiten zur abwechslungsreichen Unterrichtsgestaltungbieten die Stücke, in denen geklatscht, gestampft, geklopft, gerufen oder gesungen wird. Hier können die Schüler ihrer Kreativität freien Lauf lassen! Die kleinen Kompositionen und Bearbeitungen bekannter Kinderlieder sind auch das ideale Materialfür erste Auftritte vor Eltern, Lehrern und Mitschülern - ein unersetzlicher Motivationsschub für die Klassenmusikanten!Auszüge aus dem Konzept: Auch wenn Klasse(n) Musikanten - Los gehtâ??s nicht auf einer bestimmten Methode basiert,wurden die Stücke doch bewusst in ansteigendem Schwierigkeitsgrad angeordnet und enthalten der Spielpraxis angepasste Lernelemente: â?¢ Im Laufe des Buches werden die Schüler mit verschiedenen musikalischen Inhalten vertraut gemacht: von Einstimmigkeitüber homorhythmische Zweistimmigkeit bis zu ersten polyphonen Ansätzen und rhythmisch von Viertelnoten über Viertelpausen bis hin zu Achtelnoten in 2/4-, 3/4- und 4/4-Taktarten.â?¢ Die ersten Stücke sind einstimmig, dann werden den Schülernverschiedene Aufgaben, wie z.B. klopfen und spielen zugewiesen, dann erst wird unabhängig auf den Instrumenten gespielt. â?¢ Mit Dynamik wurde bewusst sparsam umgegangen mit Rücksicht auf die technischen Fähigkeiten der Spieler.â?¢ Die Verteilung derStimmen liegt in vielen Stücken beim Lehrer/Dirigenten, der damit gezielt auf seine Schüler eingehen kann. â?¢ Das Schlagzeug ist in den ersten Stücken nur in einer Zeile notiert. Die Schlaginstrumente sind hier frei wählbar, sie können auch selbsterdacht und gebastelt werden. â?¢ Die Flötenstimme kann auch von verschiedenen Stabspielinstrumenten, wie zum Beispiel einem Glockenspiel, ergänzt werden.â?¢ Zu einigen Stücken kann den Schülern eine Geschichte erzählt oder ein bestimmtes Bildheraufbeschworen werden. Diese Bilder helfen, musikalische Fertigkeiten wie Dynamik oder Rhythmus zu erwerben, und sprechen die kindliche Fantasie an.Die Stimmenhefte sind separat erhältlich. Bitte bestellen Sie gemäÃ? Ihrer Besetzung. Hier finden Sie das Bestellformular zum Herunterladen.
SKU: BT.AMP-481-010
English-German-French-Dutch.
Guardians of the Waves was commissioned by the Japan Coast Guard Band to celebrate their 30th anniversary in 2018. They gave the premiere as part of a 30th anniversary concert on November 8th that year. Set in traditionalmarch form, Guardians of the Waves opens with a short introduction, which leads to the main theme, played initially by the brass and then repeated with a florid woodwind descant. The theme is extended and morphs into asecond theme, first played tutti and then quietly repeated by bassoon, tenor sax and euphonium. This leads to a conventional ‘bass strain’, played twice with varying accompaniments. A quieter trio section follows, delicatelyscored and featuring the tenor instruments of the band. Taken up by the full band, this leads back to a recall of the introduction and a return to the main two themes, which lead to a triumphal close.Guardians of the Waves werd geschreven in opdracht van de Japan Coast Guard Band ter gelegenheid van het dertigjarig bestaan van dit orkest, in 2018. De première vond plaats tijdens het jubileumconcert op 8 november van datjaar. Het werk, dat is gecomponeerd in een traditionele marsvorm, begint met een korte introductie die het hoofdthema inleidt, dat aanvankelijk wordt gespeeld door het koper en dan wordt herhaald met een weelderige discant in hethout. Het thema wordt voortgezet en gaat over in een tweede thema, eerst tutti gespeeld en rustig herhaald door fagot, tenorsax en eufonium. Dit thema voert ons mee naar een conventionele baslijn, die twee keer wordt gespeeld metvariërende begeleiding. Daarna volgt een kalmer triogedeelte, dat delicaat is getoonzet en waarin de tenorinstrumenten van het orkest ruimschoots aan bod komen. Het wordt dan overgenomen door het complete orkest en brengt onsterug naar de inleiding en de twee hoofdthema’s, uitmondend in een triomfantelijk slot.Guardians of the Waves wurde von der Japan Coast Guard Band anlässlich ihres 30-jährigen Bestehens im Jahr 2018 in Auftrag gegeben. Die Uraufführung fand am 8. November 2018 im Rahmen eines Jubiläumskonzertes statt.Guardians of the Waves wurde als traditioneller Marsch komponiert und beginnt mit einer kurzen Einleitung, die zum Hauptthema führt. Dieses wird zunächst von den Blechbläsern gespielt und dann von den Oberstimmen in denHolzbläsern mit Verzierungen wiederholt. Das Thema wird erweitert und geht in ein zweites Thema über, das zunächst vom Tutti gespielt und dann von Fagott, Tenorsaxophon und Euphonium leise wiederholt wird. Anschließend erklingteine traditionelle Melodie in den Bassinstrumenten, die mit unterschiedlicher Begleitung zweimal gespielt wird. Es folgt ein ruhigeres Trio, das zart besetzt ist und die Tenorinstrumente des Blasorchesters hervorhebt. Dies wirdschließlich vom gesamten Blasorchester aufgegriffen und führt zu einer Wiederholung der Einleitung und einer Rückkehr zu den beiden Hauptthemen, die in einen triumphalen Schluss überleiten.Guardians of the Waves est une commande de l’Harmonie de la Gendarmerie maritime du Japon pour marquer son 30e anniversaire, en 2018. L’orchestre a créé l’œuvre dans le cadre d’un concert d’anniversaire le 8 novembre decette même année. Écrite en forme de marche traditionnelle, Guardians of the Waves s’ouvre avec une courte introduction qui mène au thème principal, interprété d’abord par les cuivres puis repris avec un déchant fleuri parles bois. Le thème est prolongé et se morphe en un second thème, d’abord en tutti, puis répété doucement par les bassons, saxophones ténor et euphoniums. Ce passage mène une mélodie conventionnelle dans les graves, jouée deuxfois avec divers accompagnements. Vient ensuite un trio plus calme, orchestré avec délicatesse et mettant en avant les instruments ténor. Repris par l’orchestre entier, ce passage est suivi d’un rappel de l’introduction avant unretour aux deux thèmes principaux, qui mènent une conclusion triomphale.
SKU: BT.AMP-513-010
Pulcinella was commissioned by the Taiwanese euphonium player Tzu-Hsiang Lin. Lin is a renowned soloist and teacher and a Besson Euphonium Artist. He teaches euphonium at Taipei National University of the Arts, National Taiwan University of Arts, Shih Chien University and National Kaohsiung Normal University. Lin gave the premiere of Pulcinella in both its concert band and brass band versions in January 2021. Pulcinella continues Sparke’s series of euphonium solos named after characters of the Italian commedia dell’arte and opens with a long and expressive minor melody for the soloist over a brooding accompaniment. This is taken up briefly by the full band and is extended by the soloist after a change of key. A cadenza, accompanied by fragments of the main melody leads to a complete change of mood, tempo and tonality, introducing a Vivo section starting with a perky syncopated tune for the soloist. The band then uses elements of this new tune to introduce a change of key, where the soloist introduces a more lyrical second subject over a pulsing accompaniment. The band then takes this up and changes key to reintroduce the original Vivo melody, which leads to a short and acrobatic coda to bring the work to a spectacular close. Pulcinella werd geschreven in opdracht van de Taiwanese eufoniumspeler Tzu-Hsiang Lin. Lin is een gerenommeerd solist en leraar en een Besson Euphonium Artist. Hij geeft eufoniumles aan de Taipei National University of the Arts, de National Taiwan University of Arts, de Shih Chien University en de National Kaohsiung Normal University. In januari 2021 bracht Lin de première van Pulcinella in zowel de versie voor harmonieorkest als die voor brassband. Pulcinella is een vervolg binnen Sparkes serie eufoniumsolo’s waarin personages uit de Italiaanse commedia dell’arte de hoofdrol spelen. Het werk opent met een lange, expressieve mineurmelodie voor de solist, boven een sonore begeleiding. Deze wordt kortstondig door het complete orkest overgenomen en dan na een modulatie door de solist verder uitgewerkt. Een cadens, begeleid door fragmenten van de hoofdmelodie, mondt uit in een totaal andere sfeer, tempo en tonaliteit, met de introductie van een Vivo-gedeelte dat begint met een pittige, gesyncopeerde passage voor de solist. Het orkest gebruikt elementen hieruit om een nieuwe modulatie in te voeren, waarbij de solist een lyrischer tweede thema boven een pulserende begeleiding introduceert. Het orkest neemt dit dan over en verandert van toonsoort om naar de originele Vivo-melodie terug te keren, die naar een korte, acrobatische coda leidt en het werk op spectaculaire wijze afsluit. Pulcinella wurde von dem taiwanesischen Euphoniumspieler Tzu-Hsiang Lin in Auftrag gegeben, einem bekannten Solisten, Lehrer und Besson Euphonium Artist“. Er unterrichtet Euphonium an der Taipei National University of the Arts, der National Taiwan University of Arts, der Shih Chien University und an der National Kaohsiung Normal University. Tzu-Hsiang Lin spielte im Januar 2021 die Uraufführungen von Pulcinella, sowohl die Version mit Blasorchesterbegleitung als auch die mit Brass-Band-Begleitung. Mit Pulcinella setzt sich Philip Sparkes Serie mit Stücken für Euphonium solo fort, die nach Charakteren der italienischen Commedia dell’Arte benannt sind. Das Werk beginnt mit einer langen und ausdrucksvollen Melodie des Solisten in Moll über einer düsteren Begleitung. Die Melodie wird vom gesamten Blasorchester kurz übernommen und durch den Solisten nach einem Tonartwechsel erweitert. Eine Kadenz, begleitet von Fragmenten der Hauptmelodie, führt zu einer kompletten Veränderung von Stimmung, Tempo und Tonalität und leitet einen Vivo-Abschnitt ein, der mit einer munteren synkopierten Melodie des Solisten beginnt. Das Blasorchester greift Elemente der neuen Melodie auf, um einen Tonartwechsel einzuführen, wobei der Solist ein lyrischeres zweites Thema über einer pulsierenden Begleitung vorstellt. Das Blasorchester greift dieses wiederum auf, wechselt die Tonart und übernimmt erneut die ursprüngliche Vivo-Melodie. Eine kurze und technisch anspruchsvolle Coda leitet in einen fulminanten Schluss über. Pulcinella est une commande du joueur d’euphonium taiwanais Tzu-Hsiang Lin. Lin est un soliste et professeur renommé ainsi qu’un « Besson Euphonium Artist ». Il enseigne l’Université nationale des arts de Taipei, l’Université nationale des arts de Taiwan, l’Université de Shih Chien et École normale nationale de Kaohsiung. Lin a créé Pulcinella dans ses deux versions pour harmonie et pour brass band en janvier 2021. Avec , Sparke élargit sa série de solos pour euphonium nommés d’après des personnages de la commedia dell’arte italienne. La pièce débute avec une longue mélodie expressive en mineur pour le soliste sur un accompagnement sombre. Cette mélodie est reprise brièvement par l’orchestre entier et prolongée par le soliste après un changement de tonalité. Accompagnée par des fragments de la mélodie principale, une cadence mène un changement total de climat, de tempo et de tonalité, introduisant une section Vivo qui débute avec un air syncopé enjoué pour l’euphonium. L’orchestre emploie alors des éléments de cet nouvelle mélodie pour mener un changement de tonalité où le soliste introduit un second sujet plus lyrique sur un accompagnement entraînant. L’orchestre reprend ce thème et change de tonalité pour réintroduire la mélodie Vivo d’origine, qui mène une courte coda acrobatique avant une conclusion spectaculaire.
SKU: BT.DHP-1216293-010
When you have been playing in a band for a long time, you will know that music belongs to the most beautiful moments in life, but also to the roughest times. Making music together can give you strength when things are difficult.To a Friend is a wonderfully comforting work for anyone going through a dark time. Jacob de Haan composed the work for his father in law, Gerard Bosch, a musician to the core. The piece received its first performance justweeks before his passing. On a sun-kissed evening, his friends, the musicians of his two music societies Oefening Baart Kunst (Practice Makes Perfect) Otterlo, and the Reünie Orkest Artillerie Trompetterkorps (Reunion BandArtillery Trumpet Corps) played the work for Gerard - an unknowing yet beautiful goodbye.Wanneer je al lang samen in een orkest speelt, weet je dat muziek hoort bij de mooiste momenten in het leven, maar ook bij de diepste dalen. Samen muziek maken kan je kracht geven wanneer je het moeilijk hebt. To a Friendis een prachtig troostrijk werk voor iedereen die donkere tijden meemaakt. Jacob de Haan componeerde het werk voor zijn schoonvader, Gerard Bosch, een muzikant in hart en nieren. Een paar weken voor diens overlijden was het klaarom te worden uitgevoerd. Op een zonovergoten avond speelden zijn vrienden, de muzikanten van zijn beide muziekverenigingen Oefening Baart Kunst Otterlo en het Reünie Orkest Artillerie Trompetterkorps het voor Gerard. Eenprachtig afscheid. Wer lange in einem Orchester gespielt hat, der weiß, dass Musik zu den schönsten Momenten im Leben gehört, aber auch zu den schwersten. Gemeinsames Musizieren kann einem in schwierigen Zeiten Kraft geben. To a Friend istein wunderbar tröstliches Werk für jeden, der eine schwere Zeit durchlebt. Jacob de Haan komponierte das Werk für seinen Schwiegervater Gerard Bosch, der Musiker durch und durch war. Das Stück wurde nur wenige Wochen vor seinemTod uraufgeführt. An einem sonnigen Abend spielten seine Freunde, die Musiker seiner beiden Musikvereine Oefening Baart Kunst (Übung macht den Meister“) Otterlo und das Reünie Orkest Artillerie Trompetterkorps (Reunion BandArtillerie Trompet Corps) , das Werk für Gerard. Ein unbewusster und zugleich schöner Abschied.Lorsqu’on joue dans un orchestre depuis longtemps, on sait que la musique fait partie des plus beaux moments de la vie, mais aussi d’instants très ardus. Jouer ensemble peut donner de la force lorsque les choses sont difficiles.To a Friend est une œuvre merveilleusement réconfortante pour toute personne confrontée une période sombre. Jacob de Haan a composé cette pièce pour son beau-père, Gerard Bosch, lui-même musicien passionné. Elle a étécréée quelques semaines avant son décès. Lors d’une fin de journée ensoleillée, ses amis, les musiciens de ses deux sociétés musicales (Oefening Baart Kunst Otterlo et le Reünie Orkest Artillerie Trompetterkorps ), ont interprétéla nouvelle composition pour Gerard. Ils l’ignoraient alors, mais ce petit concert constitua un adieu merveilleux.
SKU: BT.AMP-340-140
Of Skies, Rivers, Lakes and Mountains was commissioned by the Northern California Band Directors' Association to honour their 50th Anniversary in 2012. The first performance was given by the Association’s 2012 Honor Band, conducted by Dr Royce Trevis, in the Harlen Adams Theater, California State University, Chico, California, on 4th February that year.The brief for the commission asked for a piece that celebrated the United States’ natural resources and composer Philip Sparke turned to Katharine Lee Bates’s lyrics for the song America the Beautiful, of which the first and last verses are:O beautiful for spacious skies,For amber waves of grain,For purplemountain majestiesAbove the fruited plain!America! America!God shed His grace on thee,And crown thy good with brotherhoodFrom sea to shining seaThe three movements each take their title from these verses:1. O Beautiful for Spacious Skies: Opening with filigree woodwind figuring, this movement aims to recreate the light and lightness of a spring sky, birds and blossoms floating on gentle breezes.2. From Sea to Shining Sea: A vivacious celebration of water bubbling in streams, rivers and lakes.3. For Purple Mountain Majesties: A slow final movement representing an awe-inspiring range of mountains Of Skies, Rivers, Lakes and Mountains is geschreven in opdracht van de Northern California Band Directors' Association, ter gelegenheid van het vijftigjarig jubileum van deze organisatie, dat in 2012 werd gevierd. De première werd op 4 februari van dat jaar onder leiding van dirigent Royce Trevis uitgevoerd door de Association’s 2012 Honor Band, in het Harlen Adams Theater, California State University, Chico, Californië.De componist kreeg het verzoek een werk te schrijven dat een lofzang zou zijn op alles wat de natuur van Verenigde Staten te bieden heeft. Philip Sparke gebruikte de tekst van Katharine Lee Bates voor de song America the Beautiful, waarvan heteerste en laatste couplet als volgt luiden:O beautiful for spacious skies,For amber waves of grain,For purple mountain majestiesAbove the fruited plain!America! America!God shed His grace on thee,And crown thy good with brotherhoodFrom sea to shining seaDe titels van de drie delen van de compositie zijn ontleend aan deze coupletten:1. O Beautiful for Spacious Skies: Dit deel, dat opent met verfijnde figuren in het hout, is een poging om het licht en de lichtheid van een lentehemel te herscheppen, met vogeltjes en bloesems die wiegen in een milde bries.2. From Sea to Shining Sea: Een levendige ode aan water dat stroomt in beken, rivieren en meren3. For Purple Mountain Majesties: Een langzaam laatste deel waarin het beeld wordt opgeroepen van een indrukwekkende bergketen Of Skies, Rivers, Lakes and Mountains wurde von der Northern California Band Director’s Association (Dirigentenverband Nord-Kaliforniens) zum 50-jährigen Jubiläum im Jahr 2012 in Auftrag gegeben. Die Uraufführung mit dem Ehrenorchester 2012 des Verbands fand am 4. Februar desselben Jahre unter der Leitung von Dr. Royce Trevis im Halen Adams Theater an der California State University, Chico Kalifornien) statt.Der Kompositionsauftrag verlangte ein Stück zu Ehren der Reichtümer der Natur Amerikas. Der Komponist Philip Sparke wählte daher die erste und letzte Strophe aus Katherine Lee Bates’ Text zum Lied America the Beautiful, die da lauten:O beautiful for spaciousskies,For amber waves of grain,For purple mountain majestiesAbove the fruited plain!America! America!God shed His grace on thee,And crown thy good with brotherhoodFrom sea to shining seaDie Titel der drei Sätze stammen alle aus diesen Strophen:1. O Beautiful for Spacious Skies (O wunderschön, der weite Himmel): Mit filigranen Figuren im Holz beginnend, will dieser Satz das Licht und die Leichtigkeit des Frühlingshimmels, die Vögel und von einer sanften Brise getragene Blüten zum Leben erwecken.2. From Sea to Shining Sea (Vom Meer zum strahlenden Meer): Mit lebhafter Musik wird hier in Flüssen, Bächen und Seen sprudelndes Wasser zelebriert.3. For Purple Mountain Majesties (Die Erhabenheit der purpurrot leuchtenden Berge): Der langsame Schlusssatz richtet den Blick auf ehrfurchtgebietende Gebirge. Of Skies, Rivers, Lakes and Mountains est une commande de la Northern California Band Directors' Association pour marquer son 50e anniversaire, en 2012. Cette œuvre a été créée par le Honor Band 2012 de l’Association sous la direction du Dr Royce Trevis au thé tre Harlen Adams de l’université de Californie Chico, Californie, le 4 février de cette même année.La commande stipulait que la pièce devait célébrer les ressources naturelles des États-Unis. Le compositeur Philip Sparke s’est donc inspiré des paroles de Katharine Lee Bates pour la chanson America the Beautiful, dont voici les premier et dernier couplets :O beautiful for spacious skies,For amberwaves of grain,For purple mountain majestiesAbove the fruited plain!(Oh belle pour tes vastes cieux,Tes vagues de grains ambrés,La majesté de tes montagnes violettesDominant des plaines fruitées !)America! America!God shed His grace on thee,And crown thy good with brotherhoodFrom sea to shining sea(Amérique ! Amérique !Dieu t’a donné sa gr ceCouronnée de la fraternité des hommesDe la mer la mer étincelante)Les trois mouvements empruntent chacun leur titre ces couplets :1. O Beautiful for Spacious Skies: S’ouvrant avec des figures en filigrane jouées par les bois, ce mouvement cherche recréer la lumière et la légèreté d’un ciel printanier, d’oiseaux et de fleurs flottant au gré d’une douce brise.2. From Sea to Shining Sea: Plein de vivacité, ce mouvement évoque les frémissements de l’eau des ruisseaux, des rivières et des lacs.3. For Purple Mountain Majesties:Le dernier mouvement, lent et majestueux, dépeint une impressionnante chaîne de montagnes.
SKU: BT.1091-04-010-MS
Die Liedkomponisten Bob Crewe und Bob Gaudio waren ein äußerst erfolgreiches Duo. In den 60er- und 70er-Jahren des vergangenen Jahrhunderts schrieben sie zahlreiche Hits für Frankie Valli & The Four Seasons, darunter auch Can't Take My Eyes Off You aus dem Jahr 1967. Die Liste der bekannten Künstler, die das unwiderstehliche, flotte Lied in ihr Repertoire aufnahmen, ist lang: The Lettermen, Andy Williams, Diana Ross & The Supremes, Gloria Gaynor, The Boystown Gang, The Pet Shop Boys und viele mehr. Can't Take My Eyes Off You kann zweifellos zu den Klassikern der Popmusik gerechnet werden. Lorenzo Bocci schrieb diese spannende Bearbeitung für Blasorchester.Les auteurs-compositeurs Bob Crewe et Bob Gaudio ont formé un tandem couronné de succès. Dans les années 60 et 70, ils signent de nombreux tubes pour Frankie Valli & The Four Seasons dont l’immense standard de l’année 1967, Can’t Take My Eyes Off You. Par la suite, une pléiade d’artistes célèbres reprend cette chanson charmante au rythme enlevé. Ainsi, The Lettermen, Andy Williams, Diana Ross & The Supremes, Gloria Gaynor, The Boystown Gang ou The Pet Shop Boys, entre autres (liste non exhaustive), ont inscrit ce classique de la musique pop leur répertoire. Lorenzo Bocci signe cet arrangement entraînant pour Orchestre d’Harmonie.
SKU: BT.1517-08-140-MS
Tom Jones has been in show business for a number of decades, and heis still going strong. The Welshman scored his first success in 1965, withIt’s Not Unusual, a song that was a worldwide hit. Stefan Schwalgin hasarranged this song in such a way that the big band sound and the soullikesinging in the original are reflected perfectly in the instrumentation. Tom Jones zit al decennialang in het showbizzvak en hij heeft er nog steeds niet genoeg van. Deze entertainer onder de entertainers trekt nog altijd volle zalen. Zijn eerste succes boekte de Welshman in 1965, met It’s Not Unusual,een nummer dat de hitparades wereldwijd bestormde. In datzelfde jaar werd Stefan Schwalgin geboren, daarom heeft hij deze hit met extra veel aandacht bewerkt. De bigbandsound en de soulachtige zang van het origineel zijn perfectverwerkt in de instrumentatie van dit arrangement.Der Brite Tom Jones fristete ein Leben als Staubsaugerverteter und wenig erfolgreicher Sänger einer Band bis ein gewisser Gordon Mills ihn entdeckte und gleich mit dem zweiten veröffentlichten Song - It’s Not Unsual - zu einem Nr. 1-Hit verhalf. Das Lied, das einfach keinen still sitzen lässt, schaffte es 22 Jahre später erneut in die Charts und liegt nun in einer Bearbeitung für Blasorchester vor, die den souligen Gesang und die Big Band ähnliche Begleitung gut in der Instrumentierung widerspiegelt.Tom Jones est né le 7 juin 1940 Pontypridd, dans le pays de Galles, dans une famille de mineurs de charbon. Mis dans la case « crooner», Tom Jones est remarqué par Gordon Mills, un chanteur reconverti dans la composition qui devient son agent en 1963. Un an plus tard, Tom Jones signe son premier contrat et sort son premier grand succès international, It's Not Unusual. Maniant aussi bien le rock que la musique disco ou la variété, Tom Jones s'adapte toutes les modes. Après un passage vide, il relance sa carrière en 1987 et brille toujours sous les feux de l’actualité.
SKU: BT.AMP-173-010
When writing his tuba concerto, Philip Sparke wanted to create a work which explored the many aspects of the instrument’s technical and vocal qualities but without resorting to caricature. The result is a concerto in two joined movements, which can both be programmed individually, that contains both many lyrical lines together with stunning virtuosic passages. An outstanding concerto that tuba players and brass band audiences alike will enjoy and applaud.De technische en lyrische eigenschappen van het instrument komen in deze compositie optimaal tot hun recht. De componist wilde er namelijk zeker van zijn dat het werk écht een concerto voor tuba zou worden en dat de muziek zou passenbij het instrument in de solistenrol. De solostem in het tweedelige Tuba Concerto bestrijkt bijna drieënhalf octaaf. Beide delen kunnen afzonderlijk worden geprogrammeerd: een langzaam deel en een scherzo.Philip Sparke schuf mit seinem Tuba Concerto ganz bewusst ein Stück, das der Tuba als Soloinstrument voll und ganz gerecht wird. Aus diesem Grund deckt die Solostimme fast dreieinhalb Oktaven ab und nutzt die technischen und klanglichen Qualitäten des Instruments voll und ganz aus. Das Konzert besteht aus zwei zusammenhängenden Sätzen, die beide einzeln aufgeführt werden können: einem langsamen Satz und einem Scherzo. Noten für eine Aufführung mit Tuba und Klavier sind ebenfalls erhältlich.Tuba Concerto est une œuvre de commande pour le facteur allemand Miraphone, spécialisé dans les cuivres. Philip Sparke a composé et dédié cette pièce Markus Theinert, un ami de longue date, qui en a assuré la création le 30 avril 2006 Sigmaringen en Allemagne accompagné par le Brass Band Oberschwaben-Allgäu.L’idée d’un concerto pour tuba a été longuement discutée entre le soliste et le compositeur dont le souci était de créer un véritable concerto développant un matériau parfaitement adapté au rôle solistique de l’instrument, sans tomber dans la caricature. Ainsi, la partie soliste couvre trois octaves et demie et exploite pleinement les qualitéstechniques et expressives de l’instrument.Tuba Concerto est une composition en deux mouvements joints qui peuvent également être joués séparément. Le premier mouvement débute lentement puis s’accélère progressivement. La cadence annonce la réexposition du matériel thématique initial. Le second mouvement, écrit en forme de scherzo, semble plus résolu mais chemine vers plus de légèreté. La reprise du matériel thématique initial offre une conclusion efficace et puissante.Ce concerto est également disponible dans une version pour Tuba solo et Brass Band (AMP 173-030) et Tuba solo et Piano (AMP 187-401).
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This bittersweet song from 1967 is a real classic, partly due to the rendition by two queens of soul, Dionne Warwick and later also Aretha Franklin. The theme was very topical at the time: A woman is concerned about her husband fighting in the Vietnam War, and thinks about him during her day-to-day worries. Top arranger Peter Kleine Schaars created a tasteful and carefully orchestrated version. His arrangement stays true to the original colour and feel of the song, and, as a grade 3 piece, is still perfectly playable for most bands.Deze bitterzoete song uit 1967 is een echte klassieker, mede doordat het door twee soulkoninginnen, Dionne Warwick en later ook Aretha Franklin, werd vertolkt. De thematiek was destijds erg actueel: een vrouw maakt zich tijdens haar dagelijkse beslommeringen zorgen om haar man, die in de Vietnamoorlog vecht. Toparrangeur Peter Kleine Schaars maakte er een smaakvolle en zorgvuldig georkestreerde versie van. Zijn arrangement blijft trouw aan de originele kleur en feel van de song, en is in graad 3 toch voor de meeste harmonieorkesten probleemloos speelbaar.Dieses bittersüße Lied aus dem Jahr 1967 ist ein echter Klassiker, was teilweise auf die Interpretationen der beiden Queens of Soul“ Dionne Warwick und später auch Aretha Franklin zurückzuführen ist. Das Thema war zu der damaligen Zeit sehr aktuell: Eine Frau macht sich Sorgen um ihren Mann, der im Vietnamkrieg kämpft und denkt während ihrer Alltagssorgen an ihn. Top-Arrangeur Peter Kleine Schaars schuf eine stilvolle und sorgfältig orchestrierte Version. Sein Arrangement im Schwierigkeitsgrad 3 hat die ursprüngliche Klangfarbe und Stimmung des Liedes beibehalten und ist für die meisten Blasorchester gut spielbar.Cette chanson sentimentale de 1967 est un grand classique, en partie gr ce son interprétation par deux reines de la soul, Dionne Warwick et Aretha Franklin. l’époque, son thème était d’actualité : une femme s’inquiète pour son mari parti faire la guerre au Vietnam et pense lui pendant ses t ches quotidiennes. Le grand arrangeur Peter Kleine Schaars a élaboré une version raffinée et habilement orchestrée de cette chanson. Son arrangement reproduit fidèlement les couleurs et le ressenti d’origine et, en tant que pièce de niveau 3, est parfaitement accessible la plupart des orchestres.
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In 1942 Glenn Miller voluntarily joined the army and founded the Glenn Miller Army Air Force Band and with his music he kept up the morale of the troops. In December 1944 he boarded an aircraft in England that would never reach its destination (France) - the plane was never found. The patriotic legend of this great composer however lives on in his music. Pennsylvania 6-5000 was one of the greatest successes of his famous band and is as popular today as it was in the 1940s.In 1942 meldde Glenn Miller zich aan voor het Amerikaanse leger en richtte hij de Glenn Miller Army Air Force Band op. Met zijn muziek hield hij de moraal van de troepen hoog. In december 1944 ging hij in Engeland aan boord van eenvliegtuig dat zijn bestemming (Frankrijk) niet zou bereiken - het toestel werd nooit gevonden. De patriottische legende van zijn persoon leeft echter voort in zijn muziek. Pennsylvania 6-5000 is nog altijd een van de grootstesuccessen van zijn vermaarde orkest.Das Thema des bekannten Swing-Standards Pennsylvania 6-5000 entstand im Jahr 1940 während eines dreimonatigen Engagements des Glenn-Miller-Orchesters im New Yorker Hotel Pennsylvania. Bei diesem Thema handelte es sich um nichts anderes als die Vertonung der Telefonnummer des Hotels. Kurz nach dem Aufenthalt im Hotel wurde die Aufnahme des Stückes gemacht, das sich bis heute als absoluter Dauerbrenner erwiesen hat. Masato Myokoin arrangierte die flotte Swingnummer für Blasorchester.En 1942, Glenn Miller se met au service des forces armées américaines et fonde le Glenn Miller Army Air Force Band. Il part pour l’Europe pour apporter un soutien moral aux troupes. Deux ans plus tard, il disparaît mystérieusement en Manche. Il reste pour le public une véritable légende et ses airs les plus célèbres sont dans toutes les mémoires. Pennsylvania 6-5000 reste l’un des plus grands succès de cet orchestre mythique. Nel 1942, Glenn Miller si mette al servizio delle forze armate americane e fonda la Glenn Miller Air Force Band. Parte per l’Europa per sostenere moralmente le truppe e, due anni dopo, scompare misteriosamente nel Canale della Manica. Glenn Miller resta una vera leggenda e le sue arie sono celebri in tutto il mondo. Pennsylvania 6-5000 è uno dei più grandi successi di questa mitica orchestra.
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The Spirit of Christmas is a medley of charming Christmas carols, all with an international character. The medley consists of the following five carols: Away in a Manger - The First Noel - It Came Upon the Midnight Clear - O Come, All YeFaithful and Hark! The Herald Angels Sing. A four-part choir part in English has been added which can be used ad lib. or you can also opt for singing the melody line only, for example with a soloist and/or the congregation. The arrangementis not too high pitched so that the work can also be used in combination with a children's or High School choir.The Spirit of Christmas is een medley bestaande uit Away in a Manger - The First Noel - It Came Upon the Midnight Clear - O Come, All Ye Faithful en Hark! The Herald Angels Sing. Er is ook een optionele 4-stemmige koorpartijbeschikbaar, maar ook als u enkel eenstemmig de melodie wil zingen, kan dit perfect. De moeilijkheidsgraad en omvang laat toe deze prachtige medley met een schoolkoor of kinderkoor te brengen.The Spirit of Christmas versammelt fünf wundervolle Weihnachtslieder aus der ganzen Welt. Dieses Arrangement von Jacob de Haan kann mit einem gemischten Chor oder einem Kinderchor aufgeführt werden. Der Gesang kann aber auch von einem Solistenoder einer kleinen Gruppe Sänger übernommen werden.
Das Chorstimmenset (25 Expl. SATB) ist unter der Bestellnummer DHP 1033482-050 separat erhältlich.The Spirit of Christmas est un medley de cinq merveilleux chants de Noël, célébres dans le monde entier. Vous retrouverez Away in a Manger, The First Noel (Aujourd'hui, le Roi des Cieux), It Came Upon A Midnight Clear, O Come,All Ye Faithful (Adeste Fideles) et Hark! The Herald Angels Sing (Écoutez, le chant des Anges). Cet arrangement peut être interprété avec un Chœur mixte quatre voix (ad lib.), mais il est également possible de fairechanter la ligne mélodique seule par un soliste (avec micro) et/ou par l'assistance. Dans la mesure où l'arrangement n'évolue pas dans des registres aigus inaccessibles, il peut aussi être accompagné par un Chœurd'enfants. Les parties pour Chœur sont disponibles en anglais (Réf. : DHP 1033482-050).
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Hector Berlioz (1803-1869) schreef de ouverture Le Corsaire (De zeerover) in Nice, in het jaar 1844. De eerste uitvoering vond plaats onder de titel La tour de Nice (De toren van Nice). Pas later kreeg het werk de naamLe Corsaire, waarschijnlijk naar een gedicht van Lord Byron, voor wie Berlioz veel bewondering had. De originaliteit van deze ouverture wordt alom geprezen. De muziek is van een energieke levendigheid die aanstekelijk werkt.Niet voor niets is Le Corsaire nog altijd een van de populairste orkestwerken van Berlioz.Hector Berlioz schrieb diese Ouvertüre mit dem ursprünglichen Titel La Tour de Nice (Der Turm von Nizza) im Jahre 1844 in selbiger Stadt und benannte sie erst später um, vermutlich nach einem Gedicht von Lord Byron, den er sehr verehrte. Die Ouvertüre wurde von Anfang an für ihre Originalität und Lebendigkeit gelobt. So ist es kein Wunder, dass Le Corsaire, das hier in einer Transkription des Tohru Takahashi vorliegt, auch heute noch zu den beliebtesten Werken von Berlioz gehört.Berlioz ne révèle aucun talent musical particulier dans son enfance ; ses parents ne sont pas musiciens. Vers l’ ge de treize ans, il apprend jouer de la fl te bec et de la guitare et prend des cours de chant. En 1821, il s’installe Paris et marche sur les pas de son père en suivant un temps les cours de la Faculté de Médecine. Mais au bout d’un an, et au grand désespoir de ses parents, il abandonne ses études et entre au Conservatoire de Paris. Sa passion pour l’actrice irlandaise Harriet Smithson, qu’il épousera quelques années plus tard (un mariage malheureux), a largement influencé sa vie et sa musique. Lorsqu’il remporte le Prix de Rome en 1830, Berlioz avait déj composé quelques œuvres majeures dont la Symphonie Fantastique. Berlioz devient la figure essentielle du romantisme français. Ses œuvres sont dominées par ses idées novatrices.La première version de l’ouverture Le Corsaire remonte un séjour que Berlioz fit Nice en 1844. L’œuvre fut donnée en création sous le titre La Tour de Nice. Par la suite, Berlioz remania sa composition et lui donnera son titre définitif Le Corsaire. La référence au roman poétique de Lord Byron qui le compositeur vouait une grande admiration, reste une supposition qui ne fait pas l’unanimité.Cette ouverture fut particulièrement saluée pour son originalité. La musique déborde d’énergie et les effets sont fantastiques. Il n’est donc pas surprenant de constater que Le Corsaire est une des œuvres orchestrales les plus connues et les plus jouées de Berlioz.
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Die Liedkomponisten Bob Crewe und Bob Gaudio waren ein äußerst erfolgreiches Duo. In den 60er- und 70er-Jahren des vergangenen Jahrhunderts schrieben sie zahlreiche Hits für Frankie Valli & The Four Seasons, darunter auch Can't Take My Eyes Off You aus dem Jahr 1967. Die Liste der bekannten Künstler, die das unwiderstehliche, flotte Lied in ihr Repertoire aufnahmen, ist lang: The Lettermen, Andy Williams, Diana Ross & The Supremes, Gloria Gaynor, The Boystown Gang, The Pet Shop Boys und viele mehr. Can't Take My Eyes Off You kann zweifellos zu den Klassikern der Popmusik gerechnet werden. Lorenzo Bocci schrieb diese spannende Bearbeitung für Blasorchester.Les auteurs-compositeurs Bob Crewe et Bob Gaudio ont formé un tandem couronné de succès. Dans les années 60 et 70, ils signent de nombreux tubes pour Frankie Valli & The Four Seasons dont l’immense standard de l’année 1967, Can’t Take My Eyes Off You. Par la suite, une pléiade d’artistes célèbres reprend cette chanson charmante au rythme enlevé. Ainsi, The Lettermen, Andy Williams, Diana Ross & The Supremes, Gloria Gaynor, The Boystown Gang ou The Pet Shop Boys, entre autres (liste non exhaustive), ont inscrit ce classique de la musique pop leur répertoire.
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This opening piece by Japanese composer Satoshi Yagisawa expresses joy, gratitude, hope and courage. The three sections are performed without interruption. We hear ‘Joy’ in the brilliant introduction, ‘Gratitude’ in the chorale-like middle section and ‘Courage and Hope’ in the closing section. A fantastic new addition to the Grade 4 repertoire for Concert Band. Für das symphonische Blasorchester einer japanischen Schule schrieb Satoshi Yagisawa ein erfrischendes Eröffnungswerk, das Freude und Dankbarkeit und zugleich Mut und Hoff nung ausdrücken sollte. Das Ergebnis ist ein Werk aus drei ohne Unterbrechung zu spielenden Teilen: Auf eine brillante Eröffnung namens Joy folgt ein choralartiger Mittelteil, der mit Gratitude überschrieben ist. Der Schlussteil heißt Courage and Hope. Im Mittelteil wurde das Schullied in einem Choral im typischen Stil Yagisawas verarbeitet.Voyage est une pièce en trois parties qui s’enchaînent sans interruption : une ouverture brillante et joyeuse (Joy), un passage central qui expose une mélodie sous la forme d’un choral (Gratitude), et un fi nale optimiste qui décline le courage et l’espoir (Courage and Hope). Voyage porte les prémisses d’un avenir prometteur. Voyage; un brano in tre parti che s’intrecciano senza interruzione: un’ouverture brillante gioiosa (Joy), un passaggio centrale che espone una melodia sotto forma di un corale (Gratitude) e in finale impregnato di ottimismo che rappresenta il coraggio e la speranza (Courage and Hope).
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The well-known 16th Century canon by Thomas Tallis is as effective as it is simple. This arrangement includes four verses of the melody: the first in the form of canon; the second for brass; the third for woodwind and the fourth for the entire orchestra. Philip Sparke’s arrangement is also well suited for incomplete brass ensembles. Eenvoudig, maar met een bijzondere uitwerking. Dat is deze bekende canon van Thomas Tallis uit de zestiende eeuw. Deze bewerking geeft vier strofen van het lied: de eerste in de vorm van een canon, de tweede voor de koperblazers, de derde voor de houtblazers en de vierde voor het gehele orkest. Ook wanneer u met een onvolledige bezetting moet werken, is dit arrangement van Philip Sparke goed speelbaar. Der bekannte Canon von Thomas Tallis aus dem 16. Jahrhundert ist ein ebenso einfaches wie wirkungsvolles Stück. Diese Bearbeitung präsentiert vier Strophen des Liedes: die erste in Kanonform, die zweite für die Blechbläser, die dritte für dieHolzbläser und die vierte für das gesamte Orchester. Philip Sparkes Arrangement ist auch für unvollständig besetzte Blasorchester gut spielbar. Cet arrangement pour orchestre d’harmonie du célèbre Canon de Thomas Tallis - qui met en musique le psaume 67, God Grant we Grace - comprend quatre couplets de ce cantique. Le premier est en forme de canon, le deuxième est interprété par les cuivres, le troisième par les bois et le dernier est repris par l’orchestre entier. Le somptueux arrangement réalisé par Philip Sparke conviendra toutes les formations, même restreintes. Questo arrangiamento per banda del celebre Canone del XVI secolo di Thomas Tallis che mette in musica il Salmo 67, God Grant we Grace, presenta quattro strofe estratte da questo cantico. La prima è proposta sotto forma di canone, la seconda affi data agli ottoni, la terza ai legni, e l’ultima è ripresa dall’intero organico. Il sontuoso arrangiamento di Philip Sparke si presta in modo ottimale a essere eseguito da ogni tipo di organico, anche ridotto.
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Offenbach (1819 - 1880), who was born in Germany, moved to Paris when he was a teenage boy and remained there for much of his life. He became especially famous as a composer of numerous operettas. and of one famous opera: Les Contes d’Hoffmann (The Tales of Hoffmann). His operettas (or ‘musiquettes’) were often based on comical, or satirical librettos. He makes fun of Parisian daily life, dignitaries, the military, the pretentiousness of the Grand Opéra, and so on. In that respect, Offenbach’s operettas are not really comparable with those of his German-speaking contemporaries, for example, Franz Lehár and Johann Strauss the Younger. Musically speaking, we could callOffenbach’s operettas lively, funny, melodious and catchy.For La Belle Hélène, Offenbach drew from Greek mythology. The story is based on that of Helen of Troy, but is set in France, halfway through the 19th century; it has been turned into a satire on the élite of that time.The overture to La Belle Hélène was (and still is) very successful. Offenbach combined a number of arias and choruses from the operetta to give a taste of what is to follow. Many overtures which follow this form lack unity and structure. However, in this case the composition has been well thought-out. Offenbach (1819-1880), Duitser van geboorte, verhuisde als jongeman naar Parijs, waar hij een groot deel van zijn leven verbleef. Hij werd vooral beroemd als componist van talrijke operettes en een beroemde opera: Les Contes d’Hoffmann. Zijn operettes (of ‘musiquettes’) zijn qua libretto vaak komisch en hilarisch, ja zelfs satirisch. Hij steekt hierin de draak met het Parijse mondaine leven, met hoogwaardigheidsbekleders, met militairen, met de bombast van de Grand Opéra, enzovoort. In dat opzicht zijn Offenbachs operettes nauwelijks te vergelijken met die in Duitsland van bijvoorbeeld Franz Lehár en Johann Strauss jr. Muzikaal gezien kunnen we zijn operettes levendig,geestig, melodieus en goed in het gehoor liggend noemen.Voor La Belle Hélène putte Offenbach uit de Griekse mythologie. Het verhaal draait om Helena van Troje, maar is verplaatst naar Frankrijk, halverwege de negentiende eeuw; het is uitgewerkt tot een satire op de heersende elite.De ouverture van La Belle Hélène was (en is nog altijd) zeer succesvol. Offenbach heeft hierin een aantal aria’s en koren uit de operette samengevoegd - een voorproefje dus op wat komen gaat. Veel ouvertures die zo zijn gemaakt, missen eenheid en structuur. In dit geval is er echter sprake van een goed doordachte opbouw. Der gebürtige Deutsche Jacques Offenbach (1819-1880) zog im Jugendalter nach Paris, wo er den größten Teil seines Lebens verbrachte. Bekannt wurde er vor allem als Komponist zahlreicher Operetten und einer berühmten Oper: Les Contes d’Hoffmann (Hoffmanns Erzählungen). Seine Operetten (oder Musiquettes“) basierte er häufig auf komischen oder gar satirischen Libretti. Darin wird das mondäne Pariser Leben karikiert mit seinen Würdenträgern, Militärs, dem Pomp der Grand Opéra und dergleichen mehr. In dieser Hinsicht sind Offenbachs Operetten vergleichbar mit den deutschen Werken eines Franz Lehár oder Johann Strauss (Sohn). Musikalisch betrachtet können Offenbachs Operetten alslebendig, amüsant, melodiös und eingängig beschrieben werden. Für La Belle Hélène bediente sich Offenbach der griechischen Mythologie. Die Handlung beruht auf Helena von Troja, wurde aber ins Frankreich der Mitte des 19. Jahrhunderts versetzt und in eine Satire auf die damals herrschende Elite verwandelt.Die Ouvertüre von La Belle Hélène war und ist sehr erfolgreich. Offenbach kombinierte darin eine Reihe von Arien und Chorstellen aus der Operette und lieferte so quasi einen Vorgeschmack auf das Folgende. Vielen auf diese Weise entstandene Ouvertüren mangelt es an Einheitlichkeit und Struktur. Diese Ouvertüre zeugt jedoch von einem gut durchdachten Aufbau. Jacques Offenbach est né en Allemagne en 1819. Sa famille s’installe Paris alors qu’il est encore adolescent et c’est l qu’il passe la plus grande partie de sa vie. Il devient particulièrement célèbre pour la composition de nombreuses opérettes et d’un opéra légendaire, Les Contes d’Hoffmann. Ses opéras-bouffes (ou « musiquettes ») s’inspirent souvent de livrets comiques ou satiriques. Il parodie la vie quotidienne Paris, se moque des dignitaires, de l’armée, de la prétention du grand opéra, et ainsi de suite. cet égard, les œuvres d’Offenbach ne sont pas vraiment comparables aux opérettes de ses contemporains germanophones tels que Franz Lehár ou encoreJohann Strauss le jeune. Musicalement parlant, on peut dire que les opéras-bouffes d’Offenbach sont entraînants, spirituels, mélodieux et mémorables.Jacques Offenbach s’est inspiré de la mythologie pour composer La Belle Hélène, dont le livret brosse l’histoire d’Hélène de Troie. Mais parodiant l’une des légendes grecques des plus illustres, cette opérette se veut être une satire sur l’élite de l’époque.L’ouverture de La Belle Hélène a toujours été très populaire. Offenbach y glisse plusieurs arias et chœurs repris ensuite dans l’un ou l’autre acte de l’opérette, afin d’en offrir un avant-go t l’auditoire. De nombreux compositeurs écrivirent par la suite des ouvertures de canevas identique. Bien qu’un grand nombre d’entre elles manquent d’unité et de structure, l’ouverture de La Belle Hélène en est une exception notoire.
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Solemnity was composed when the composer came back from his first Midwest Clinic in Chicago. Inspired by all the concert bands performing there, and all the fellow composers met at this occasion, he decided to write a kind of fanfare work, leading to a fast theme on a driving rhythm.The piece begins like a fanfare with a solemn character which gives the title of the work, the brass here have a nice part to play. Then, a new theme full of energy, using the same rhythmic motive as the fanfare theme, is exposed by the high woodwinds and finally by more instruments. The central part is a slow one, where a melancolic theme is exposed by the oboe, and finally the rest of the band. After a fugato section, the energic theme is back to lead to a brilliant coda.Solemnity werd gecomponeerd toen de componist terugkwam van zijn eerste Midwest Clinic in Chicago. Geïnspireerd door alle concertbands die daar optraden en alle collega-componisten die hij bij deze gelegenheid ontmoette, besloot hij een soort fanfarewerk te schrijven, leidend naar een snel thema op een stuwend ritme.Het stuk begint als een fanfare met een plechtig karakter dat de titel van het werk geeft, de koperblazers hebben hier een mooie rol te spelen. Dan volgt een nieuw thema vol energie, gebruikmakend van hetzelfde ritmische motief als het thema van de fanfare, belicht door de hoge houtblazers en tenslotte door meer instrumenten. Het centrale deel is langzaam, waar een melancholisch thema wordt belicht door de hobo en uiteindelijk de rest van de band. Na een fugatogedeelte is het energieke thema terug om te leiden naar een briljante coda.Solemnity a été composée lorsque le compositeur est revenu de sa première Midwest Clinic à Chicago. Inspiré par tous les orchestres de concert qui s'y produisaient et par tous les collègues compositeurs rencontrés à cette occasion, il a décidé d'écrire une sorte de fanfare, conduisant à un thème rapide sur un rythme entraînant.La pièce commence comme une fanfare avec un caractère solennel qui donne le titre de l'œuvre, les cuivres ont ici un beau rôle à jouer. Ensuite, un nouveau thème plein d'énergie, utilisant le même motif rythmique que le thème de la fanfare, est exposé par les bois aigus et finalement par d'autres instruments. La partie centrale est une partie lente, où un thème mélancolique est exposé par le hautbois, puis par le reste de l'orchestre. Après une section fugato, le thème énergique est de retour pour mener à une brillante coda.Solemnity wurde komponiert, als der Komponist von seiner ersten Midwest Clinic in Chicago zurückkam. Inspiriert von all den Konzertkapellen, die dort auftraten, und all den Komponistenkollegen, die er bei dieser Gelegenheit traf, beschloss er, eine Art Fanfare zu schreiben, die zu einem schnellen Thema auf einem treibenden Rhythmus führt.Das Stück beginnt wie eine Fanfare mit einem feierlichen Charakter, der dem Werk seinen Titel gibt; die Blechbläser haben hier einen schönen Part zu spielen. Dann folgt ein neues, energiegeladenes Thema, das dasselbe rhythmische Motiv wie das Fanfarenmotiv verwendet und von den hohen Holzbläsern und schließlich von weiteren Instrumenten vorgetragen wird. Der Mittelteil ist ein langsamer Teil, in dem ein melancholisches Thema von der Oboe und schließlich vom Rest des Orchesters vorgetragen wird. Nach einem Fugato-Abschnitt kehrt das energische Thema zurück und führt zu einer brillanten Coda.
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Dr Jekyll researches the evil in man and succeeds in creating a potion that transforms him into his alter ego, Hyde. However, Jekyll loses control and fights an inner battle with Hyde. He loses this battle when Hyde commits murder. Understanding that there is only one way to resolve this, Jekyll kills himself and thus Hyde. In this solo concert the main characters Jekyll and Hyde are played by two solo trumpeters. The different sides of the trumpet are highlighted in this story: from the lyrical passages (Jekyll) to the sharp, mean and dark passages (Hyde). A challenging adventure for orchestra and soloists.This is rental music. Please contact us at office@molenaar.comDr. Jekyll onderzoekt het kwaad in de mens en slaagt erin een drankje te maken dat hem verandert in zijn alter ego, Hyde. Jekyll verliest echter de controle en voert een innerlijke strijd met Hyde. Hij verliest deze strijd wanneer Hyde een moord pleegt. In het besef dat er maar één manier is om dit op te lossen, doodt Jekyll zichzelf en daarmee Hyde. In dit soloconcert worden de hoofdpersonen Jekyll en Hyde gespeeld door twee solotrompettisten. De verschillende kanten van de trompet worden in dit verhaal belicht: van de lyrische passages (Jekyll) tot de scherpe, gemene en donkere passages (Hyde). Een uitdagend avontuur voor orkest en solisten.Dit is huurmuziek. Neem contact met ons op via office@molenaar.comLe Dr Jekyll recherche le mal dans l'homme et réussit à créer une potion qui le transforme en son alter ego, Hyde. Cependant, Jekyll perd le contrôle et mène une bataille intérieure avec Hyde. Il perd cette bataille lorsque Hyde commet un meurtre. Comprenant qu'il n'y a qu'une seule façon de résoudre ce problème, Jekyll se tue et tue ainsi Hyde. Dans ce concert solo, les personnages principaux Jekyll et Hyde sont interprétés par deux trompettistes solistes. Les différentes facettes de la trompette sont mises en évidence dans cette histoire : des passages lyriques (Jekyll) aux passages aigus, méchants et sombres (Hyde). Une aventure stimulante pour l'orchestre et les solistes.Il s'agit de musique de location. Veuillez nous contacter à l'adresse suivante : office@molenaar.comDr. Jekyll erforscht das Böse im Menschen und schafft es, einen Trank herzustellen, der ihn in sein Alter Ego Hyde verwandelt. Doch Jekyll verliert die Kontrolle und kämpft einen inneren Kampf mit Hyde. Er verliert diesen Kampf, als Hyde einen Mord begeht. Jekyll erkennt, dass es nur einen Weg gibt, um das Problem zu lösen, und tötet sich selbst und damit auch Hyde. In diesem Solokonzert werden die Hauptfiguren Jekyll und Hyde von zwei Solotrompetern gespielt. Die verschiedenen Seiten der Trompete werden in dieser Geschichte hervorgehoben: von den lyrischen Passagen (Jekyll) bis zu den scharfen, gemeinen und dunklen Passagen (Hyde). Ein anspruchsvolles Abenteuer für Orchester und Solisten.Dies ist Leihmusik. Bitte kontaktieren Sie uns unter office@molenaar.com.
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The Battell was written during the late 14th Century when England was in a mood of national celebration after victory over the Spanish and French Armadas.The movement which Byrd called Marche Before The Battell became known as The Earl of Oxford?s Marchand it appears with that title in an early manuscript copy of the Fitzwilliam Virginal Book.Written while Byrd was at the height of his powers, it still stirs the soul to this day. A perfect opener for your concert performances.My Lady Nevells Book uit 1591 bevat een aantal werken van William Byrd die waarschijnlijk waren gecomponeerd in de 25 jaren daarvoor, inclusief de verhalende suite The Battell. De programmatische muziek van The Battellis zeldzaam in Byrds oeuvre, dat vooral bestaat uit vaste muzikale vormen, zoals gaillardes en pavanes. Het werk is vermoedelijk geschreven na 1588, toen Engeland in een overwinningsroes verkeerde na de zege op de Spaanseen Franse Armada’s. Het deel dat Byrd Marche Before The Battell noemde, werd bekend als The Earl of Oxford’s March, hoewel het niet geheel duidelijk is waarom. Deze muziek, die Byrd schreef in zijn hoogtijdagen, isnog altijd treffend.Der Notendruck kam spät nach England. Viele Spieler kopierten die Musik von Hand, wohlhabende Familien ließen sie sich von einem Schreiber kopieren. Solch eine frühe Ausgabe war My Lady Nevells Book, das u.a. die deskriptive Suite The Battell enthält. Der Satz, den Byrd mit Marche Before the Battel überschrieb wurde als The Earl of Oxford’s March bekannt. Das Stück, das zur Blütezeit von Byrds Schaffenskraft entstand, bewegt noch heute die Gemüter. Eine perfekte Eröffnung für Ihr Konzert.Questo brano di musica a programma è unico nella produzione di William Byrd che comprende soprattutto grounds, gagliarde e pavane. The Battell - dal quale è tratto The Earl of Oxford’s March (o Marche Before the Battle), fu composto probabilmente dopo il 1588, ai tempi in cui l’Inghilterra era particolarmente incline ai festeggiamenti nazionali dopo la vittoria sulle flotte spagnole e francesi. Questo brano, scritto quando William Bryd era all’apice della gloria, continua a commuovere.
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Sinfonia Hungarica is a three-movement symphony that depicts the history of Hungary. All three movements were inspired by historical key figures, wars, and other important events from this country. This symphony is a celebration of Hungary’s millennium in 2001.ATTILA, King of the Huns, often named “The scourge of God,†is the central figure of the first movement, mainly characterized by fear, threat, aggression, and cruelty. Attila’s brother, Buda, however, has a more heroic theme, while his beloved wife, Rika, has a lyrical melody. The exciting ending of this opening movement illustrates the dreaded speed of Attila’s troops: they pursued their victims and killed them all!Dit stuk werd gecomponeerd in opdracht van het symfonisch blaasorkest Kiskunfélegyhaza uit Hongarije en opgedragen aan dirigent Ferenc Jankovski, burgemeester Jozsef Ficsor en Gabriella Kiss. De wereldpremière vond plaats op 31 maart2001 in Budapest (Hongarije) door het eerdergenoemde orkest onder leiding van de componist.Deze driedelige symfonie beschrijft de geschiedenis van Hongarije. De drie delen zijn ge nspireerd op historische sleutelfiguren, oorlogenen andere belangrijke gebeurtenissen in dit land. De symfonie werd geschreven ter gelegenheid van de millenniumviering van Hongarije in 2001.ATTILA, koning van de Hunnen, vaak ‘de gesel Gods’ genoemd, is de centrale figuurin het eerste deel, dat voornamelijk wordt gekenmerkt door angst, dreiging, agressie en wreedheid. Attila’s broer, Buda, heeft echter een hero scher thema, terwijl zijn geliefde vrouw, Rika, een lyrische melodie heeft. Het spannendeeinde van dit openingsdeel illustreert de gevreesde snelheid van Attila’s troepen: ze achtervolgden hun slachtoffers en vermoordden ze allemaal! Het tweede deel gaat over ARPAD, de stichter van de Hongaarse staat. Hetbegint met een sfeerpassage, die het beeld oproept van zijn grootmoeder, Emese, dromend over zijn bestemming. Een van Arpad’s tegenstanders, de Bulgaarse prins Zalan, werd verdreven na een gevecht. Hierna noemde Arpad het gebiedofficieel ‘Magyarorszag’.Het laatste deel is genoemd naar ISTVAN, de koning die het christendom in Hongarije introduceerde en die werd gekroond door paus Silvester II op 1 januari 1001. Een vrij plechtige start leidt tot nogeen martiale passage, die eindigt met een aantal luide slagen. Deze symboliseren het voorval waarbij het lichaam van de heiden Koppany in vier stukken werd gesneden, die naar de vier kastelen van het land werden gezonden als schrikwekkendDie Sinfonie in drei Sätzen ist eine musikalische Schilderung der Geschichte Ungarns. Alle drei Sätze haben bedeutende historische Persönlichkeiten und Schlüsselereignisse aus der Landesgeschichte - wie etwa Kriege - zum Inhalt. Das Werk wurde zuUngarns Tausendjahrfeier im Jahr 2001 geschrieben.Attila, König der Hunnen, oftmals auch die Geißel Gottes genannt, ist die zentrale Gestalt des ersten Satzes; in seiner musikalischen Beschreibung sind Aggressivität und Grausamkeit, die vonihm ausgehende Bedrohung und ihm entgegengebrachte Furcht spürbar. Daneben erscheinen das heroischer klingende Thema von Buda, Attilas Bruder, und das lyrische von Rika, seiner zärtlich geliebten Frau. Der aufpeitschende Schluss desSatzes ist Sinnbild für die gefürchtete Schnelligkeit von Attilas Truppen, mit der sie ihre Opfer eingeholt und ohne Ausnahme getötet haben.Im Mittelpunkt des zweiten Satzes steht Arpad, der eigentliche Begründer des ungarischen Staates. Eineatmosphärisch klingende Einleitung beschwört Emese, die Großmutter Arpads, herauf, die im Traum seine Bestimmung vorhergesehen hatte. Er schlug seinen Gegner, den Prinzen Zalan von Bulgarien, im Kampf in die Flucht und gab dem Land denNamen Magyarorszag.Das Finale ist nach Istvan benannt, dem König, der in Ungarn das Christentum einführte und am ersten Januar 1001 durch Papst Sylvester II. gekrönt wurde. Ein feierlicher Anfang leitet über in einen an Kriegsgetümmelerinnernden Abschnitt, der in lärmendem Getöse endet. Es steht für das Ende des Heiden Koppany, dessen Körper gevierteilt und als abschreckendes Beispiel an die vier Burgen des Landes gesandt wurde. Ein ruhiges, beinahe religiös wirkendesZwischenspiel mündet in die ungarische Nationalhymne. Dieser prachtvolle, mit grandioso überschriebene Schluss hat auch eine symbolische Bedeutung: Nach zehn Jahrhunderten hat Ungarn guten Grund, mit Stolz zurückzublicken und der Zukunft mitZuversicht und Optimismus entgegenzusehen.Die wunderbare Melodie der Nationalhymne erscheint in der Sinfonie auch vorher schon immer wieder, wird meist aber ganz oder teilweise überdeckt. Sie durchläuft das Werk wie ein roter Faden, der anfangs kaumwahrzunehmen ist und erst im Verlauf der Sinfonie immer deutlicher wird. Am Ende krönt sie das Werk in einer letzten prachtvollen Steigerung, in der das Orchester den majestätischen Klang einer Orgel annimmt.Sinfonia Hungarica, commissionata dalla banda ungherese di Kiskunfelegyahaza, è dedicata al maestro Ferenc Jankovski, al sindaco della citt Jozsef Ficsor e a Gabriella Kiss. La prima mondiale, eseguita dalla banda Kiskunfelegyhaza si è tenutaa Budapest il 31 marzo 2001 sotto la direzione del compositore.Gli eventi salienti della storia dell’Ungheria, come le guerre ed altri avvenimenti importanti, sono tradotti in musica in questa sinfonia strutturata in tre movimenti. Sinfonia Hungaricavuole anche essere un omaggio allo stato ungherese che festeggia il suo millennio nel 2001.ATTILA, re degli Unni, spesso chiamato “il flagello di Dio“ è la figura centrale del primo movimento, caratterizzato dalla paura, dalla minaccia,dall’aggressione e dalla crudelt . Buda, fratello di Attila è associato ad un tema più eroico, mentre Rika, l’amata moglie, è rappresentata da una melodia lirica. L’eccitante finale di questo movimento di apertura illustra la tanto temuta velocit delle truppe di Attila che seminavano paura e morte.Il secondo movimento pone l’accento su ARPAD, il fondatore dello Stato ungherese. Inizia con un passaggio in stile atmosferico che evoca la nonna di Arpad, Emese che aveva sognato e predettoil futuro del nipote. Uno degli oppositori di Arpad, il principe bulgaro Zalan, fu cacciato dopo una battaglia. In seguito, Arpad chiamò ufficialmente il territorio “Magyarorszagâ€.Il movimento finale prende il nome da ISTVAN, il re che portòil cristianesimo in Ungheria e che fu incoronato da Papa Silvestro II il 1 gennaio, 1001. Un inizio solenne prelude ad un passaggio bellico accentuato da rumori imponenti; questo a simboleggiare l’atroce fine del pagano Koppany il cui corpo futagliato in quattro pezzi e inviato ai quattro castelli del paese come monito. Dopo un intermezzo quieto, quasi religioso, viene presentato l’Inno nazionale ungherese. In questo ampio e grandioso finale riecheggia l’orgoglio dell’Ungheria nelricordare il suo passato e la fiducia con la quale si proietta al futuro.Lo stupendo tema dell’Inno nazionale ungherese è proposto nell’arco dell’intera sinfonia. E’ però spesso parzialmente nascosto e usato come filo conduttore, appena riconoscibileall’inizio ma sempre più ovvio quando la sinfonia si avvicina al suo finale. A conclusione della sinfonia, il sublime inno conduce la banda in un’apoteosi finale, facendo apparire l’organico strumentale come un maestoso organo.
