Par PAUSET BRICE. Erstarrte Schatten (Symphonie VI) pour orchestre, six voix solistes et électronique, clôt le triptyque entamé par Der Geograph (Symphonie IV) pour orchestre avec piano principal, et Die Tänzerin (Symphonie V) pour orchestre. L'appareil orchestral est identique pour les trois pièces du cycle. Dans chacune des deux pièces précédentes, il s'agissait de faire entendre une musique confrontée à la question de sa propre représentation et, par conséquence, des impossibilités attachées à cette représentation. Un géographe hésitant à se représenter lui-même sur la carte du monde qu'il trace, la difficulté de penser les mouvements et les évolutions d'une danseuse parmi les autres mouvements planétaires et stellaires, ces deux exemples étaient au centre des réseaux de métaphores nécessaires à la construction des deux premières pièces. Dans Erstarrte Schatten, l'image célèbre des ombres de victimes pratiquement photographiées par la lumière nucléaire de l'explosion d'Hiroshima constitue le socle dramaturgique d'une musique de négativité et de paradoxes : traces ténues de la présence du disparu, entrée instantanée dans l'intemporel, mort sans deuil, sans corps, sans conscience. Le triptyque lui même, dans son mouvement dramaturgique, pourrait se résumer à la recherche graduelle d'une situation d'impossibilité dans la musique même : se débarasser progressivement de l'emprise des métaphores et imaginer une musique certes fondée sur le néant, mais pour autant sans renoncement ni ascétisme. L'electronique tentera, par la préférence donnée au traitement de substance sonores bruitées, de proposer une solution possible au problème des pièces d'orchestre avec électronique, souvent réduites au dialogue entre une masse orchestrale et de matériaux sonores pré-enregistrés qui n'ont généralement, de par leur texture, aucune chance de faire entendre leur voix vis-à-vis de l'orchestre : la prégnance culturelle de ce dernier s'impose presque inmanquablement à l'écoute. L'électronique sera centrée principalement sur les six voix solistes comme sources ponctuelles, ainsi que sur quelques zones sonores de l'orchestre comme sources diffuses (en particulier les cuivres et les cordes). Les traitements sonores appliqués à ces sources consisteront pour l'essentiel en frequency-shifting 'composé' (c'est à dire avec une évolution de la fréquence de modulation et une balance entre les branches positives et négatives constamment renouvellées dans l'écriture même), en l'usage de filtres résonants et dans une travail de spatialisation extrêmement articulé, faisant suite à ce que j'avais auparavant développé dans les deux Perspectivae Sintagma et dans la Symphonie III (Anima Mundi). Les moteurs de spatialisation étaient conçus de telle manière que les enveloppes de transfert, l'écriture rythmique, la transformation graduelle de la présence des haut-parleurs en tant que sources ponctuelles ou de 'taches spatiales', d'autres paramètres encore concouraient á une écriture de la spatialité au moins aussi articulée que le langage tellement riche de la musique instrumentale. Pour terminer, l'utilisation ponctuelle de matériaux sonores pré-enregistrés et préparés en studio (hybridations complexes, time-stretching variable, etc.) sera probablement nécessaire, en tant qu'appoint, mais ne remettra pas en cause l'idée de base consistant à maintenir une relation vivante et instrumentale, interprétative, de l'électronique vis à vis de l'orchestre et des voix. Brice Pauset / contemporain / Date parution : 2009-11-18/ Répertoire / Grand Orchestre, 6 Solistes et Electronique Live

Breathing Earth-This is the first movement of the Symphony No. 1: Living Breathing Earth. Described by the composer as a “love song to theearth ” Warshauer's symphony eloquently presents our planet as a living organism through natural sounds transformed into stirring musical phrases and vivid instrumental writing.

Best remembered for his extraordinary advancement of Piano technique, Franz Liszt saw himself in quite a different light: as an innovative composer prepared to move beyond convention into uncharted waters. He and Richard Wagner were allies in Zukunftsmusik, the 'music of the future,' a new approach that was liberated from all prescribed rules of musical form. Liszt invented the tone poem, and this work is his most famous example. Inspired by Goethe's great verse drama, A Faust Symphony premiered in 1857. The three-movement work musically depicts the essence of Faust, Gretchen, and Mephistopheles, the characters who drive Goethe's tale. Brilliantly innovative and endlessly fascinating in its transformations of thematic materials, the work has influenced many major composers, including Strauss and Debussy, and remains frequently studied, performed, and recorded. This affordable edition was reproduced from an authoritative text and features an informative Introduction by a renowned expert on Liszt . / Orchestre

Orchestral work commissioned by the BBC and premiered by the BBC Symphony Orchestra under the direction of Andrew Davis The Barbican Hall November 1992.Quoting Lindberg: 'After having written a Piano Concerto in 1991preceded by three works for different orchestral effectives (Kinetics Marea and Joy) I felt that I had come to an end with a certain musical expression and also compositional technique. All these works were based upon anextended chaconne principle with chord chains cycling around undergoing constant transformation and being articulated in a very gestural way. The musical paradox and evidently also the challenge was the discrepancy between abrick-like method expressed in a world of gestures (with all difficulties involved in conceiving music out of phrases) aiming at a continuity in terms of progression and development.After the Piano Concerto in the autumn of1991 I strongly felt that I couldn't continue in that direction anymore. I started to work on a project called Corrente for 16 players as a study for the full orchestra version entitled Corrente II.In order to bring theharmonic and rhythmic world closer to each other I abandoned the chaconne principle and based the harmony on different scale aggregates. By combining these scales and by filtering or by enhancing them with additional pitchesbased on more acoustically oriented views of the scales by considering them as partials of virtual fundamentals I was able to work in a rich harmonic world without actually having to do harmonic transformations and progressions.The rhythmic material was based on pattern figures with a rather kaleidoscopic approach of repetition and variation.By combining these pattern figures and scales aggregates I wanted to give the musical expression a 'narrative'sense of streams and directions moving around in different orchestral constellations.Corrente II for symphony orchestra is based on the same material as the piece for chamber orchestra. As the timbral palette and the mass

Hungarian Fantasia S123-Performed by Neill Eisenstein piano Accompaniment: Stuttgart Symphony Orchestra Conductor: Emil Kahn Liszt transformed the whole concept of the concerto when he cast his A-major concerto in one single movement using the idea of thematic transformation. A poetical masterpiece both serene and glitteringly exciting which stands at the very pinnacle of Romantic piano literature. Liszt used his own Hungarian Rhapsody No. 14 as the basis for the Hungarian Fantasia the second piece featured on this MMO release. With its triumphal themes sparkling cadenzas and breathtaking finale this single-movement mini-concerto is a sparkling musical gem! A wonderful eminently accessiblepiece due to its relatively short length. Includes a high-quality printed music score and a compact disc containing a complete version with soloist in split-channel stereo (soloist on the right channel); then a second version in full stereo of the orchestral accompaniment minus the soloist.

This authoritative edition presents full-score reproductions of three of Liszt?s best-known symphonic poems. Les Preludes (Symphonic Poem No.3) grew out of the composer?s unpublished choral setting of Joseph Autran?s poem ?The Four Elements?, blending stirring martial music and lovely pastoral themes to make this work the most popular of the symphonic poems. Mazeppa (Symphonic Poem No.6) evokes Victor Hugo?s portrayal of the Cossack leader and the symbolic triumph that comes only after defeat: ?He runs, he flies, he falls, and he stands up king!? Heroide Funebre (Symphonic Poem No.8) is the last vestige of the monumental Revolutionary Symphony, planned but never completed, suggesting universal brotherhood: a fine, heroic, dignified funeral march. In these richly sonorous works, Liszt explored the concept of the one-movement ?transformation of themes,? an approach to composition that Wagner would carry forward in his development of the leitmotif. Liszt?s expanding chromaticism would be no less influential, anticipating the twentieth century?s embrace of atonality. Frequently performed favourites of audiences around the world, these three works are reprinted from the original Breitkopf & Härtel edition.

Plenty of Horn was commissioned by the Seattle Symphony as part of its ?Echoes? project featuring classical works transformed and reinterpreted by contemporary composers. The 4-minute work is based on the familiar Trumpet Voluntary ofJeremiah Clarke with the melody assembled from fragments and layers of register. Recorded by Seattle Symphony/ Gerard Schwarz Naxos 8.559679.

Shadow of Paradise was written specially for Melinda Maxwell. The work was completed in 2005 the same year that she recorded the work together with Richard Benjafield (percussion) for the Dutton label.'The work is based on the poem by Samuel Taylor Coleridge Kubla Khan and I have attempted to capture some of the spirit of his highly evocative text in my music.It is structured in three main sections: the opening section (And ‘mid this tumult Kubla heard from far Ancestral voices prophesying war) is dramatic in nature with the oboe announcing two ideas - the first a high repeated note rhythmic pattern (later with multiphonics) answered by six differentlypitched drums and temple blocks and the second a short lyrical phrase mainly built on thirds.In the second section (A damsel with a dulcimer In a vision once I saw…Could I revive within me Her symphony and song) the solo oboe transforms the repeated notes and thirds of the first section into a love song underpinned by the percussionist’s vibraphone and crotales.A short reprise of the very opening leads into the final section (Beware! Beware! His flashing eyes his floating hair! Weave a circle round him thrice…) which mirrors the text with three short dances in chain form folk-like in character and increasingly climactic. A final reprise of the opening seems to suggest a violent end but the oboe’s echo of the love song answered by the percussionist’s crotales brings the work to a gentler conclusion.'            Edward Gregson - December 2011Instrumentation:Solo oboeSolo percussion (6 temple blocks 2 bongos 4 tom-toms vibraphone crotales 2 tambourines)

Vocal Score-CD Sheet Music is the revolutionary series of masterworks on CD- or DVD-ROM that transforms a PC or MAC computer into a virtual music library. Now you can quickly locate view and print the great works of the classical repertoire. Compared to traditional printed sheet music or music downloads it is incredibly inexpensive. Original sources are out-of-copyright standard editions from publishers such as Breitkopf and Härtel C.F. Peters G. Schirmer Carl Fischer G. Ricordi Durand and many others. The discs also include biographical and analytical information from Grove's Dictionary of Music and Musicians 1911 Edition. 41 works including Haydn's Creation The Seasons Mozart'sRequiem Mass in C Minor Coronation Mass Beethoven's Choral Fantasy Mass in C Major and Ninth Symphony. 2200 pages of music!

Like many of Davies’s smaller works this is in a relatively lucid modal style midway between the clarity of his carols and the complications of his symphonies: the opening is in a kind of B flat minor and the close is triumphantly in G flat major. What happens in between -- always in 4/4 march time but usually with exuberant syncopations and cross-rhythms - is a sequence of transformations of the theme heard first from the second trumpet on the top line at the start; it will be heard again from the horn and from the first trumpet in upward-moving inversion with brilliant climaxes to punctuate. An ebullient piece in a simplified yet still very distinctive harmonic andrhythmic style and surely destined to make a rousing encore item. Arranged for brass quintet.

Création
16/05/2019 - Echirolles, La Rampe - Orchestre National de Lyon, Leonard Slatkin (direction)
Commanditaire
Orchestre National de Lyon
Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série Roulement de timbales , j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie paradis céleste incommensurable en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s.
Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand.
Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois à nu , parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse.
Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda.
Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un mur du son résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière.
La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante.
La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse.
Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage.
Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière.
Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace.
Camille Pepin
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT