Faites Du Piano Vol.1 - A Répertoire 1Ere Année Dvd

A partir de la 1ère AnnéeBien plus qu'un recueil de partitions, FAITES DU PIANO?TOUT SIMPLEMENTvous accompagne dans votre mise en place de chaque morceau en vous proposantAIDE A LA LECTURE, sur le rabat de gaucheUNE METHODE DE TRAVAIL, sur le rabat de droiteUN DVD, pour visualiser, Ecouter, Découvrir et Peaufiner votre morceau.40 Morceaux dans tous les styles pour tous les Goûts. / Piano

Vous ne peut simplement résister à tous ces favoris de salon ! Jazz Piano Cocktails Volume 1 arrangé par Bob kaip est où cette série entière a commencé. Cocktails jazz publiés par Santorella Publications est conçu pour le pianiste qualifié, qui est capable de lire très bien, mais n'est pas Oscar Peterson lorsqu'il s'agit d'improvisation. Cette série a été créée pour aider un artiste sonore qui a un concert de cocktail et puisse utiliser quelques arrangements tape-à-l'oeil pour animer la foule de 'teetotalin' '.Cette 'première édition' contient quarante huit pages d'arrangé magistralement classiques jazz qui auront vous chante, taraudage et danser en peu de temps. Depuis le ludique, ' vous faites Me Love You 'à la sensuelle, ' il Had to Be You', ces solos jazz fabuleuses 13 vous aidera à établir une base solide sur laquelle construire votre répertoire jazz. Vous adorerez non seulement ces livres, mais maintenant vous pouvez jouer le long. Chaque édition est également disponible avec un CD de performance enregistré par l'extrêmement talentueux, Craig Stevens. / Jazz / Recueil / Piano

Présentation Ces vocalises sont faites pour trouver la virtuosité de sa voix, et sa fluidité dans une écriture d'aujourd'hui. Vous y trouverez quelques fondamentaux comme les grands intervalles, la longue tessiture, pour toutes les voix, le chromatisme, le tempo rapide vocalisé, les slanci ou glissati, les quarts de tons, les nuances ainsi que les tenuti pianissimi ou encore le decrescendo finissant sur un fil di voce. La valeur ajoutée sur le plan rythmique habituera le chanteur à combiner les textes sur une pulsation interne permanente malgré l'exécution de la mélodie étudiée. Les tenuti ouvriront l'imaginaire du chanteur en y plaçant le texte, ad libitum. Les respirations inaudibles pour certains textes - proches de la mélodie ou du récitatif - côtoieront quelques inspirations et expirations audibles, ou sons-bruits fantômes. J'accorde beaucoup d'importance à l'articulation du texte en bouche, et à la place des lèvres dans l'acoustique du son. En effet, le chanteur transporte son propre théâtre à l'italienne partout et son palais devient alors le fin connaisseur de la place des aigus et sur-aigus. Le chanteur est un gourmet de sa bouche et de tout son appareil phonatoire et respiratoire. Le sprechgesang aura une large part dans ces vocalises. Quelques nouvelles idées d'écritures apparaissent comme celles des agrégats ou arpèges, les pleurs, les rires, la main devant la bouche, le rauco, les sons soufflés, le bruit des lèvres, la langue sortie roulée sur la lèvre supérieure, les claquements de langue, le vibrato glottique. La présence du chanteur sera indispensable pour donner du sens aux textes empruntés au répertoire des opéras classiques choisis. Ces Airs connus par coeur par chaque chanteur, que ce soit Carmen, Adolar, Méphistophélès, Mab, Pédrillo, Marina, Anna Bolena, Lucrezia, Philippe II, Urbain, La Reine de la nuit, Vulcain, Sarastro ou Erda, pour n'en citer que quelques-uns, glisseront peu à peu dans des traitements - stylistiques et vocaux - déformés par tout ce que j'ai cité plus haut : à savoir que la virtuosité prend le pas sur la texture du texte et de la voix : des phonèmes en lien avec la compréhension du texte, ou non, agrémenteront la réactivité du chanteur, vers une attitude ludique, inventive et drôle, bien que précise et technique. La sûreté des attaques sera appréciée, comme l'apprentissage des différents effets vocaux (une vingtaine, en tout) et de leurs cryptogrammes respectifs. Si cette collection s'adresse à des chanteurs expérimentés et sûrs de leur technique globale, elle provoquera certainement des prises de conscience sur le couple voix et répertoire, peu évident à mettre en place chez de jeunes artistes, appelés à mûrir, à expérimenter, donc à évoluer dans leur répertoire, et leur confort d'émission. La beauté de l'instrument est indispensable pour défendre le cadre scénique de chaque vocalise : j'invite les jeunes chanteurs à croiser la voix, sa technique avec le jeu, l'amusement et sa virtuosité. La soif et le bonheur de chanter se mesureront à la discipline de l'apprentissage. Jeunes artistes doués et patients, devenez ces êtres-bouches à la fois chanteurs-conteurs-hypnotiseurs et connaisseurs alchimiques du pouvoir colossal de la voix humaine. Ouvrez vos cerveaux et vos bouches : le monde vous réclame ! Mes vocalises pour Soprano s'inspirent autant de l'atmosphère générée par les Sopranos, en loges derrière la scène, que des arcanes des rôles-clés liés à cette tessiture aux facettes plurielles. En effet, il existe beaucoup de catégories de sopranos qui, par leur agilité, leur couleur, leur timbre, leur habitat scénique, leur virtuosité facile voire superficielle, leur dramatisme, leur engagement au sein de la distribution d'un opéra, traduisent l'énorme éventail de cet emploi, souvent méprisé. J'ai privilégié 6 catégories caractérisant l'écriture demandée aux sopranes. a) soprano dramatico-coloratura (2 textes : La Reine noire, Disperata donna) b) soprano dramatico (1 texte : La Diva) c) soprano lirico-spinto (2 textes : Ah, Madre del cielo, Leonora) d) soprano lirico-leggero (2 textes : La Mort des amants, Anna Bolena) e) soprano coloratura (1 texte : Je suis belle) f) soprano, dite soubrette (2 textes : Mes grigris, La pastorella) Pourquoi avoir écrit des vocalises avec textes ' Textes personnels puisés dans le quotidien des sopranos, ou textes de livrets d'opéras, ces mots véhiculent une pensée, nécessitent une présence, voire la canalisent et se rapprochent ainsi des airs à travailler appartenant au répertoire d'aujourd'hui. Le répertoire d'aujourd'hui demandent des voix complètes à longue tessiture, tout en connaissant les signes des effets vocaux les plus répandus - à savoir les quarts de tons, le sprechgesang, les slanci avec ou sans indication d'intonation ou de valeur rythmique, les pleurs, les rires, le whisper, le parlato, les longs intervalles et le chromatisme dans un réflexe de tempo rapide. Contenu I. La Reine noire (soprano dramatico-coloratura) - II. Disperata donna (soprano dramatico-coloratura) - III. La Diva (soprano dramatico) - IV. Ah Madre del Cielo (soprano lirico-spinto) - V. Leonora (soprano lirico-spinto) - VI. La Mort des amants (soprano lirico-leggero) - VII. Anna Bolena (soprano lirico-leggero) - VIII. Je suis belle (soprano colorature) - IX. Mes grisgris (soprano soubrette) - X. La Pastorella (soprano soubrette)

Après Autumn Rhythm (pour violon et piano, 2018) et Number 1 (pour piano seul, 2019), Camille Pépin poursuit son cycle d’œuvres de musique de chambre inspirées par les all-over du peintre américain Jackson Pollock : première incursion de la compositrice dans le répertoire pour violoncelle et piano, Gris-brume puise son expressivité singulière du tableau Number 14, de ses lignes sombres entremêlées et du halo gris argenté que forme la dilution de la peinture noire sur la toile.Si Gris-brume ne reprend pas le titre de Pollock, c’est parce que Camille Pépin s’éloigne de son affinité coutumière avec les compositeurs américains pour s’inscrire plus nettement dans une tradition française. Le caractère fluide de Number 14 donne lieu à une expérimentation debussyste qui n’est pas sans rappeler les textures orchestrales élaborées par la compositrice dans The Sound of Trees (2019). Sollicitant subtilement les timbres et les registres, les premières mesures sont faites de brouillard et de fumée : le piano gronde imperceptiblement à la main gauche, tandis que la main droite fait résonner une volée de cloches dans une couleur modale archaïsante. Tout au long de l’œuvre, on remarquera l’utilisation au clavier de procédés qui rappellent le compositeur des Estampes – notamment dans ces basses qui viennent apporter leur éclairage une fois l’harmonie installée.Car c’est bien le piano qui initie l’atmosphère de l’œuvre et accueille l’instrument à archet pour former un tandem fusionnel, loin de la suprématie mélodique qui a longtemps été attachée au violoncelle romantique. Un thème lyrique finit cependant par émerger des cordes. L’ensemble monte alors en puissance tout au long de l’ouvrage jusqu’à l’apothéose finale, suivant une trajectoire progressive irrésistible qui rappelle certaines grandes œuvres de Maurice Ravel (Boléro, La Valse…). Entretemps, la compositrice a introduit dans la brume initiale des motifs emblématiques de son propre langage musical : des formules rythmiques balancées, de plus en plus insistantes, amènent l’œuvre à basculer dans la danse. Tout d’abord enjoué et lumineux, le pas de deux des instruments à cordes est bientôt le lieu de surprenants contrastes d’articulation et de ruptures dynamiques importantes qui prennent une tournure menaçante. Les enchevêtrements obscurs de la toile de Pollock semblent alors jaillir de la toile, se transformant en un fantastique ballet de fantômes.Tristan Labouret / Violoncelle / Billaudot