Per Orchestra - Partitura. Par COLASANTI SILVIA. Langue: English(UK)/Deutsch/Français/Nederlands / Musique contemporaine / Date parution : 1905-06-30/ Répertoire / Orchestre

Par SANTUCCI GAETANO. The piece in question Wunderkammer (for orchestra) expression that in Italian wants to indicate the concept of “wonderful room” and the love for the curiosity of the study of objects, represents for the author what for the human being, seen as an object of study, can represent the experience and experiential practice of the author in a symbolic journey, with its contrasts, light and shadow. / Date parution : 2022-07-28/ Répertoire / Orchestre

Score and Parts-Morton Gould's Santa Fe Saga for Orchestra. Suitable for musicians at a grade 4-5 standard.

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Work for 2 Trumpets 2 Horns and 2 Trombones premiered in the Museum of Scotland in 1998 by members of the Scottish Chamber Orchestra. Maxwell Davies has relished incorporating brilliant tuckets and alarms for brass in hislarger-scale scores too much to write a perfunctory fanfare; a seminal influence was the statue of St. Michael on the Castel Sant'Angelo in Rome where he studied in the late 1950s generator of high trumpet fanfares throughouthis output which resurface in apocalyptic style towards the end of his orchestral work Roma Amor. Parts available: SOS05301

Par CAMPO REGIS / SATIE ERIK. Sports et Divertissements, composé autour de 1913, est un cycle fantaisiste pour piano, composé de plusieurs pièces quasi improvisées relatant avec humour et esprit 'cubiste' diverses préoccupations - disons - assez futiles comme la pêche, le carnaval, le yachting, la balançoire, le bain de mer, colin-maillard ou le flirt. M'étant penché un temps sur la manière d'orchestrer la musique de Satie avec son oeuvre Parade (penché mais pas trop tout de même), j'ai ensuite pensé à Ravel et ses Tableaux d'une exposition, mais aussi au jeune Stravinsky, à Jeux de Debussy où l'on parle également de flirt et de tennis. Puis j'ai retrouvé mes manières d'orchestrer, en évitant par exemple de rendre le Choral inappétissant de Satie aussi inappétissant que le Choral de Parade, le rendant d'avantage magique et touchant: un hommage au caractère de Satie, un homme éminemment affable et bienveillant envers son entourage et les enfants d'Arceuil. En revanche, le traitement de la percussion est respectueusement très satien, s'inspirant des petites textes glissés par le compositeur dans la partition pour piano (j'ai surréalistement opté pour un éoliphone, un vibraslap, un machine à écrire modèle Underwood, des crécelles, une flûte à coulisse, un flexatone, un appeau 'rossignol'...). Donc bruit de moulinet de la canne à pêche, des talons en dansant le Tango, bruissement de la Balançoire, présence menaçante du vent au grand large dans Le Yachting, ou encore sifflet pour Le Réveil de la Mariée... Régis Campo / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par MANTOVANI BRUNO. Par le plus grand des hasards, les deux principaux concours de direction d'orchestre en Europe m'ont proposé d'écrire en 2007 une oeuvre originale qui serait imposée à leurs candidats. Trouvant la coïncidence particulièrement amusante, j'ai pensé que ces deux oeuvres devaient être à la fois très différentes (la similarité des projets me poussant à me renouveler d'une pièce à l'autre) mais aussi, pourquoi pas, être les deux premiers piliers d'un cycle à venir. Pour la première d'entre elles, Time stretch (on Gesualdo), commande de l'orchestre symphonique de Bamberg pour le concours Mahler, j'ai décidé de faire référence au grand compositeur de la renaissance en utilisant les harmonies chromatiques d'un de ses madrigaux. Pour la seconde, Finale, il s'agissait de n'écrire à partir d'aucune référence, et de créer mes propres points de repère originaux. La récurrence de certains motifs à la flûte solo structure donc une forme très libre, très rhapsodique, fondée sur le contraste entre des moments figés (boucles lentes, ostinati, tenues statiques) et d'autres très énergiques, furtifs ou très développés. Le titre de la pièce, en dehors du fait qu'il est un clin d'oeil à l'épreuve terminale du 50e concours international de Besançon, commanditaire de l'oeuvre, tend à donner à ce quart d'heure mouvementé un caractère conclusif au cycle (qui pour le moment ne comporte que ces deux volets). C'est en effet ce que j'ai tenté de créer : un sentiment jubilatoire qui marquerait un point de non-retour, et surtout, une impression d'aboutissement, de résolution. Bruno Mantovani / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par HAYDN JOSEPH. Les trois Symphonies de Haydn nos 90 à 92 pourraient en fait être présentées sous l’appellation de «Symphonies parisiennes, seconde partie», car elles sont nées en 1788-1789 également dans le cadre d’une commande de la Société Olympique pour laquelle Haydn avait déjà composé ses six «Symphonies parisiennes» nos 82 à 87 quelques années auparavant. De façon assez amusante, Haydn les vendit ensuite une nouvelle fois au Prince von Oettingen-Wallerstein, qui souhaitait «acquérir 3 nouvelles “Synfonien” de lui». Au-delà de ces complications mercantiles, Haydn se montre, dans ces œuvres, en pleine possession et en pleine maîtrise de son métier de symphoniste. La Symphonie en Mi bémol n° 91 fut, si l’on en croit le manuscrit autographe, terminée en 1788, et surprend – même selon les critères de Haydn – par le nombre de ses particularismes, comme par exemple le thème de contrepoint baroque du premier mouvement, ou les enchaînements de trilles dans le mouvement lent à variations. L’édition d’étude reprend le texte de l’édition complète des œuvres de Haydn, garantissant ainsi la plus haute qualité scientifique. Une préface informative et un bref commentaire critique font de cette partition en format maniable un accompagnateur idéal pour tous les fans de Haydn, ainsi que tous ceux qui souhaitent le devenir./ Répertoire / Orchestre Symphonique

Par DUFOURT HUGUES. Il s'agit d'une oeuvre particulièrement représentative du genre de peinture qui a pris son essor pendant le Xe et XIe siècles sous le règne de la dynastie des Song du Nord (960-1127) et qui place la peinture chinoise sous le signe de l'unité retrouvée. Le style 'nordiste', inauguré par Ching Hao et Kuan T'ung se trouve porté à son point de tension extrême par Fan K'uan (fl. 990-1020) dont le Voyage par-delà les fleuves et les monts figure et résume la peinture des grands maîtres classiques de cette époque. L'art du trait calligraphique s'applique au traitement des parois et des surfaces, tout comme les rides en goutte d'eau servent à renforcer les effets de hauteur. Il existe, dans cette toile, une certaine contradiction entre l'éloignement des choses et le caractère abrupt d'un mur primordial qui s'impose avec une évidence absolue. On voit une imposante falaise rocheuse s'arracher d'un abîme et s'élancer jusqu'au ciel, comme un surgissement de l'inaccessible, surplombant un paysage escarpé que vient encore aiguiser le relief âpre et tourmenté de la végétation du premier plan. A la verticale, une broussaille de forêts lointaines semble agrippée aux sommets. Sur la droite, la chute vertigineuse d'une cascade tombant des hauteurs se déroule comme un ruban de soie. En avant-plan, un groupe de rochers laisse entr'apercevoir, plus bas, une caravane de mules dont le trait presqu'imperceptible laisse pressentir l'insignifiance de l'être humain face à l'immensité de la nature. On notera aussi le style sévère et dépouillé de ce paysage majestueux, son allure austère et solennelle qui souligne le caractère sacré des montagnes - la demeure des dieux - dans la peinture monumentale de paysage des Song du Nord. L'altitude est le véritable personnage de cette oeuvre célèbre, une peinture sur soie, d'encre et de couleurs légères, qui est conservée au Musée national du Palais de Taipei, à Taïwan. J'ai cherché à rendre ce sentiment plénier de la nature au grand orchestre, en sorte que l'articulation du souffle ne soit jamais interrompue par des notations accidentelles ou des velléités de développement. La pièce se déroule d'un seul tenant, comme une trame élémentaire, à l'image d'une continuité où toute interruption est arbitraire. Elle est parcourue d'un seul rythme enveloppant des tensions opposées - ascension et suspens, émergence et pesanteur. Une association instrumentale y domine, celle du pupitre des clarinettes allié à celui des trombones, avec des modes de jeu qui projettent les trombones dans l'extrême grave et diffractent le son de la clarinette en un tremblement de multiphoniques. Deux compositeurs, Ivàn Solano, clarinettiste, et Dominique Delahoche, tromboniste, ont bien voulu me guider dans cet inventaire des nouvelles ressources instrumentales. Il est difficile de parler de la forme de l'oeuvre, puisqu'il s'agit d'une transformation incessante, constitutive, à l'instar d'une forme-flux sans cesse renaissante et tendue vers un perpétuel effort d'intégration et de condensation. La forme n'est plus qu'une puissance obscure et négative qui se confond avec le rythme de la couleur ou de la masse. Une toile de fond 'd'harmonie-timbre', constamment dressée, suggère l'étendue et la profondeur, et figure, si l'on veut, une sorte de fond spatial qui serait l'espace même du paysage. Les seuls événements qui scandent le processus sont des 'coulées de forces' qui excèdent toute limite définie et suggèrent des régimes dynamiques variés. Ce Voyage par-delà les fleuves et les monts, d'après Fan K'uan, est l'objet d'une commande conjointe de l'Orchestre Philarmonique de Nice et du CIRM. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Orchestre

John Williams a continué son succès comme le doyen des compositeurs de film avec de la musique, les films Harry Potter aventureuses, le thème touchant par intérim et les mélodies inspirants, puissants de The Patriot. Ce medley de vitrine est exceptionnelle de programmation pour tout public. / Orchestre

Les trois premiers mouvements de cette oeuvre emblématique sont maintenant disponibles dans une évaluation dynamique pour vos orchestres complets. Les principaux thèmes sont présentés avec l'ensemble de la couleur et l'invention frais de la partition originale. C'est la musique qui va ravir et de divertir un public de tout âge. C'est amusant autant à jouer car il est à écouter! / Orchestre

Plus vous lirez, plus vous entendre ! La série Eulenburg Audio + Score contient des trésors du monde orchestrale tirés du répertoire baroque, classique et romantique. Chacun des volumes de 50 se compose d'une note de présentation claire et faisant autoritaire, un inf / Orchestre

Par SMETANA BEDRICH. Cette édition complète partition de poche contient un trésor d'oeuvres orchestrales du compositeur tchèque Bedrich Smetana, y compris 'La Moldau' et 'De Bohème champs et de bosquets' de Ma Vlast ('Ma Patrie'), en plus de l'Ouverture et trois danses-'Polka ',' la danse des comédiens '' Furiant ', et-de l'opéra la fiancée vendue. Les oeuvres sont reproduites ici à partir éditions faisant autorité, complètes avec mouvements bar-numérotés pour faciliter la consultation. Abordable, durable et portable, cette édition miniature de score est idéal pour l'étude en classe, à la maison ou dans la salle de concert./ Répertoire / Orchestre

La renommée de Carl Maria von Weber repose principalement sur , Der Freischütz '. Le succès sans précédent de cet opéra a éclipsé tous ses autres travaux et a contribué à leur chute croissante dans l'oubli. Certaines oeuvres telles que , Preciosa ' , Oberon ', et , Euryanthe ', les ouvertures , concertos en solo et sonates pour piano , des lieder et Chamber Works jouissait d'une grande popularité et ont été largement connu en Allemagne et à l'étranger aussi tard que la deuxième moitié de la 19e siècle . Cependant, toute chance d'une renaissance de Weber influents etoeuvre considérable a été gaspillé dans les années 1920 , quand une édition complète - commencé par Hans Joachim Moser et avec les contributeurs potentiels, dont Wilhelm Kempff , Hans Pfitzner , Max von Schillings, Fritz Stein et Richard Strauss - a échoué après le troisième volume.Depuis , il ya eu de nombreuses tentatives pour relancer une édition complète des oeuvres de Weber , mais comme ce genre de projet , il aurait fallu la collaboration de chercheurs des deux côtés de la frontière inter -allemande, la situation politique après 1945 n'était pas propice à une telle entreprise . Négociations approfondies ont conduit aux premières étapes tangibles dans les années 1980. L'intention , dès le début , était de placer l'oeuvre de Weber dans son contexte, et de ne pas séparer sa production musicale de son travail influent comme un écrivain , critique et organisateur dans le domaine musical , mais de publier ses compositions avec ses lettres, journaux intimes et autre production littéraire comme le meilleur moyen de documenter la fertilisation croisée entre ses activités musicales , littéraires et pratique. / Score

Par PAULET VINCENT. Une fois esquissées les premières pages de cette partition, il m'est apparu que la musique que je découvrais progressivement pouvait suggérer, par analogie, une succession de déclinaisons lumineuses - je me pris alors à imaginer les métamorphoses d'un paysage (lui aussi parfaitement imaginaire) au gré de l'évolution de la lumière du jour, puis à envisager cette poétique comme celle de la célébration de la Terre et du soleil s'unissant dans un tel spectacle, d'où le titre de l'oeuvre. Cinq mouvements, ou 'poèmes solaires' (ce fut ma première idée de titre) s'enchaînent, dont les indications de tempo sont les suivantes : moderato, presto, moderato, presto, largo puis (sans transition) presto. A posteriori, la lumière d'abord pâle puis progressivement plus intense de la première pièce m'évoque l'aube et l'éclairage déclinant de la dernière un crépuscule - dans cette logique, la relative pesanteur, l'éclat quelque peu 'plombé' du mouvement central, généralement statique, pourra suggérer à son tour l'ambiance lumineuse parfois écrasante de midi, les mouvements intermédiaires apparaissant, quant à eux, comme deux avatars d'une même danse incandescente. L'évolution du discours est toutefois d'ordre purement musical, sa résultante orchestrale mettant, par ailleurs, plus souvent en oeuvre un ensemble de solistes qu'une fusion de masses sonores. Ces 'Noces de lumière', écrites entre l'automne 2004 et le printemps 2006, répondent à une commande passée par la Fondation d'Entreprise Groupe Banque Populaire. Elles sont dédiées conjointement à Laurent Petitgirard, qui, en tant que conseiller artistique de cette Fondation, est à l'origine de l'oeuvre, et à John Nelson, qui, à la tête de l'Ensemble Orchestral de Paris, en dirigea la première audition au Théâtre des Champs-Elysées. Vincent Paulet / contemporain / Répertoire / Orchestre