Ce trio pour piano, violon et violoncelle a été commandé par l'Association nationale des enseignants de musique à présenter et promouvoir la musique de collaboration. Elle a été créée lors de la Conférence MTNA en 2013. Inspiré par la musique de danse, la suite commence par un tango dans le premier mouvement. Les premières notes mélodiques du tango sont utilisés dans le deuxième mouvement, une valse brillante, portant cette suite de deux mouvements à une conclusion passionnante. / Violon, Violoncelle Et Piano

Lorsque Chopin improvisait, Georges Sand disait qu'il cherchait La note bleue. Le bleu est la couleur de l'âme... Cette méthode s'adresse à l'enfant débutant qui ne sait encore rien de la musique ni du piano. Son propos est de lui apprendre à jouer tout de suite des petits morceaux qui seront agréables à entendre, pour lui et ses parents. Tout en assimilant les premières connaissances de solfège et de grammaire musicale, il devra les interpréter avec une vraie musicalité et simultanément se familiariser avec les bons principes de technique manuelle, car tout doit être développé ensemble. La grande clé de l'art du piano est de comprendre que la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches. C'est pourquoi le petit Mozart a tout de suite joué du piano. Dès les premières leçons, l'enfant doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer, car la raison d'être des signes qu'il voit devant lui est de transcrire des sons vivants, destinés à l'oreille. Cette méthode vise donc à ne jamais séparer la lecture des notes - du chant - de la quête du beau son et du phrasé. La dimension affective est par ailleurs essentielle pour assimiler la musique. C'est pourquoi ces morceaux sont ici proposés avec des paroles, comme des comptines. L'expérience prouve en effet que les images aident beaucoup les petits à chanter et à mémoriser. Les paroles aident en outre l'enfant à phraser naturellement, sans même qu'il ait à penser à cette notion de phrasé qui est bien trop abstraite pour lui au début. Les histoires et les images stimulent ses émotions or, sans émotion, l'on ne retient rien ! Cette méthode contient aussi, outre les éléments de solfège habituels, des conseils techniques expliquant comment il faut toucher le piano et quels gestes il faut faire pour obtenir un beau son, un beau phrasé. Car, si l'on ressent la musique mais que le geste est inadéquat, rien n'est possible ! Un Cd permettra d'écouter les morceaux, joués à deux ou à quatre mains. L'enfant pourra également jouer tout seul, tout en se faisant accompagner par le Cd. Ajoutons enfin l'essentiel : tout le coeur de cette méthode s'appuie sur les conseils que Chopin donnait à ses élèves pour apprendre à jouer du piano. Ils figurent dans Esquisses de Méthode, cet ouvrage élaboré par Chopin lui-même mais qu'il n'a pu achever, et dans le livre incontournable du grand musicologue Jean-Jacques Eigeldinger, le spécialiste mondial de Chopin : Chopin vu par ses élèves (1). A la mesure du débutant, nous tenterons d'appliquer ici pas à pas ces principes du Maître. Chaque chapitre sera ainsi ponctué de phrases de Chopin telles que : Il vous faut chanter si vous voulez jouer du piano ou : Le poignet est la respiration dans la voix, Soyez souple jusqu'au bout des pieds. Emanant de l'un des plus grands musiciens qui ait écrit pour le piano, lui-même génial pianiste et admirable pédagogue, sa pensée mérite d'être gravée dans le coeur de chaque petit(e) pianiste qui se lance dans cette grande aventure du piano... Alexandre Sorel (1) Chopin vu par ses élèves, par Jean-Jacques Eigeldinger, 3e édition revue et commentée, 450 pages, La Baconnière, Neuchâtel, 1998. Réédité par Fayard, octobre 2006, 454 pages / et : Chopin : Esquisses pour une Méthode de piano, Textes réunis et présentés par J. Jacques Eigeldinger, Paris, éditions Flammarion, coll. Harmoniques, 138 p. Mars 2010. Presse La Méthode Rose a formé tant de jeunes pianistes. D'autres méthodes d'Alfred Cortot (Principes rationnels de la technique pianistique) ou d'Isidor Philipp sont conçues pour l'acquisition de la vélocité ; celles de Marie Jaëll (1846-1925) et de Blanche Selva (1884-1942), pour la qualité du son. Tout récemment, sont parus les 2 volumes du vaste et original manuel de piano : A Compianon (fin 2018, en 2 volumes, 300 p.) de Stéphan Patin (né en 1966) - pour débutant et pianiste plus chevronné, reposant sur l'apprentissage mental et digital, et l'appropriation formatrice des quelque 200 morcelets très diversifiés. Voici, cette année, (préfacée par J.-J. Eigeldinger, le spécialiste de Chopin), la Méthode Bleue (en 2 volumes, avec illustrations sonores et conseils pédagogiques) d'Alexandre Sorel selon lequel la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches... et qu'il doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer. A cet effet, il propose des morceaux avec des paroles comme des comptines, ce qui facilite la mémorisation. Au fil des 10 leçons, le débutant est appelé à emprunter la marche à suivre claire et bien pensée du pédagogue. L'auteur précède les questionnements de l'enfant et des parents, et y répond, étape par étape. L'imaginaire enfantin est sollicité grâce à la présence d'un bestiaire engageant (puce, chat, chien, tourterelle, écureuil, grenouille, perroquet...). Le tout est joliment agrémenté de médaillons de caractère assez naïf, du meilleur effet. L'auteur cite les conseils donnés par Frédéric Chopin à ses élèves, les intégrant judicieusement dans le cursus pédagogique jalonné par les différentes étapes indispensables à l'autonomisation progressive du musicien en herbe. Mine de rien, lecture des notes, apprentissage rythmique, incorporation de la gestuelle pianistique, développement de l'appropriation musicale se font dans un contexte délibérément rassurant (familial, amical) et un climat de confiance, avec des figures musicales tutélaires (Mozart, Chopin) pour aboutir à quelques pages accessibles du maître franco-polonais : Polonaise en sol mineur, Valse en la mineur... (Voir CD : Chopin à Nanteuil... Récital d'Alexandre Sorel). Edith Weber L'Education musicale n°127 (sept-oct 2019)

Par SOREL ALEXANDRE. Lorsque Chopin improvisait, Georges Sand disait qu'il cherchait La note bleue. Le bleu est la couleur de l'âme... Cette méthode s'adresse à l'enfant débutant qui ne sait encore rien de la musique ni du piano. Son propos est de lui apprendre à jouer tout de suite des petits morceaux qui seront agréables à entendre, pour lui et ses parents. Tout en assimilant les premières connaissances de solfège et de grammaire musicale, il devra les interpréter avec une vraie musicalité et simultanément se familiariser avec les bons principes de technique manuelle, car tout doit être développé ensemble. La grande clé de l'art du piano est de comprendre que la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches. C'est pourquoi le petit Mozart a tout de suite joué du piano. Dès les premières leçons, l'enfant doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer, car la raison d'être des signes qu'il voit devant lui est de transcrire des sons vivants, destinés à l'oreille. Cette méthode vise donc à ne jamais séparer la lecture des notes - du chant - de la quête du beau son et du phrasé. La dimension affective est par ailleurs essentielle pour assimiler la musique. C'est pourquoi ces morceaux sont ici proposés avec des paroles, comme des comptines. L'expérience prouve en effet que les images aident beaucoup les petits à chanter et à mémoriser. Les paroles aident en outre l'enfant à phraser naturellement, sans même qu'il ait à penser à cette notion de 'phrasé' qui est bien trop abstraite pour lui au début. Les histoires et les images stimulent ses émotions or, sans émotion, l'on ne retient rien ! Cette méthode contient aussi, outre les éléments de solfège habituels, des conseils 'techniques' expliquant comment il faut toucher le piano et quels gestes il faut faire pour obtenir un beau son, un beau phrasé. Car, si l'on ressent la musique mais que le geste est inadéquat, rien n'est possible ! Un Cd permettra d'écouter les morceaux, joués à deux ou à quatre mains. L'enfant pourra également jouer tout seul, tout en se faisant accompagner par le Cd. Ajoutons enfin l'essentiel : tout le coeur de cette méthode s'appuie sur les conseils que Chopin donnait à ses élèves pour apprendre à jouer du piano. Ils figurent dans 'Esquisses de Méthode', cet ouvrage élaboré par Chopin lui-même mais qu'il n'a pu achever, et dans le livre incontournable du grand musicologue Jean-Jacques Eigeldinger, le spécialiste mondial de Chopin : Chopin vu par ses élèves (1). A la mesure du débutant, nous tenterons d'appliquer ici pas à pas ces principes du Maître. Chaque chapitre sera ainsi ponctué de phrases de Chopin telles que : 'Il vous faut chanter si vous voulez jouer du piano' ou : 'Le poignet est la respiration dans la voix', 'Soyez souple jusqu'au bout des pieds'. Emanant de l'un des plus grands musiciens qui ait écrit pour le piano, lui-même génial pianiste et admirable pédagogue, sa pensée mérite d'être gravée dans le coeur de chaque petit(e) pianiste qui se lance dans cette grande aventure du piano... Alexandre Sorel/ Méthode / Piano

Par HALL PAULINE. Le livre comprend 29 pièces dans une gamme de styles de jazz et légère, soutenue par des illustrations pleines d'esprit. Il commence avec un répertoire merveilleusement simple qui réussit à être à la fois jazzy et très véritable livre easy.Piano Time Jazz 1 est autour du niveau de 2 Piano Time. Pauline Hall est diplômée de l'Académie Royale de Musique et a ensuite enseigné dans les écoles et en privé. Tout en vivant et enseignant à Harrogate elle se sentait le besoin d'un tuteur piano qui fait l'apprentissage amusant, et qui a progressé au rythme le plus lent de ses apprenants. Elle a commencé par écrire de petits airs dans les cahiers des élèves, et ces formé la base de Tunes for Ten Fingers, la série Piano Time développé à partir de cela. / Niveau : Facile / Recueil / Piano

«Je veux le composer tout à fait d?après le caractère de Mlle Rose». Voici ce que répondit Mozart à la question de savoir comment il allait concevoir l?Andante de sa Sonate en Ut majeur. Il avait fait la connaissance de Rosina Cannabich à Mannheim durant l?automne 1777. Composée à son intention, la Sonate K. 309 lui fut tout de suite présentée lors d?une leçon, si bien que d?après les dires de son professeur, elle la jouait déjà de manière «admirable» en décembre 1777. Afin que de nombreux élèves puissent faire de même, nous présentons ce joyau de la musique de piano de Mozart, jusqu?alors seulement disponible dans les recueils intégrals des sonates (HN 1 et 3), sous la forme d?une édition séparée avec, en sus, une nouvelle préface de l?éditeur.


1er MOUVEMENT Le premier mouvement de la sonate K 309 en ut majeur est un modèle pour enseigner la structure de la forme sonate. Dans les formes sonate, pas plus que dans la fugue de Bach, aucun dogme ne sert de base au processus de composition, mais chaque sonate apporte une nouvelle variation à un principe fondamental. Cela impliquait, pour Mozart, l?obligation stricte de se conformer à certains schémas sans pour autant laisser entraver sa propre liberté de création. Pour ses mouvements de sonates en tonalités majeures, il était, par exemple, favorable à la dominante comme la plupart de ses contemporains. Sur ce point, Haydn, en revanche, se délectait à tenter de nouvelles expériences.
Il serait peut-être utile, par une brève analyse, de montrer quel était le modèle de référence d?une «forme d?allegro de sonate» pour Mozart, et le premier mouvement de la sonate en ut majeur K 309 est, à cet égard, un exemple idéal pour un tel examen. Le premier thème est un début caractéristique en marcato, suivi d?une «réponse» de cinq mesures. La quarte descendante et la sixte ascendante du début forment un des motifs favoris de Mozart; c?est son procédé mélodique habituel. Il l?utilise souvent en mineur comme en majeur et beaucoup de ses thèmes commencent par ce motif (pour exemple le deuxième mouvement de la sonate en la majeur K 331 et l?Adagio en si mineur K 540 et certains thèmes des Symphonies K 114, 124, 319/II et 551/II). Les sept mesures du thème principal sont répétées avec une légère variation. Les mesures 12 à 30 viennent conclure la période du premier thème par une phrase réponse (3 3 mesures). La transition fait appel à un nouveau matériau puis, dans la mesure 35 (âpres 2 mesures préliminaires) vient un second thème cantabile à la dominante (sol majeur), comprenant deux fois quatre mesures. Il est également repris et s?achemine vers un thème de clôture plein d?allant (groupe conclusif) qui traverse un passage d?ornementation pianistique (m. 43) et enferme une merveilleuse réduction des mesures 35 et 36 dans la mesure 45. L?exposition se termine par une «codetta» de cinq mesures. Le développement présente d?abord le motif d?exposition en sol mineur puis les différentes idées du premier thème sont élaborées. Dans cette démarche, Mozart s?en réfère beaucoup plus aux principes d?école qu?il ne le fait d?habitude. Deux autres expositions du motif du départ nous conduisent à la réexposition dans la mesure 94. Le second thème, maintenant à la tonique, s?est interverti avec son accompagnement. On assiste à un rappel du début dans une coda qui s?impose avec force.

2eme MOUVEMENT Le deuxième mouvement de cette sonate est un Andante un poco adagio introspectif. Mozart avait fait part dans une lettre de sin désir d?adapter cet Andante au caractère de la jeune pianiste Rosa Cannabich pour laquelle il l?avait écrit : «c?est une jolie et charmante jeune fille, tout comme cet andante. Elle est très mûre et posée pour son âge, elle ne parle pas beaucoup et c?est toujours avec grâce et gentillesse».

3eme MOUVEMENT C?est un Rondo élégant et fluide, d?une longueur inusitée, qui clôt cette sonate. / [Sonate pour piano en Ut majeur K. 309 (284b)] / Classique / Partition / Agrafé /

La Sonate en Ré majeur est la dernière des six Sonates K. 279?284 que Mozart emporta dans ses valises lorsqu?il s?apprêtait à se rendre vers Paris en septembre 1777. Il rapporta à son père qu?il exécuta ces sonates avec succès déjà à Munich, Augsbourg et Mannheim.

Il les pourvut de nombreuses indications de dynamique et trouva aussi en ce qui concerne leur forme des solutions inhabituelles, comme par exemple le lent Rondeau en Polonaise qui fait office de mouvement central de la Sonate en Ré majeur.

Jusqu?alors réunies dans les recueils (HN 1 et 3), ces six sonates sont désormais éditées séparément avec, en sus, de nouvelles préfaces.

Mozart a dédié cette sonate à un certain Freiherr Thaddäus von Dürnitz, ce qui explique qu?on l?ait souvent appelée la «Sonate à Dürnitz». De ces six premières sonates c?est conteste la meilleure, la plus brillante et celle qui requiert le plus d?habileté technique. On peut comprendre pourquoi Mozart l?affectionnait particulièrement et qu?il ait continué à l?exécuter lui-même.

C?est de cette incomparable lorsqu?elle était interprétée sur un des nouveaux pianofortes de Stein.

1er MOUVEMENT Une première version du début du premier mouvement rédigée sur une page et demie a été supprimée par Mozart. Il a commencé à réécrire la version définitive au bas de cette même page. Le matériau thématique de ce mouvement d?ouverture (et, à un moindre degré, celui des mouvements suivants) est disposé sur une échelle plus vaste, presque plus orchestrale, ce qui constitue une rupture avec le ton d?intimité des premières sonates. L?effet de tremolo dans les mesures 13 à 16 et les annonces répétées à l?unisson du premier thème peuvent très bien se lire comme la réduction d?un tutti orchestral. Le deuxième thème, ligne mélodique plus souple, sans accompagnement dans sa mesure d?introduction, contient une chaîne descendante de premiers renversements ? formule harmonique fort prisée aux siècles baroque et classique (il y a des passages analogues dans les thèmes subsidiaires de l?ouverture de l?Iphigénie en Tauride de Gluck et le premier mouvement du Concerto Italien de Johann Sebastian Bach). Cela fonctionne comme un passage de solo par opposition aux entrées de tutti qui suivent dans la mesure 30. Le développement traverse un cycle de tonalités mineures avant le début de la réexposition dans la mesure 72.

2eme MOUVEMENT Mozart a intitulé le second mouvement: Rondeau en Polonaise. Il s?agit donc d?une danse. Les quatre premières mesures constituent une forme de dialogue (comme le thème du premier mouvement de la sonate précédente en sol majeur) et Mozart les soumet à des variations avec un certain bonheur. Il accentue le contraste entre l?exposition et la contre-exposition par des indications de dynamique.

3eme MOUVEMENT Le dernier mouvement de la sonate est une suite de variations joyeuses qui est un régal pour le pianiste, et présente, jusqu?à la variation en adagio les caractéristiques d?une gavotte. Le don spécial de Mozart pour l?écriture en variations s?y manifeste de la manière la plus brillante. L?impression superficielle de forme diffuse ne résiste pas l?examen approfondi: il ne serait guère facile d?oublier une des douze variations ou d?en ajouter une. La variation Adagio est d?un intérêt tout particulier pour les spécialistes de Mozart, car elle nous donne quelque a perçus de sa conception de l?ornementation impromptue: l?autographe n?est que pudiquement orné et il est probable que Mozart enjolivait son texte lors de l?exécution au gré de sa fantaisie. Mais une version richement ornée a survécu dans la première édition publiée du vivant de Mozart ; et il ne fait pas de doute que cette version enjolivée est l??uvre de Mozart lui-même ? qui d?autre pourrait enjoliver une musique d?une manière aussi ingénieuse' Cela nous éclaire sir les idées de Mozart en matière d?ornementation en général et en particulier. / [Sonate pour piano en Ré majeur K. 284 (205b)] / Classique / Partition / Agrafé /

Les futurs pianistes qui commenceront l'étude de notre instrument et des rudiments de la formations musicale avec ce recueil ont bien de la chance. Tout y est: qu'est ce qu'un piano, comment fonctionne t-il, comment écouter, comment s'asseoir... On lit les commentaires, très clairs et drôles, on regarde les dessins, et on y va. Cette approche du piano est si originale et novatrice qu'elle devrait donner envie de s'y mettre à beaucoup d'apprentis pianistes. Commencer par des glissandi, des mini clusters en se servant de la pédale, quel luxe... Avouez que c'est plus drôle d'essuyer le clavier avec un pull tout propre que de faire des notes tenues, n'est-ce pas ' Et quel bonheur de pouvoir jouer tout de suite des oeuvres aussi célèbres que la Symphonie du Nouveau Monde , la Marche Turque , un ragtime de Scott Joplin et bien d'autres tubes encore, et par là même de vous familiariser, dès vos premiers pas pianistiques, avec les compositeurs qui vous accompagneront tout au long de votre parcours musical. (Marie-Catherine Girod)

Par MANTOVANI BRUNO. A la fin de l'année 2008, le cinéaste et plasticien Pierre Coulibeuf m'a proposé d'écrire une musique pour un film dont il allait commencer le tournage quelques semaines plus tard. Ce film devait s'inspirer du musée de Porto Alegre dédié à l'oeuvre du peintre brésilien Iberê Camargo, dont la conception a été confiée à l'architecte Alvaro Siza. A l'image de l'art de Camargo, ce bâtiment tortueux semble en perpétuel mouvement, et Pierre voulait mettre en relief cet aspect de ce lieu à la fois sobre et complexe. Plutôt que d'attendre de voir les images et d'écrire une musique illustrative, j'ai décidé de composer une suite de séquences pour piano que Pierre pourrait utiliser à sa guise, séquences inspirées à la fois par l'édifice et par les peintures qui s'y trouvent. C'est à partir de ces séquences que j'ai composé Dédale (titre de mon oeuvre mais aussi du film), qui repose à la fois sur un certain statisme contemplatif, mais aussi sur des modes de jeux très violents. Le mouvement est ici présent à tous les niveaux, à l'intérieur de chaque section comme dans la confrontation entre des idées musicales aux énergies très différentes. D'une durée de 16 minutes, Dédale est dédié à Varduhi Yeritsyan, qui a créé l'oeuvre aux Flâneries de Reims le 23 juin 2009. Bruno Mantovani / Niveau : Difficile / contemporain / Date parution : 2009-06-23/ Répertoire / Piano

Par MERLET DOMINIQUE. Au cours des années où j'ai étudié avec Dominique Merlet, à Paris puis au Conservatoire de Genève, j'ai reçu de lui beaucoup de documents manuscrits contenant des exercices et des conseils, matériel que je regarde encore avec attention pour sa profonde valeur didactique qui a marqué ma formation pianistique. C'est un savoir qui ne doit pas être dispersé, c'est pour­quoi j'ai proposé au Maître de rassembler les notes de ses enseignements, que beaucoup d'entre nous ont reçus, avec l'intention de préparer une publication. Encouragé par son approbation, avec l'éditeur nous avons commencé la transcription de tout le matériel, opération qui a impliqué plusieurs fois Merlet lui-même pour la mise en ordre et les intégrations nécessaires - les notes n'ayant pas été rédigées dans un but éditorial - et le contrôle des brouillons. Des pages de la littérature pianistique, qu'il connaît bien, Merlet a pris l'initiative pour écrire des exercices permettant l'approfondissement et la solution des aspects techniques fondamentaux du piano présents dans le réper­toire : gammes, arpèges, octaves, notes répétées, doubles notes. Les exercices sont accompagnés de ses suggestions. Mon souvenir des leçons de Merlet. Au cours de mes années d'études avec le Maître, en particulier au moment où je préparais avec lui ma « vir­tuosité» à Genève, j'ai eu l'occasion de recevoir un ensei­gnement profond et passionné. Il écoutait une première fois le morceau objet de la leçon, sans aucune interrup­tion, puis, ensuite, il procédait à l'analyse hiérarchique des éléments fondamentaux de la partition et des passages en question, de l'harmonie au phrasé, de la recherche par timbre aux aspects physiologiques de l'exécution. Il en­seignait avec une minutie artisanale et, assis au deuxième piano, il jouait habituellement les phrases musicales pour expliquer l'intention et surtout montrer le geste de la main et le son qu'il fallait obtenir en partant de ses principes fondamentaux : arriver à dominer l'instrument à travers le legato et le cantabile, même dans les passages les plus rapides. I.:approche naturelle de l'instrument qui était si chère à Chopin peut également être transposée dans la méthode didactique de Merlet. Les exercices développent souvent des variantes de pages du répertoire et sont accompagnés de renvois à l'?uvre de l'auteur. Le présent volume s'adresse à ceux qui possèdent déjà une certaine culture pianistique./ Méthode / Piano

Par HALL PAULINE. 24 pièces de style dans une gamme de styles de jazz et léger, soutenu par des illustrations pleines d'esprit. Great stuff qui sonne cool, mais il est toujours facile. Livre Piano Jazz Time 2 est d'environ le niveau de Piano Time 3. Pauline Hall est diplômée de l'Académie Royale de Musique et a ensuite enseigné dans les écoles et en privé. Tout en vivant et enseignant à Harrogate elle se sentait le besoin d'un tuteur piano qui fait l'apprentissage amusant, et qui a progressé au rythme le plus lent de ses apprenants. Elle a commencé par écrire de petits airs dans les cahiers des élèves, et ces formé la base de Tunes for Ten Fingers, la série Piano Time développé à partir de cela. / Niveau : Facile / Recueil / Piano

Par HALL PAULINE. Cette fabuleuse collection de duos faciles dans les styles jazzy et de la lumière est juste la chose pour égayer toute leçon ou séance d'entraînement. Experte écrit pour les élèves autour du niveau de Piano Time 2, ces duos chic et taper du pied fournir du matériel accessible et amusant pour tous les jeunes joueurs de jazz. Il ya des duos dans une vaste gamme de styles, à partir d'un boogie énergiques à une Moody Blues et animé de samba, ainsi que la musique à la valse, le groove, le tango, et le rock'n'roll à l', et des morceaux à chanter avec. Pauline Hall est diplômée de l'Académie Royale de Musique et a ensuite enseigné dans les écoles et en privé. Tout en vivant et enseignant à Harrogate elle se sentait le besoin d'un tuteur piano qui fait l'apprentissage amusant, et qui a progressé au rythme le plus lent de ses apprenants. Elle a commencé par écrire de petits airs dans les cahiers des élèves, et ces formé la base de Tunes for Ten Fingers, la série Piano Time développé à partir de cela. / Niveau : Très Facile / Recueil / Piano

La musique a toujours été au coeur du monde de Disney. Que ce soit la partition d'un film d'animation provenant de la télévision ou d'un parc a thème Disney, la musique ajoute une magie émotionnelle unique à chaque histoire et spectacle Disney. Le Illustrated Treasury of Disney Songs est un tour guide à travers les nombreuses années légendaire de la musique de Disney, de 'Minnie Yoo Hoo' de 1930 a 'Réflection' de Mulan. cette édition collector commence avec une histoire musicale des plus belles chansons de Disney. Vous trouverez ensuite les arrangements de piano/ vocal de 68 chansons classiques de Disney, une sélection complète des chansons de 1930 à nos jours. Plus de 100 illustrations en couleur accompagnent le texte et la musique, en faisant un souvenir à garder avec soin pour les années a venir.

Par HALL PAULINE. Double Mixte est une collection imaginative de 20 duos à déguster avec un professeur ou un ami. Voici duos classique, jazz et folk, avec des danses de caractère, la possibilité d'improviser votre duo propres, et le plaisir des jeux d'écoute. Un excellent compagnon de Piano Time 3, ce volume superbement illustré offre une excellente introduction à la joie de faire de la musique ensemble. Pauline Hall est diplômée de l'Académie Royale de Musique et a ensuite enseigné dans les écoles et en privé. Tout en vivant et enseignant à Harrogate elle se sentait le besoin d'un tuteur piano qui fait l'apprentissage amusant, et qui a progressé au rythme le plus lent de ses apprenants. Elle a commencé par écrire de petits airs dans les cahiers des élèves, et ces formé la base de Tunes for Ten Fingers, la série Piano Time développé à partir de cela./ Recueil / Piano