Dans Ce Monde Trouble

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Bien qu'initialement considéré comme un instrument de rythme, la guitare a développé une voix solo tous ses propres au monde de Bluegrass - une voix qui est révélé par Scott Nygaard dans ce didacticiel de DVD. Tunes et solos traditionnellement exécutées sur le violon ont été adaptés par une génération de guitaristes comme base pour leurs propres solos dans le son de la musique Bluegrass. Le style est un mélange organique des airs de violon, banjo techniques tels que crosspicking et le Blues. Dans ce DVD, célèbre guitariste Scott Nygaard guides vous par le biais du violon Old-Time tune Little Billy Wilson, un arrangement de cueillette à la Croix de Home Sweet Home, un solo mélodique sur la chanson de blues Trouble dans l'esprit et vous montre comment combiner ces influences lors de la création d'un solo sur une musique bluegrass tune comme East Virginia Blues. Techniques Crosspick, violon et blues sont rigoureusement examinées et expliqués, vous donner la meilleure base possible pour développer votre propre Bluegrass solo sonore. / Guitare

J'ai joué avec tout le monde, le plus stimulant dans une situation sur scène était Freddie King. Il pouvait être assez moyen mais subtile avec elle. Il vous fera sentir à la maison et vous tar puis en pièces... Il m'a enseigné juste sur tout ce que j'avais besoin de savoir... quand et à quel moment ne pas de montrer votre main... et le plus important... Comment faire l'amour à une guitare. Eric Clapton Freddie King en concert a été un événement difficilement soutenable. Ses performances étaient puissants et rempli avec chantant émotionnel couplé avec burning likcs soulful joué sur ses 355 Gibson. Les rares images présentées sur les caractéristiques de ce DVD un ensemble complet de Freddie et sa bande enregistré à la Sugarbowl en Caroline du Sud, le 22 septembre 1972. Toutes la puissance pure et la joie de Freddie King est présenté dans ce DVD. Quatre titres bonus, enregistrés en 1970 dans un studio de télévision de Los Angeles sont également présentés. # Bonus tracks : Los Angeles, 1970 # Have you Ever Loved Lovin d'une femme # Look Over Yonder Wall # Ain't Nobody Business # Whole Lotta ' / Guitare

Cette collection des plus beaux spirituals et gospels ne laisse rien à désirer. Toutes les mélodies sont définies dans des arrangements très faciles pour les débutants et peut être joué à plusieurs reprises, que ce soit à la maison, à l'école ou dans un ensemble. Les arrangements peuvent également être joué avec une partie supplémentaire seconde.Contenu: Down by the Riverside Glory Hallelujah,, Go down Moses, O jour heureux, Rock my soul, Il a le monde entier dans ses mains, Personne ne sait la peine que j'ai vu, Swing low, et beaucoup plus. / 1 Ou 2 Saxophone(s) En Mib

Cette collection des plus beaux spirituals et gospels ne laisse rien à désirer. Toutes les mélodies sont définies dans des arrangements très faciles pour les débutants et peut être joué à plusieurs reprises, que ce soit à la maison, à l'école ou dans un ensemble. Les arrangements peuvent également être joué avec une partie supplémentaire seconde.Contenu: Down by the Riverside Glory Hallelujah,, Go down Moses, O jour heureux, Rock my soul, Il a le monde entier dans ses mains, Personne ne sait la peine que j'ai vu, Swing low, et beaucoup plus. / 1 A 2 Trompette(s) En Sib

En plus de la série très réussie de Hans et Marianne Magolt, ils publient aujourd'hui le premier volume de la nouvelle série la plus belle Spirituals and Gospels '. Toutes les mélodies sont des arrangements très faciles pour les débutants et peut être joué à plusieurs reprises à la maison, à l'école de musique, à l'école primaire ou dans un ensemble. Eventuellement, les arrangements peuvent être joués avec une deuxième partie supplémentaire.Contenu: Down by the Riverside, Glory Hallelujah, Go down Moses, O jour heureux, Rock my soul, Il a le monde entier dans ses mains, personne ne sait la peine que j'ai vu, Swing low et beaucoup plus. / 1 Ou 2 Violon(s)

133 chansons de partout dans le monde, y compris ' Auld Lang Syne ', ' Danny Boy ', 'Ce Train' et plus encore. Toutes les chansons sont arrangés avec la mélodie, des paroles et des boîtes de corde. / Guitare

L?Orient fascine avec ses innombrables contes danses parfums et saveurs. L?Orient est mystérieux et d?une sublime beauté mais il a aussi une face cachée. Dans cette région du monde de nombreux pays sont rongés par la pauvreté et la guerre et sont muselés par l?oppression. Des peuples innocents vivent une terrible souffrance que seuls l?art et le chant peuvent soulager. Assis au sommet de la colline seul avec le vent un berger joue de sa flûte pour exprimer et chasser sa douce solitude. Qu?importe rien ne peut troubler la joie de vivre retrouvée pour la célébration de fêtes. La magie des danses orientales opère à chaque fois : des costumes aux couleurs chatoyantes desbijoux étincelants et ces saveurs épicées aux couleurs nocturnes qui se mêlent aux parfums envoûtant des danseuses...