Par DUFOURT HUGUES. Contrairement à l'esprit des recherches récentes pour lesquelles la formation orchestrale ne représente qu'un support destiné à amplifier des habitudes d'expression originellement conçues pour l'orchestre de chambre ou un medium occasionnel auquel on transpose des innovations venues pour la plupart de l'électroacoustique, j'ai pour dessein de reprendre et de renouveler le système de l'orchestre. Celui-ci ne se réduit pas pour moi à la neutralité d'une source sonore indifféremment disponible à une diversité de constructions abstraites ou d'esthétiques préconçues. Pour obtenir le plein rendement de l'orchestre, il faut d'abord renoncer au primat trop longtemps maintenu d'une écriture impropre : contrepoint instrumenté, jeux coloristes ou axiomatique appliquée. A cet égard, l'orchestre me paraît aujourd'hui encore un instrument sous-exploité et en retard sur ses possibilités. Son vrai régime, me semble-t-il, s'inscrit dans une tradition d'énergie qu'on ne peut retrouver qu'en la radicalisant. Toute l'expérience accumulée depuis plus de deux siècles et laissée à l'usage doit être explicitée, assumée, formulée et traduire dans un ordre spécifique de contraintes, qui nous donnera de nouvelles prises sur le phénomène sonore. Ecrire pour l'orchestre, c'est faire prévaloir le point de vue de la dynamique, de la totalité et de la synthèse. La virtuosité collective dépend d'une virtuosité d'écriture qui doit être mobilisatrice. J'ai veillé à réduire les facteurs d'inertie en jouant sur les constantes interactions du dispositif instrumental. J'ai recherché une grammaire adaptée à ce matériau explosif, instable ou évoluttif. Aucun des principes d'écritures issus du traitement des hauteurs ne résiste à la lave orchestrale. Mieux vaut renoncer à toutes nos catégories usuelles et prendre le parti d'une formalisation sans catégories, plus conforme à la mobiIité des enjeux et des hiérarchies. Le titre désigne une certaine idée du temps que j'ai voulu traduire à l'orchestre : temps d'imminence, d'angoisse et de fragmentation, temps d'une genèse qui sera aussi conflagration, temps du ravage et de la libération, un temps sans pessimisme qui, par-delà le paradoxe et le paroxysme, affirme sa maîtrise et retrouve ses moyens. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par ROBIN YANN. [...] La dernière oeuvre proposée pour ce voyage surprise fait partie d'un cycle disposant le quatuor à cordes dans diverses configurations. Dans Shadows II, le Quatuor Tana se confronte à Alain Billard, clarinettiste de l'ensemble intercontemporain. Pour cette création, les musiciens semblent, dans leur manière d'explorer systématiquement des sonorités inouïes, renoncer à toutes les proscriptions techniques du conservatoire : les cordes sont écrasées, l'archet est frotté verticalement sur la touche. Marquée par un travail permanent sur le timbre, l'œuvre alterne passages bruités à la clarinette et nappes de cordes dans le suraigu. Le quatuor initie des transitions abruptes qui, du fait de leur violence, deviennent facteur de tension. Après une lutte acharnée, les instruments à cordes finissent par prendre le dessus. Sons sifflés, glissandi rapides et percussions sur la caisse des instruments règnent alors en maîtres. Entre jeux de regards et respirations franches, on retiendra particulièrement la qualité de la communication non verbale établie entre les musiciens, commune à tous les concerts. Un programme des plus riches, magnifié par des interprètes de haut vol. Manon Decroix (27 mars 2019) bachtrack.com / Date parution : 2020-08-21/ Répertoire / Clarinette Basse et Quatuor à Cordes

Il est absolument sans raison que Stephen Heller vit dans l'ombre, tant en termes de vie de concert et des leçons de piano - même si le pianiste, né à Budapest en 1813 et mort à Paris en 1888, parmi les grands virtuoses de son temps et savait Chopin, Liszt et Berlioz. Nos éditions nouvellement gravées des deux ballades en si mineur et ré mineur vous invitent à une rencontre avec le travail par cette romantique dont le 200e anniversaire sera célébré par le monde musical en 2013. Les deux ballades d'un mouvement ne conviennent pas pour les concerts et les leçons de musique, démontrant sa capacité comme un maître de la forme de petit. / Piano

Une superbe collection de piano solo célébré par les compositeurs espagnols./ Recueil / Piano

Les avantages de la musique de Bach est qu'il est universel et dans une certaine mesure indépendante des instruments pour lesquels il a été composé. Sa musique est structurée de telle manière brillante et claire que ça sonne bien sur n'importe quel instrument. Ces compositions de Johann Sebastian Bach certainement quelques-unes de ses oeuvres les plus connues et très populaire. Par conséquent, outre les guitaristes apprécieront certainement de pouvoir jouer cette musique magnifique sur leur instrument. Toutes les pièces sont faciles à jouer de la guitare et un atout précieux pour le répertoire de l'enseignement et de concert. / Guitare

Discipline / Instrument : voix, ensemble et électronique Nomenclature : S / Hc / T / B / fl / hb / cl / hp / clav / perc / vlc / electr. Durée : 17' Genre : Contemporain Média : Partition Editeur : Lemoine Date de parution : 17/05/2010 Librettiste : Poèmes de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) Commanditaire : Ircam-Centre Pompidou et Ars Musica Création : 07/06/2010 - Paris, Festival Agora, Centre Pompidou - Ensemble vocal Exaudi, l'Instant Donné, Daniel Lévy (mise en espace), Sébastien Roux (Réalisation informatique musicale, Ircam) ISBN / ISMN : 9790230988889 Notice Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les ciels acoustiques, l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce pays-cantate qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à la question de Dieu et au décor planté dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un décor sonore) est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. God's Grandeur Cette cantate, d'après quatre poèmes de Gerard Manley Hopkins, forme un moment suspendu, découpé selon des unités poétiques auxquelles correspondent ce que j'ai appelé des ciels acoustiques, sortes de monochromes électroniques, cyclos sonores minimaux sur lesquels les voix et les instruments se posent : basse fréquence, ou hyper aiguë, impression sonore de ciel étoilé, bruit de vaporetto au loin, etc. Le son peut sembler parfois comme un léger parasite qui entame l'écoute. Un petit clavier de verre dialogue avec des échantillonnages d'orgue véritable. C'est la plus hiératique, la plus chantée et récitative, la plus sombre aussi des trois cantates. Gérard Pesson

Nomenclature : 4(+picc).2.2ca.3.clB.4(+2Cbn) / 6.4.4.1 / 2hp / 3perc.2timb. / 16.14.12.10.8 Notice Il s'agit d'une oeuvre particulièrement représentative du genre de peinture qui a pris son essor pendant le Xe et Xie siècles sous le règne de la dynastie des Song du Nord (960-1127) et qui place la peinture chinoise sous le signe de l'unité retrouvée. Le style nordiste, inauguré par Ching Hao et Kuan T'ung se trouve porté à son point de tension extrême par Fan K'uan (fl. 990-1020) dont le Voyage par-delà les fleuves et les monts figure et résume la peinture des grands maîtres classiques de cette époque. L'art du trait calligraphique s'applique au traitement des parois et des surfaces, tout comme les rides en goutte d'eau servent à renforcer les effets de hauteur. Il existe, dans cette toile, une certaine contradiction entre l'éloignement des choses et le caractère abrupt d'un mur primordial qui s'impose avec une évidence absolue. On voit une imposante falaise rocheuse s'arracher d'un abîme et s'élancer jusqu'au ciel, comme un surgissement de l'inaccessible, surplombant un paysage escarpé que vient encore aiguiser le relief âpre et tourmenté de la végétation du premier plan. A la verticale, une broussaille de forêts lointaines semble agrippée aux sommets. Sur la droite, la chute vertigineuse d'une cascade tombant des hauteurs se déroule comme un ruban de soie. En avant-plan, un groupe de rochers laisse entr'apercevoir, plus bas, une caravane de mules dont le trait presqu'imperceptible laisse pressentir l'insignifiance de l'être humain face à l'immensité de la nature. On notera aussi le style sévère et dépouillé de ce paysage majestueux, son allure austère et solennelle qui souligne le caractère sacré des montagnes - la demeure des dieux - dans la peinture monumentale de paysage des Song du Nord. L'altitude est le véritable personnage de cette oeuvre célèbre, une peinture sur soie, d'encre et de couleurs légères, qui est conservée au Musée national du Palais de Taipei, à Taïwan. J'ai cherché à rendre ce sentiment plénier de la nature au grand orchestre, en sorte que l'articulation du souffle ne soit jamais interrompue par des notations accidentelles ou des velléités de développement. La pièce se déroule d'un seul tenant, comme une trame élémentaire, à l'image d'une continuité où toute interruption est arbitraire. Elle est parcourue d'un seul rythme enveloppant des tensions opposées - ascension et suspens, émergence et pesanteur. Une association instrumentale y domine, celle du pupitre des clarinettes allié à celui des trombones, avec des modes de jeu qui projettent les trombones dans l'extrême grave et diffractent le son de la clarinette en un tremblement de multiphoniques. Deux compositeurs, Ivàn Solano, clarinettiste, et Dominique Delahoche, tromboniste, ont bien voulu me guider dans cet inventaire des nouvelles ressources instrumentales. Il est difficile de parler de la forme de l'oeuvre, puisqu'il s'agit d'une transformation incessante, constitutive, à l'instar d'une forme-flux sans cesse renaissante et tendue vers un perpétuel effort d'intégration et de condensation. La forme n'est plus qu'une puissance obscure et négative qui se confond avec le rythme de la couleur ou de la masse. Une toile de fond d'harmonie-timbre, constamment dressée, suggère l'étendue et la profondeur, et figure, si l'on veut, une sorte de fond spatial qui serait l'espace même du paysage. Les seuls événements qui scandent le processus sont des coulées de forces qui excèdent toute limite définie et suggèrent des régimes dynamiques variés. Ce Voyage par-delà les fleuves et les monts, d'après Fan K'uan, est l'objet d'une commande conjointe de l'Orchestre Philarmonique de Nice et du CIRM. Hugues Dufourt Enregistrement : 1 CD Timpani (1C1195) Hugues Dufourt : Lucifer d'après Pollock - Voyage par-delà les fleuves et les monts Orchestre Philharmonique du Luxembourg Pierre-André Valade (direction)

Discipline / Instrument : Ensemble (17 musiciens) Nomenclature : 1(picc+flA).1(ca).2(en sib+clB).1 / 1.1(en ut).1.1 / 2perc / hp / 2vl / vla / vlc / cb Durée : 23' Création : 16/06/2010 - Berlin (Allemagne), Philharmonie - Orchestre de l'Académie Karajan, Bruno Mantovani (direction) Notice Entre 2006 et 2009, je me suis consacré principalement à l'écriture orchestrale (Time Stretch, Finale, Concerto pour deux altos) et à la notion de narration (plusieurs oeuvres chorales, mon opéra l'Autre côté d'après Alfred Kubin, mon ballet Siddharta). Quand la philharmonie de Berlin m'a proposé de composer une pièce pour un effectif d'une quinzaine de musiciens sans argument dramaturgique précis, j'ai immédiatement saisi l'occasion de revenir à une forme plus spéculative, présumant qu'il y avait là l'occasion de faire évoluer mon langage, de tenter de nouvelles expériences. J'ai composé ce Concerto de chambre n°1 alors que j'avais interrompu le travail sur mon second opéra (dont le livret s'inspire de la vie de la poétesse Anna Akhmatova), et j'ai ressenti l'absence d'un livret (ce que je n'avais pas connu depuis plus de deux ans) comme un obstacle infranchissable. Véritablement bloqué devant les pages blanches, j'ai alors réalisé que même dans le domaine de la musique pure, j'avais besoin de considérer l'oeuvre comme un parcours très logique, comme une évolution de personnages musicaux (selon la terminologie de Messiaen), identifiables et caractérisés, qui pouvaient marquer l'écoute par leur luxuriance, mais aussi par leur simplicité (ce qui est plutôt rare chez moi). Quelques motifs très basiques ont émergé lors des nombreuses esquisses préparatoires : une gamme fusée, et un accord se transformant en un autre par des glissendi micro-tonaux. Afin d'unifier ces deux idées, je pensais à un explosion première, à un élément qui pourrait faire naître ces éléments, et j'ai décidé d'adjoindre à tous les instruments à vent une percussion résonnante, dont l'impact apparaîtrait comme le déclencheur de formules volubiles. Mais c'est surtout sur le plan de la forme que j'ai tenté de renouveler mon langage. J'ai essayé, malgré une certaine énergie générale, de travailler sur la notion d'attente, comme si pour une fois dans mes partitions, les directions étaient moins linéaires, moins fondées sur la progression. Les éléments se contredisent plus qu'ils ne se déduisent, une texture très nouvelle apparaît à la moitié de l'oeuvre (avec le déplacement d'un clarinettiste et d'un violoniste à deux endroits lointains sur la scène pour créer un jeu d'échos), et la fin laisse la part belle à la répétition de motifs obsessionnels, hachés de silence. Finalement, ce Concerto de chambre n°1 est sûrement ma pièce la moins logique et la plus troublante, dont l'équilibre naît de coups de théâtre permanents (je pense notamment à la cadence donnée par les deux jeux de cloches tubes, annonciatrice de la coda). Bruno Mantovani

Par PAGE JEANNE. Tis la saison est une collection de dulcimer martelé de musiques pour les vacances et les autres célébrations tout au long de l'année. Vous peut célébrer la nouvelle année avec ' Auld Lang Syne, 'et la Saint Valentin avec ' My Love est comme un rouge, Rose Rouge. ' Jouer 'jour de la Saint-Patrick' en mars et pour Pâques vous pouvez choisir l'hymne ' Christ Seigneur est ressuscité aujourd'hui. ' Afficher votre patriotisme un quatrième juillet avec ces versions de ' America the Beautiful, 'ou' The Star Spangled Banner. ' Terminer l'année avec l'hymne de l'action de grâces, ' nous rassembler ensemble, 'et Noël favorite ' Deck the Halls. ' Cette collection vous transportera à travers toute l'année avec des options pour toutes vos vacances préférés et célébrations. ' Tis la saison est accessible à tous les niveaux de joueurs, y compris une version de ' mélodie seule ' de début et une version intermédiaire arrangée pour chaque chanson. En outre, chaque morceau a cordes de guitare codés au-dessus du personnel de la musique. Notation standard. / Niveau : Débutant à Intermédiaire / Christmas - Solos / Recueil / Dulcimer (Cordes frappées)

Ces études ont plusieurs objectifs : - mettre en pratique tous les éléments musicaux et techniques abordés dans les deux premiers volumes de cette méthode. Quelques doigtés sont indiqués - merci à Sébastien Robert pour ses conseils et suggestions. Mais apprendre à trouver de bons doigtés, dans les quatre premières positions, est un apprentissage indispensable dès le début des études instrumentales : courage ! - permettre de se lancer dans la composition. La musique du XXIe siècle ne sera pas celle des siècles précédents. Il semble important que tous les musiciens, amateurs, professionnels, étudiants, et déjà les élèves, puissent tenter d'écrire leur propre musique. - donner les bases d'une méthode d'analyse. Si l'on veut bien comprendre comment nos illustres aînés ont écrit leurs oeuvres, il convient de questionner leur musique. Beaucoup d'aspects de la composition musicale sont abordés dans ces études : formes, carrures, phrases, cadences, mélodie, harmonie, tonalité, modalité... Composer n'est pas une activité réservée aux adultes savants. Le mot composer vient du latin cum-ponere, poser avec. On peut composer un menu ou un bouquet. Le compositeur de musique ne crée pas, il dispose, à sa façon, les éléments d'un matériau sonore existant. Chaque étude est l'occasion d'un travail de com-position, tous les éléments musicaux sont fournis, il suffit de les assembler, chacun à sa manière. Ce sont des exercices très simples, des recettes qui peuvent être modifiées selon les goûts de chacun, comme les recettes de cuisine. Comment faire ? - se munir d'un cahier de musique, d'un crayon et, surtout, d'une gomme, - jouer tout ce que l'on écrit, et écouter ! - et s'amuser autant que l'auteur de ces études... Claude-Henry Joubert

'Ranimer' continue la série de Michel van der Aa de pièces en solo dans laquelle le compositeur explore l'évolution de perspective entre le son direct et lire de la musique et de la dissolution des frontières de ces deux 'identités'. Un dialogue se développe dans 'ranimer', qui est contrôlée par l'oreille ou des signaux pré-notée lors de l'exécution et ravive pratiquement le matériau sonore de l'instrumentiste avec la musique de la lecture et vice versa. Pulsation rythmique dans la musique de la lecture constitue la base d'un lancer de plus en plus virtuose et-vient des gestes sonores- à son apogée, l'électronique prennent le dessus, la conduite de la flûte dans une vague d'épidémies trépidante. / Flûte