Par COMBIER JEROME. Petite obscurité est composée à partir de l'Offrande Musicale de Jean-Sébastien Bach. Tâche délicate, un peu audacieuse (quoique souvent perpétrée), peut-être impossible, mais qui dit avant tout mon profond attachement à cette musique. Le modèle n'apparaît toutefois jamais ostensiblement, mais toujours de manière voilée, cryptée, déformée, comme une charpente invisible. C'est peut-être avant tout le caractère contrapuntique de la musique qui révèle la filiation et que j'ai souhaité mettre en lumière. Mais les lignes mélodiques qui constituent ces contrepoints sont déformées par des quarts de ton et si intimement unies (canon à la seconde mineure, contrepoint dans le registre aigu, canon dit 'écrevisse') qu'elles finissent par créer entre elles des irisations, des reflets, et par basculer dans le registre du timbre. Elles jalonnent la partition comme autant de salles - obombrées, a giorno - où le temps se fige, mais pour un instant seulement car la musique, loin d'y séjourner reprend son cours. Dans Petite obscurité, il fut question pour moi de ne rompre jamais la fluidité que j'ai souhaité lui donner. Le titre est emprunté aux écrits apocryphes d'Esther Hallam Meynell La petite chronique d'Anna Magdalena Bach : 'Deux chandelles entre nous (je faisais toujours bien attention de les moucher, afin que la fleur de lumière ne soit pas gâtée par une épine d'obscurité), nous travaillions en silence.' / contemporain / Répertoire / Flûte Traversière Clarinette, Guitare, Alto et Vio

Par PAGANINI NICCOLO. Nicolò Paganini compte parmi les rares musiciens à avoir conquis leur rang uniquement grâce à un unique instrument. Ses compositions pour violon seul sont originales et ses apparitions en tant que soliste virtuose fascinaient le public. Pourtant, Paganini avait appris enfant à jouer non seulement du violon, mais aussi de la guitare. Et sans doute en bon Génois avait-il découvert avant de parcourir le monde la chanson «Barucabà» sur laquelle il écrivit en 1835 ses «Variations op. 14» pour violon et guitare. Cette édition de musique de chambre a été élaborée avec la précieuse collaboration du musicologue Alberto Cantù et du violoniste Renato De Barbieri. Les doigtés de ce dernierdans la partie de violon complètent très utilement cette édition. / Partition brochée / Date parution : 1905-06-27/ Répertoire / Violon et Guitare

These two collections (BA 9668, BA 9669) give young students and teachers a rich selection of recital pieces, either to complement the Sassmannshaus 'Early Start on the Violin? method or to play independently from it. As all the pieces are written entirely in first position, they can be used after just a few months of lessons.The piano part may be played by the teacher or an advanced student. As an alternative, the accompaniment can be played by a second violin.All the pieces are available in exemplary recordings on YouTube.From the contents of Volumes 1 and 2:Nursery rhymes, folksongs but also less well-known gems, as well as original pieces by the editors, all precisely tailored to meet the needs of young students.- New recital pieces for the tried and trusted Sassmannshaus violin method- All pieces written in first position- With a second violin part for duet performance- Available in freely accessible recordings on YouTubeKurt Sassmannshaus, the editor of a great many string editions in the Bärenreiter catalogue, continues the tradition founded by his father Egon Sassmannshaus in the 'Early Start? string methods. He developed these two new editions together with his wife Melissa Lusk and his son Christoph Sassmannshaus.Similar editions are in preparation for the cello. / Violon Et Piano

Par CANAT DE CHIZY EDITH. Cette oeuvre a été faite dans un but pédagogique, à l'occasion d'un stage de violon organisé par Dominique Hoppenot à Annecy. Elle s'inscrit dans le cadre d'une série de pièces pédagogiques pour ensembles de 2 à 10 violons ou plus, de niveau débutant à supérieur - cela dans le but d'initier les élèves à la pratique de la musique contemporaine d'une part (en introduisant l'étude de certains signes et techniques) et de la musique d'ensemble d'autre part. Il s'agit de faire sortir la musique d'ensemble du cadre de la 'Classe de musique de chambre', et de la rendre applicable par chaque professeur à l'intérieur de sa classe, dès les débuts de l'instrument. Cette pièce est écrite pour 10 violons, mais on peut aisément doubler, tripler, ou même quadrupler les parties. Le projet initial était en effet d'y faire participer le plus possible d'élèves. L'écriture en est volontairement simple, et la mise en place facile, c'est une pièce conçue pour être montée en peu de temps. Elle s'adresse à des élèves d'un niveau 'fin d'études' à 'supérieur' de CNR. C'est avant tout une pièce de musique d'ensemble et une étude de sonorité. La disposition reprise, plaçant le le violon au centre, correspond à la texture sonore: chaque événement prend en effet sa source au centre et irradie vers les extrémités en s'amplifiant. Donc, peu de difficulté technique, mais une écriture qui vise à développer la possibilité d'écoute des élèves. / contemporain / Répertoire / 10 Violons

Le Petit Violonrama est un répertoire de morceaux pour violonistes débutants, permettant de jouer aussi bien du classique que des musiques de films ou de la variété et du traditionnel. L'ouvrage réunit deux sommités du violon : Bruno Garlej, pédagogue du violon le plus vendu et reconnu en France, et Roland Daugareil, premier violon solo de l'Orchestre de Paris et l'un des plus grands violonistes français. Le CD accompagnant l'ouvrage, de qualité supérieur, a été enregistré par Roland Daugareil sur un violon de légende : 'Txinka', un Stradivarius de 1708. Cet enregistrement exceptionnel donnera un exemple et un plaisir musical de choix à tous les apprentis violoniste, ainsi qu'à tous les mélomanes ! Un cahier d'accompagnement piano est également joint à l'ouvrage. Chaque morceau est le fruit d'un travail d'arrangement, précis, adapté à l'instrument et au niveau de l'élève. Ce volume, progressif, est écrit uniquement à la première position, il présente donc un niveau de difficulté très faible et aisément accessible pour l'élève. La mise en page, en couleur et très aérée, et la spirale assurent une grande lisibilité./ Méthode / Violon

The full score for String Quartet No.3 'Angel's Music' by Bent Sørensen (1988) Premiered by the Arditti String Quartet at the Danish Radio Concert Hall 16 November 1988. Parts available: KP00249The composer writes:'Even when I was writing 'Adieu' I knew that I wished to write 'Angel’s Music'. The title existed in an incomplete form in my mind and gradually more and more ideas and a few outlines became clear. The actual work on 'Angel’s Music' was started in Rome where I spent the autumn of 1987 staying at 'The Danish Academy'. Whether this stay has influenced the quartet or not is impossible to say. however it is true tosay that in the Roman churches I visited I saw countless angels playing in the top of frescoes and altars. Without these angels together with the many crackled-gold paintings in this city and my general fascination with the Italian renaissance painter Fra Angelico (in fact there are only a few paintings by him in Rome but even his name..!) I am not sure my quartet would have been what it is. Anyway I do feel that there is a bit of Italy in the piece. The angels apart there are in the short rhythmic agitating part of the quartet reminiscences of the Italian medieval Trotto dance and in the most expressive part of the piece there are flashes of Puccini-like music. From the very beginning of my work on the quartet the distant extremely muted sound in the high register which opens the piece was on my mind. A sound satiated with a dense heterophonic and polyphonic texture of elegiac melody and vibrating trills. I imagined that 'little songs' (maybe angel songs) could be created in this density these songs constantly echoing themselves. Gradually as this sound got a more and more concrete musical and instrumental form I felt that not only should the 'little songs' be created played and die out in an echo but also that the general pattern of the quartet should give the feeling of music which from the distance is getting closer and

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Aus 'Die Kleine Kammermusik'. Par TELEMANN GEORG PHILIPP. Vl (Blfl Fl Ob) Git / Niveau : Assez Facile à Elémentaire / Répertoire / Guitare et Musique de Chambre

Par CANAT DE CHIZY EDITH. Le titre est évocateur: il s'agit de mouvement. Au fur et à mesure de mon travail s'est imposé de façon de plus en plus insistante la nécessité d'une musique en perpétuel mouvement. Une musique qui procède plus par mutation que par développement, une musique à multiples facettes, changeante, irisée, insaisissable. Je parle de nécessité car, en réalité, je ne sais pas trop pourquoi je suis amenée à une telle écriture. Cela relève d'une poussée intérieure, quasi biologique, où il s'avère impératif d'exprimer par là une puissante énergie. Mes dernières oeuvres en portent la trace: Siloël (ange de l'énergie), Hallel (louange), Exultet, Vivere, Moving. Ce propos n'est pas sans poser de problème. Car comment donner forme au jaillissement initial sans l'altérer. Si la facture est trop élaborée, le matériau reste inerte. S'il prend le pas sur la structure, l'oeuvre s'effiloche. Bref, il s'agit de rester sur la ligne de crête. Surtout, ne jamais se laisser enfermer ni par un système, ni par une forme, ni même par une idée: dès que l'un ou l'autre sont exposés, s'en échapper, quitte à y revenir, mais s'en échapper pour aller vers ce qui n'est pas prévu ou prévisible. Il en résulte une forme issue directement du matériau et des exigences de son évolution. Une forme souple comme une liane, épousant les pleins et déliés d'une courbe aux élans inattendus. Il en est ainsi de ma démarche personnelle: échapper à toute tentative de classification. Moving signifie mouvant, mais aussi émouvant. Autre difficulté: celle d'émouvoir en laissant tous ses droits à la logique sonore tout en l'imprégnant de son propre imaginaire. Emouvoir sans tomber dans le 'pathos'. Maurice Ohana disait: 'Méfiez-vous du sublime'. Car dans certaines situations, le pathos prend le pas sur la musique et l'étouffe. Il y a là aussi une très subtile alchimie à découvrir qui quelquefois nous dépasse et arrive quand on ne s'y attend pas. Cela peut s'appeler la grâce. Edith Canat de Chizy / contemporain / Répertoire / Trio à Cordes

These two collections (BA 9668, BA 9669) give young students and teachers a rich selection of recital pieces, either to complement the Sassmannshaus 'Early Start on the Violin? method or to play independently from it. As all the pieces are written entirely in first position, they can be used after just a few months of lessons.The piano part may be played by the teacher or an advanced student. As an alternative, the accompaniment can be played by a second violin.All the pieces are available in exemplary recordings on YouTube.From the contents of Volumes 1 and 2:Nursery rhymes, folksongs but also less well-known gems, as well as original pieces by the editors, all precisely tailored to meet the needs of young students.- New recital pieces for the tried and trusted Sassmannshaus violin method- All pieces written in first position- With a second violin part for duet performance- Available in freely accessible recordings on YouTubeKurt Sassmannshaus, the editor of a great many string editions in the Bärenreiter catalogue, continues the tradition founded by his father Egon Sassmannshaus in the 'Early Start? string methods. He developed these two new editions together with his wife Melissa Lusk and his son Christoph Sassmannshaus.Similar editions are in preparation for the cello. / Violon

Fl Git. Par WEISS FERDINAND. I. ALLEMANDE - II. COURANTE - III. SARABANDE - IV. ARIA - V GIGUE / Niveau : Assez Facile / Répertoire / Guitare et Musique de Chambre

Traditional fiddle music from around the world. Par . Le répertoire complet de musique traditionnelle pour violon est maintenant à votre portée ! Avec ce grand choix de recueils vous pourrez recréer l\'ambiance de votre propre \'ceilidh\', des danses folkloriques, du club de jazz, des cafés concerts comme à Sarajevo. Certains de ces morceaux de musiques sont connus, d\'autres sont plus exotiques, mais tous sont absolument authentiques et leurs arrangements sont faits sans compromis, mais ce qu?il y a de plus important, c\'est qu\'ils vous donneront énormément de plaisir. Chaque titre de la série est disponible en deux versions : la Violin Edition (avec en option une partie violon simplifiée et des accords de guitare), ou la Complete Edition qui comprend des accompagnements pour clavier et pour violon. Chaque version permet de jouer la musique en solo, en duo ou en trio aussi bien que dans des ensembles plus importants. Edward Huws Jones a beaucoup voyagé lors de sa recherche de styles traditionnels pour violon. Dans chaque livre il explique l\'histoire d\'un style particulier, offrant ses propres suggestions pour obtenir une exécution vivante. / Date parution : 2022-10-12/ Recueil / 1-2 Violons et Guitare

Par ROSSINI GIOACHINO. 2 Trompettes Sib ou Bugle ou Cornet, 1 Cor, 1 trombone, 1 Tuba, Percussions ad lib./ Répertoire / Quintette de Cuivres et Percussions Ad Libitum

A près de vingt ans de son premier essai pour Quatuor à cordes (Cinq Séquences, en 1963), Maurice Ohana retourne à ce genre difficile, pour lequel il a gardé une secrète prédilection au long de ces années d'apparent éloignement (avec l'exception de Stream pour trio à cordes et voix de basse, composé en 1970).Une commande du Ministre de la Culture en 1977 (c'était, à l'époque, Madame Françoise Giroud), lui fournit le prétexte. L'oeuvre sera écrite entre 1979 et 1980. Une fois encore, Maurice Ohana cherche à échapper au trop grand sérieux que la plupart des compositeurs croient devoir observer en traitant l'assemblage des quatre instruments du quatuor. Les sous-titres, déjà, annoncent une oeuvre d'imagination plutôt que d'écriture ou de recherche: Sagittaire, Mood, Alborada, Faran-Ngô.On perçoit, ici et là, une guitare voilée, des rythmes qui font penser à une mystérieuse 'Nuit dans Grenade', plus tragique peut-être que la 'Soirée' de Claude Debussy.Sagittaire, après un appel initial, enchaîne des rythmes martelés et obsédants.Dans Mood, les réminiscences d'un Negro Spiritual semblent affleurer, comme dans d'autres ouvrages du compositeur où les Blues de sa jeunesse ont laissé un écho persistant.Alborada déploie le prisme d'harmonies lumineuses pulvérisées dans une brume sonore onirique. Faran-Ngô (composée de Farruca et Fandango) enfin est une fête nocturne aux guitares lointaines. / Quatuor A Cordes