Après Autumn Rhythm (pour violon et piano, 2018) et Number 1 (pour piano seul, 2019), Camille Pépin poursuit son cycle d’œuvres de musique de chambre inspirées par les all-over du peintre américain Jackson Pollock : première incursion de la compositrice dans le répertoire pour violoncelle et piano, Gris-brume puise son expressivité singulière du tableau Number 14, de ses lignes sombres entremêlées et du halo gris argenté que forme la dilution de la peinture noire sur la toile.Si Gris-brume ne reprend pas le titre de Pollock, c’est parce que Camille Pépin s’éloigne de son affinité coutumière avec les compositeurs américains pour s’inscrire plus nettement dans une tradition française. Le caractère fluide de Number 14 donne lieu à une expérimentation debussyste qui n’est pas sans rappeler les textures orchestrales élaborées par la compositrice dans The Sound of Trees (2019). Sollicitant subtilement les timbres et les registres, les premières mesures sont faites de brouillard et de fumée : le piano gronde imperceptiblement à la main gauche, tandis que la main droite fait résonner une volée de cloches dans une couleur modale archaïsante. Tout au long de l’œuvre, on remarquera l’utilisation au clavier de procédés qui rappellent le compositeur des Estampes – notamment dans ces basses qui viennent apporter leur éclairage une fois l’harmonie installée.Car c’est bien le piano qui initie l’atmosphère de l’œuvre et accueille l’instrument à archet pour former un tandem fusionnel, loin de la suprématie mélodique qui a longtemps été attachée au violoncelle romantique. Un thème lyrique finit cependant par émerger des cordes. L’ensemble monte alors en puissance tout au long de l’ouvrage jusqu’à l’apothéose finale, suivant une trajectoire progressive irrésistible qui rappelle certaines grandes œuvres de Maurice Ravel (Boléro, La Valse…). Entretemps, la compositrice a introduit dans la brume initiale des motifs emblématiques de son propre langage musical : des formules rythmiques balancées, de plus en plus insistantes, amènent l’œuvre à basculer dans la danse. Tout d’abord enjoué et lumineux, le pas de deux des instruments à cordes est bientôt le lieu de surprenants contrastes d’articulation et de ruptures dynamiques importantes qui prennent une tournure menaçante. Les enchevêtrements obscurs de la toile de Pollock semblent alors jaillir de la toile, se transformant en un fantastique ballet de fantômes.Tristan Labouret / Violoncelle / Billaudot

Raimund Wippermann, né en 1956, a étudié l'église et l'école de musique de Cologne et Düsseldorf ainsi que chorale à l'Académie de Stockholm musique. Depuis 2004, il a été directeur de la Robert Schumann Hochschule de Düsseldorf.Le désir de l'individu de croire à la présence de Dieu dans notre monde de la parole et de la musique et d'en faire 'chanter' à la fin - c'est l'intention à laquelle le présent article est basé. Dans cet esprit, 'Veni, veni, Emmanuel' l'ancien hymne Avent est combinée ici avec des expressions linguistiques et musicales de notre temps. Le chant d'improvisation sera certainement agréable pour les chanteurs de tous les groupes d'âge après les difficultés initiales. Le réglage de chorale avec son harmonie modale en grande partie n'est pas compliqué, mais les chanteurs doivent avoir une certaine expérience dans le maintien de dissonances.La pièce est idéale pour aborder la musique sacrée soirée dans le temps de l'Avent, ce qui calme et tranquille. / Choeur De Femmes (SSAA) Et Orgue

Le plus complet et détaillé guide à la guitare acoustique à ce jour. Ce volume énorme, avec 2 CD présentant des exemples audio 158, couvre absolument tout ce que vous devez savoir pour approcher, de maîtriser et de profiter de la guitare acoustique à son plein potentiel... * Comment prendre soin de votre instrument * différentes approches à réglage * efficace de pratiquer et de tirer le meilleur de vos mains * tonnes de pièces complètes dans une grande variété de styles * un guide de la théorie musicale et composer, spécialement écrite pour le guitariste * Extended chords, harmonie, isolation modale et improvisation inhabituelle * Self-accompaniment et passionnante des pièces de rythme de construction * charges de techniques avancées et des effets tels que commissionnées harmoniques et écoutes * un guide à l'usage des différents ramassages et leurs propriétés * prendre soin de votre instrument en transit et tous les aspects de gigging - des comportements de l'équipement à l'étiquette. Sérieusement détaillé et complet - si ce livre ne couvre pas, ce n'est simplement pas wo... / Guitare

Ce, le mouvement d'agitation finale de Festiva John Leavitt la célèbre Missa, est présenté dans in-octavo nouvellement gravées, disponibles pour tous les choeurs. Une orchestration superbe chambre de nouveau améliore la texture et la couleur musicale de ce travail modale captivante. / Choeur TTB

Le 'Stabat Mater', composé peu de temps avant la mort prématurée de Pergolèse à l'âge de 26 ans, a rapidement attiré l'attention. L'importance de l'oeuvre fut bientôt si grand que nul autre que Jean-Sébastien Bach a réalisé une version allemande du travail basé sur le 51e psaume. De nombreuses copies, impressions et les modalités d'attestation de la popularité immense de l'oeuvre, une popularité qui existe encore aujourd'hui.Pour la présente édition, le manuscrit a été pour la première fois par rapport à un score très tôt napolitaine qui est fondé sans doute sur les parties de l'oeuvre première. Les conclusions ont influencé le texte musical - les détails sont décrits dans le commentaire critique.- Le travail populaire est présenté dans une édition Urtext bien documenté- Clair, réduction pour piano idiomatique / Choeur Mixte (SSATB) Avec Cordes

Piano Reduction. Par PERGOLESI GIOVANNI BATTISTA. Le 'Stabat Mater', composé peu de temps avant la mort prématurée de Pergolèse à l'âge de 26 ans, a rapidement attiré l'attention. L'importance de l'oeuvre fut bientôt si grand que nul autre que Jean-Sébastien Bach a réalisé une version allemande du travail basé sur le 51e psaume. De nombreuses copies, impressions et les modalités d'attestation de la popularité immense de l'oeuvre, une popularité qui existe encore aujourd'hui. Pour la présente édition, le manuscrit a été pour la première fois par rapport à un score très tôt napolitaine qui est fondé sans doute sur les parties de l'oeuvre première. Les conclusions ont influencé le texte musical - les détails sont décrits dans le commentaire critique. - Le travail populaire est présenté dans une édition Urtext bien documenté - Clair, réduction pour piano idiomatique/ Répertoire / Soprano, Alto, Instruments à Cordes et Basse Conti

'Couleurs et photos sont à partir de la fin du 20ème siècle dans nos manuels scolaires, livres de musique et les écoles instrumentales partout. Vous leur donnez un' child friendly 'apparence. Mais la présentation visuelle' seulement 'une partie d'une stratégie de vente, ou peut apprendre la musique par la couleur et / ou images sont prises en charge, et si oui comment?Une approche pour répondre à ces questions est l'objectif de ce travail, dans lequel les relations entre entendre et de voir partir un cadre de perspective perceptive et sémiotique ainsi que les principaux concepts associés, tels que la synesthésie, la métaphore, ou par analogie intermodal, le dans ce contexte, pertinentes sources historiques et contemporaines des applications d'éducation musicale et les pratiques. ' / Livre / 396 pages / Livre

Création 26/08/2015 - Sion (Suisse) - Finale du Concours International de violon Tibor Varga - Orchestre de Chambre de Lausanne Commanditaire Concours International de violon Tibor Varga Notice Le futurisme italien fut, au début du XXe siècle, le premier véritable mouvement d'avant-garde qui, en Europe, refusa l'art dans sa totalité, décréta l'abolition du passé et prétendit rénover tous les aspects de la vie humaine en cherchant à exprimer la nature et les problèmes du monde moderne. Le mouvement fut inauguré par Marinetti en 1909, suivi un an plus tard du manifeste de la peinture futuriste signé par Giacomo Balla, Carlo Carrà, Umberto Boccioni et Luigi Russolo. La bataille futuriste, qui mobilisa le vif de l'art italien de 1910 à 1916, naquit d'une violente polémique contre la tradition figurative et la conception de l'image-spectacle. La philosophie futuriste, nourrie d'élan vital, d'utopie machiniste et d'ardeur dionysiaque entendait dynamiter la culture antiquaire de l'Italie officielle. Marinetti exalte la vitesse, le mouvement, le bruit, la guerre. Mais aussi la pulsion, la déraison, la transgression, le débridement des ambitions et des désirs humains. Le caractère novateur et visionnaire du futurisme italien fut toutefois passablement terni par ses imprécations et ses fourvoiements politiques. Laissant de côté l'orientation réactionnaire du mouvement et son esprit de clocher extrémiste, on retiendra, parmi les traits les plus originaux du futurisme pictural, la recherche de la représentation du mouvement, avant l'invention du cinéma et avant l'art cinétique. S'inspirant des séquences photographiques d'Eadward Muybridge et de la chronophotographie d'Etienne-Jules Marey, les futuristes italiens sont parvenus à un incontestable degré de réussite dans le domaine proprement plastique. Le processus du devenir est représenté comme tel, et se déploie selon des lignes de force et des formes en croissance. La couleur est également saisie dans son dynamisme, avec ses foyers et ses aires de diffusion. Dans Le mani del violinista, une huile sur toile de 1912 aujourd'hui à Londres, Giacomo Balla s'est également livré à un exercice de synesthésie, cherchant à transposer en images un processus qui fait appel à d'autres modalités sensorielles. Le geste du violoniste, le placement de l'instrument à hauteur d'épaule, les mouvements combinés de la main et du bras, l'écartement et l'échelle d'appui des doigts de la main gauche, la mise en vibration des cordes, l'élan et le rebondissement de l'archet, sa vivacité et son exactitude, tous ces facteurs qui d'ordinaire demeurent imperceptibles et indissociables sont ainsi décomposés, puis réunis et rendus en une impression unique. Les mouvements successifs de la main et les morsures d'archet se séparent selon des procédés pointillistes, puis s'assemblent en une séquence accélérée et se lient dans le même fondu qui restitue l'unité et les inflexions de la tension musculaire. Ce qui est donné à voir n'est pas une illustration réaliste ni une nomenclature des possibilités instrumentales mais un condensé des allures de l'exécution transcendante, montrant les réflexes d'une main rompue au mécanisme de son instrument. Ma propre version musicale de la toile de Giacomo Balla s'inspire des caractères de cette vision futuriste de l'art. La virtuosité même de l'instrumentiste, son habileté d'exécutant, est ici expressément représentée comme un art de l'art. La partition porte une attention aigüe à la technique spécifique de l'effet sonore, à la justesse du geste instrumental dans la dépense de l'archet et la souplesse des déplacements. La grande école des violonistes consistait à faire disparaître le manteau rugueux des aspérités naturelles de l'instrument sous une surface lisse et parfaite de sonorités épurées. Ce grand art évolue aujourd'hui sous la pression d'une esthétique contemporaine plus sensible au grain, aux effets de texture voire aux effets raboteux de l'archet. Un autre type de virtuosité se fait jour, qui intègre les coups d'archets, les accents, les sons dénaturés, dans une sorte de formalisme instrumental pris au second degré. Les interférences entre les différents modes de jeu importent plus désormais que leur intégration dans une sonorité optimale. Cet art insatiable ne recherche plus la magnificence mais l'épreuve. La partition se divise en trois grandes parties. La première est une cadence confiée au soliste, centrée sur les accords, la rythmique et les enjambements d'une articulation qui ne se plie pas aux divisions métriques de la mesure. La seconde partie est l'enfer des violonistes et met aux prises, parmi toutes les cordes de l'orchestre, des figures contrapuntiques hachées, heurtées et contrastées. La troisième partie est davantage tournée vers des études d'équilibre de sonorités, dont la cohérence est délicate à obtenir car les notes se situent dans des registres extrêmes ou paradoxaux. Le soliste est confronté à un type nouveau de virtuosité, celui des sons harmoniques - groupes d'harmoniques naturels ou artificiels. Commande du Concours International de Violon Tibor Varga Sion Valais, la partition est écrite pour l'Edition 2015 de ce Concours. L'oeuvre est dédiée à Enzo Restagno. Hugues Dufourt

Par MARIANI FABIO. La théorie fondamentale et techniques avancées des exercices et improvisation. Le traité est précédé d'un recueil de théorie de la musique, qui facilite l'apprentissage de la deuxième partie dédié uniquement à la technique de guitaristes.Première partie : notation-tempéré-Scale système et interballi-tones et circolo di quDal al système bimodal système musical graco-cadences-Modulation-transposant Instruments et de la partie deux : échelles de principes fondamentaux-accords-façons-improvisations-pentatonique paramètre et Tuning-financier-ton accords-dte-ensemble de The Blues-Substitution échelle échelles-accompagnement-Bibliographie et discographie sont recommandés. / Pédagogie / Méthode / Guitare

Britannia a été écrit en 1994 que la célébration d'une force majeure dans notre vie musicale, l'orchestre britannique. Le travail Remplir une commande de British Telecommunications plc avec l'Association de la Colombie-Orchestres dans le cadre de la série BT célébration, et fournit tous les grands orchestres du Royaume-Uni avec une nouvelle ouverture de concert pour la performance de la saison 1994/95.Britannia est un fantasme de dix minutes orchestrale basée sur des 'thèmes patriotiques. Il n'existe aucun programme de recherche, mais que l'histoire de la tapisserie de mélodies populaires et des allusions de résonance, compte tenu de leurs contextes nouveaux et inconnus, peut provoquer certains scénarios surprenant dans l'esprit de l'auditeur, en particulier à un moment où le chauvinisme petite menace à l'arrière une fois de plus dans toute l'Europe. La pièce se développe sur un court sketch écrit plus tôt cette année, Mémoire Impériale, qui est basé sur un air de mars par le général Reid, à l'officier britannique du 18e siècle, l'armée qui a créé le département de musique de l'Université d'Edimbourg. Ce thème et le 'impériale' d'Elgar et de thèmes Arne sont jetés dans une concoction volatile avec d'autres matériaux - une bobine irlandaise (qui devient un gabarit), une chanson à boire Cockney, des airs d'autres mars et une modalité brumeux celtique.Toutes les idées principales sont présentées dans une succession rapide et forte au cours de la section d'ouverture rapide. La partie lente milieu commence avec un canon sereine qui est progressivement Minée par gradés de l'armée et des percussions sur des allusions. Cette confrontation conduit à l'apogée du travail, suivie d'une coda en suspens.Britannia est dédié à Libby MacNamara de l'Association des orchestres britanniques. / Orchestre

Ubi Caritas - commandé par l'église cathédrale de Saint-Georges (Kingston, Ontario), le Dr Mark G. Sirett, organiste et directeur musical, dans la célébration de son bicentenaire mai, 1992 - se caractérise par lisses chant-tons comme mélodiques et des harmonies modales. Il est marqué pour SATB divisi choeur, a cappella. / Choeur Mixte (SATB) A Cappella

Par POTRAT RENE. Les couleurs modales donnent un caractère nostalgique et mystérieux à cette composition. Une tessiture limitée entre ré grave et mi medium permet à un niveau de Ier cycle 2ème année d'interpréter cette pièce, très mélodique, agréable et facile à jouer. - René POTRAT - Formation : Musique de Chambre, Duo, Solo and Accompagnement Piano - Instrumentation : 1 Hautbois 1 Piano - Niveau de Difficulté : 2/6 - Facile - Durée : 2 mn 30 s - Style Musical : Classique, Pédagogique - Catégorie : Composition Originale - Compositeur : René POTRAT - / Niveau : Facile / Classique, Pédagogique / Répertoire / Hautbois et Piano