Edith Canat de Chizy - Entre necessite et liberte

Par CANAT DE CHIZY EDITH. Nous avons avec Françoise Thinat (dédicataire de la pièce, ndle) beaucoup réfléchi à cette formation qui correspondait pour moi au désir d'écrire une oeuvre comportant les mêmes instruments que le Quatuor pour la fin du temps d'Olivier Messiaen, clin d'oeil au centenaire de sa naissance célébré cette année. La comparaison s'arrête là. Ma façon éruptive et violente de traiter ces instruments est loin de l'univers généralement extatique du quatuor de Messiaen. C'est une oeuvre de musique de chambre où l'écriture de piano est traitée à importance égale de façon fusionnelle avec les autres timbres. Burning trouve son origine et son enracinement dans l'univers de William Butler Yeats, poète irlandais mort en 1939, plus particulièrement des vers de son poème Vacillation : 'C'est entre des extrêmes que l'homme va son cours. Tisons, souffles de feu Surviennent, qui détruisent Ces puissances contraires De la nuit et du jour.' Univers imprégné de la tragédie de la révolution irlandaise : trois thèmes traversent la poésie mystique de Yeats : le feu, le chant, la joie, 'the final joy'. Le feu, l'éclair, consume pour une renaissance, le chant est cet espace privilégié d'une connivence entre l'absolu et le monde tel qu'il est, il en est la réconciliation. 'The final joy' s'exprime par la danse, le rythme, qui est l'exaltation de l'instant, le triomphe de la vie. Ainsi s'articulent les trois moments de cette pièce parcourue d'ostinatos, allant de la stridence à la mélodie, de la fulgurance à l'oscillation jusqu'à l'élimination progressive des éléments 'pour que toutes choses s'effacent'. Edith Canat de Chizy / contemporain / Répertoire / Clarinette, Piano, Violon et Violoncelle

Par CANAT DE CHIZY EDITH. Deux est une miniature pour orchestre commandée par la Ville de Paris. Le projet étant d'illustrer chacun des arrondissements de Paris à partir des poèmes de Jacques Roubaud. Il m'est ainsi échu le deuxième arrondissement, où voisinent la Bibliothèque Nationale, le Passage Choiseul et l'Hôtel Beaudelaire rue Saint-Anne, lieux où alternent le silence et l'animation. Ainsi ai-je construit cette miniature, autour de ce rapport dialectique entre ces deux caractéristiques. Edith Canat de Chizy / contemporain / Répertoire / Orchestre

Partie de flûte. Par CANAT DE CHIZY EDITH. Cette pièce pour flûte et ensemble s'inscrit dans le prolongement de mon travail sur les rapports peinture / musique, après Nicolas de Staël et Whistler. Ce titre est en effet celui d'une toile de Turner, impressionnant instantané de cette lutte entre les éléments. La flûte m'a paru particulièrement indiquée pour évoquer la tourbillonnante énergie qui se dégage de cette peinture. A l'inverse, cette oeuvre me permet de continuer aussi ma recherche sur une écriture essentiellement basée sur le geste instrumental, traduisant ainsi l'idée de mouvement que je poursuis à travers l'écriture pour cordes d'abord, étendue à présent à d'autres formations. Edith Canat de Chizy/ Répertoire / Flûte Traversière et Orchestre

Par CANAT DE CHIZY EDITH. Le point de départ de cette pièce fut le tableau de Van Gogh: Champ de blé avec corbeaux, l'un des tout derniers qu'il a peints avant son suicide le 27 juillet 1890, et que l'on a souvent considéré comme annonciateur de ce geste désespéré. Ce tableau m'a immédiatement rappelé ces vers français de Rainer Maria Rilke dans les Quatrains valaisans: 'Chemins qui ne mènent nulle part, entre deux prés, que l'on dirait avec art de leur but détournés, / Chemins qui souvent n'ont devant eux rien d'autre en face / Que le pur espace et la saison.' Des vers qui, eux-mêmes, ont donné leur titre à un ouvrage du philosophe Martin Heidegger, Chemins qui ne mènent nulle part, dont je pourrais dire qu'il est à l'origine de ma vocation: c'est après avoir découvert, durant mes études de philosophie, ce livre, dans lequel Heidegger parle de la dimension métaphysique de la poésie, notamment à partir de l'oeuvre de Rilke, que j'ai choisi d'entrer au Conservatoire de Paris et de me consacrer à la composition. A mes yeux, la musique possède une dimension métaphysique au même titre que la poésie: comme le dit Heidegger 'L'oeuvre d'art ouvre à sa manière l'être de l'étant.' Toutes mes oeuvres tendent à évoquer cette 'troisième dimension' de la musique. L'essentiel d'une oeuvre réside toujours pour moi dans cette tentative de suggérer un autre monde, cet 'ailleurs' qui nous dépasse. A cet égard, Omen fait intervenir - dans son inspiration, non dans son écriture proprement dite - tout un réseau de correspondances qui offre en quelque sorte, une synthèse de ma démarche et de mes préoccupations. L'allusion au tableau de Van Gogh tout d'abord, inscrit cette partition dans la lignée de celles qui m'ont été inspirées par la peinture: mon concerto pour alto était centré autour de Nicolas de Staël, et je viens d'achever une composition pour flûte et ensemble à partir d'un tableau de Turner. Ensuite, il y a la figure même de Van Gogh: son parcours spirituel, tout comme celui de Staël, en font l'une de ces 'comètes', venues d'un autre monde, dont parle la poétesse Marina Tsvetaïeva. Le titre de Omen, qui signifie 'présage' en anglais de même qu'en latin, évoque ainsi le mystérieux et funeste destin de ce peintre visionnaire. Cette idée de 'trajectoire' (qui rejoint ici l'image du 'chemin') est un autre des thèmes qui me sont chers, et elle est également à l'oeuvre dans Omen. L'écriture pour orchestre reste mon mode d'expression privilégié de par la réflexion sur l'organisation de l'espace sonore, sa profondeur, et le travail sur les timbres qu'elle induit: dans cette pièce, l'orchestre devient un univers de mouvement propre à traduire cette idée de tournoiement (la dialectique entre mouvement et immobilité est un autre axe de mon travail depuis quelque temps, notamment avec les cordes) qui, dans le tableau de Van Gogh - avec le vol des corbeaux, ce ciel renversé - revêt une signification évidemment dramatique, et prémonitoire. / contemporain / Répertoire / Orchestre

C'est en visitant l'exposition Nicolas de Staël au Centre Pompidou en 2003 que j'ai décidé de donner le titre de cette toile de 1944, Les rayons du jour à mon concerto pour alto. Elle correspondait en effet tout à fait à ces quelques mots que Nicolas de Staël avait griffonné sur son programme quelques jours avant sa mort à propos des Lieder opus 19 de Webern qu'il avait entendus lors du concert du Domaine Musical du 6 Mars 1954 au Théâtre Marigny: violons rouges, rouges / ocre feux transparent. Passionnée depuis longtemps par la vie et l'oeuvre de Nicolas de Staël, j'ai mûri ce concerto au travers d'une longue fréquentation de certaines de ses toiles et de ses écrits. Aussi, à la forme tri-partite de l'oeuvre: 1 Déchirure, 2 Mouvement, 3 Transparence, correspondent les trois grandes étapes de la peinture de Nicolas de Staël, sombre et violente jusqu'en 1948, puis dominée par sa recherche du mouvement et de la lumière éblouissante dans les années 52 à 54, et trouvant sa plénitude dans l'absolue transparence, la quête de la lumière ayant été le dénominateur commun de ces périodes successives. Pour revenir à l'oeuvre proprement dite, on peut se poser la question du choix d'écrire un concerto pour alto, exercice réputé difficile de par le caractère plutôt intimiste de cet instrument. Ayant déjà écrit un concerto pour violon, Exultet, en 1995, et un concerto pour violoncelle en 1998, Moïra, j'ai désiré accomplir ce cycle par l'écriture de ce concerto pour alto et prolonger ainsi mon travail sur les cordes, matériau pour moi privilégié de par mon expérience de violoniste (en témoignent entre autres mes trois trios, mes deux quatuors et mon quintette à cordes.) Ma connaissance des instruments à cordes m'a en effet particulièrement aidée dans la réalisation de cette oeuvre. En outre, j'ai volontairement choisi d'utiliser un effectif orchestral relativement réduit, veillant ainsi à ce que la légèreté de l'orchestration mette en valeur les timbres si différents de l'alto selon qu'il est joué dans l'extrême grave ou dans l'aigu, tessiture habituellement peu exploitée. La première partie de l'oeuvre joue précisément sur l'opposition de ces deux tessitures, à l'alto comme à l'orchestre. La deuxième partie est centrée sur l'idée de mouvement qui trouve son aboutissement dans un passage d'alto seul extrêmement rapide et fugitif. Enfin, la troisième partie exploite l'idée d'espace et de timbre dans un tempo plus calme, avec en exergue cette phrase de Nicolas de Staël: ... pour trouver la grande lumière. (Edith Canat de Chizy)Auteur : CANAT de CHIZY EdithDiscipline/Instrument : alto et orchestreSupport : PartitionStyle/Genre : contemporainDate de parution : janv.-05