L'Institution Musicale

Par DENAVE LAURENT. Cette histoire de la musique américaine replace les différents courants et genres musicaux dans leur contexte économique et social. Elle ne se limite pas aux compositeurs, de Charles Ives à  John Adams, mais inclut les différentes formes de musique populaire, depuis la chanson engagée jusqu'au jazz, en passant par les comédies musicales de Broadway. Laurent Denave analyse les tensions entre une sphêre savante tôt divisée entre des créateurs originaux et des compositeurs conservateurs ou académiques, et une sphêre populaire dominée par les critêres commerciaux et davantage faite pour le peuple que par lui. Que ces critêres commerciaux s'introduisent à  l'intérieur de la musique savante, c'est précisément ce que l'auteur montre à  travers différents exemples historiques, qui conduisent à  la musique répétitive, assimilée ici à  la révolution conservatrice qui eut lieu sur le plan politique. Laurent Denave souligne à  quel point le critêre de la modernité musicale aux Etats-Unis est lié à  la capacité d'autonomie des compositeurs et comment - à  partir de la figure isolée de Charles Ives - cette autonomie a tenté de se structurer socialement à  travers différentes institutions, dont l'Université a finalement été l'une des plus importantes. Mais il montre aussi comment cette modernité a été tout au long du siècle aux prises avec les diverses formes de conservatisme et de populisme, ainsi qu'avec les intérêts commerciaux de l'industrie musicale. L'analyse sociologique des conditions mêmes de la musique savante fait apparaître l'exclusion de certaines catégories sociales. / Broché / Livre / Livres

Par COLLECTIF. Ouvrage de synthèse des réflexions menées depuis bientôt 15 ans par les adhérents du collectif à travers divers séminaires, journées d?étude et au gré de leur expérience de terrain, ce livre court est destiné aux musiciens, aux pédagogues, aux enseignants et aux élus locaux. La transmission et l?enseignement de la musique sont aujourd?hui en débat au sein de l?institution et parmi les professionnels. Les enjeux sont importants car les décisions qui vont être prises détermineront une bonne partie du cadre dans lequel se développera la pratique musicale dans les prochaines années, notamment par l?adéquation (ou non) des offres d?enseignement, de formation et d?accompagnement des pratiques à la réalité de la vie musicale de la population. Cet ouvrage s?adresse aux musiciens, aux pédagogues, aux enseignants, aux responsables de structures culturelles et de dispositifs de formation, aux élus locaux et décideurs de politiques publiques, dans l?espoir modeste que ces quelques éléments de réflexion pourront éclairer leur décision. / Broché / Livre / Livres

Anne Fuzeau Classique vous propose tous les textes théoriques, méthodes, traités, articles, partitions de musique classique concernant la Renaissance Française.Ces méthodes anciennes sont reproduites en fac-similé et regroupés en - quatre volumes.Anonyme (3 : Calvin ?) - EUCLIDE - Claude MARTIN - Michel de MENEHOU - Philibert JAMBE DE FER - PONTUS DE TYARD - Pierre VALLETTETable des matières :Tyard Pontus de : Solitaire second, ou prose de la musique - 1555Vallette Pierre : A tous fideles, desirans chanter - 1556Jambe de Fer Philibert : Epitome musical - 1556Martin Claude : Institution musicale - 1556Menehou Michel de : Nouvelle instruction familière - 1558Anonyme (attribué à J. Calvin) : Epistre à tous les chrestiens - c.1563Euclide : Le livre de la musique - 1566Téléchargez le catalogue Anne Fuzeau Classique / Méthodes Et Traîtés / 320 pages / niveau : 1 / Fac-Similés - Format: 24 X 33

Le Dictionnaire de la musique rend compte de l?histoire musicale des origines à nos jours. Privilégiant la musique classique occidentale, il présente en plus de 5 000 entrées : ? le compositeur, les interprètes, les facteurs d?instruments mais aussi les musicologues et les éditeurs ; ? les grands genres musicaux et les formes ; ? les instruments, les orchestres et les ensembles ; ? les termes de techniques musicales ; ? les grandes institutions (opéras, salles de spectacles?) ? les festivals, les grandes manifestations musicales.

L'Espace aux ombres : ce titre, emprunté au poète Henri Michaux, décrit une lente descente aux enfers qui prend la forme d'un rétrécissement inexorable, d'une confusion progressive du dehors et du dedans. Je n'ai pas pour autant voulu faire oeuvre de perdition ni transcrire une sorte d'hallucination ou d'image délirante. Le travail d'écriture ne fait qu'un avec celui de la conscience - il exprime un parti de lucidité jusque dans l'exploration des régions obscures de la condition humaine.Sans doute le titre et le propos sont-ils emblématiques d'une sensibilité d'époque. La recherche et la création musicales ont reflété durant près d'un demi-siècle un optimisme, une ambition de comprendre et de maîtriser l'univers dans sa totalité. Cet élan n'a pas résisté aux vicissitudes de l'histoire et les formes de symbolisation utopique se sont effacées devant les exigences d'un esprit particulariste et subjectif. Le conflit qui a opposé modernes et post-modernes peut trouver une issue positive, aboutir à une synthèse des styles et donner naîssance à une forme d'art originale.L'un des problèmes actuels de la création musicale me paraît être celui du réemploi de la tradition. Le rapport aux attaches n'appelle pas pour autant une redite assez vaine. En revanche, il est devenu nécessaire de réévaluer le métier, de reprendre le fil de l'histoire, sans éclectisme ni obsession technique. Comment renouer avec la tradition sans se prêter à la rénovation des formes traditionnelles ?Debussy avait proposé une solution, supprimant la rhétorique et les hiérarchies fonctionnelles pour affranchir à la fois les formes, les sonorités et les mouvements. Toute fragmentation chez Debussy - qu'elle s'applique aux mélismes, aux accents ou aux incises, aux textures orchestrales ou à la valeur sonore intrinsèque d'une note isolée - trouve sa contrepartie dans l'institution de relations nouvelles, insolites mais formalisées.A la suite de Debussy, le travail de formalisation s'est déplacé. Il s'est appliqué à des dimensions de l'écriture auparavant négligées, car elles apparaissent mineures et adventices. La formalisation introduit des articulations inédites et intègre des éléments disparates, hétérogènes et partiellement inassimilables entre eux.Le premier but de cette pièce est de différencier les caractères instrumentaux par l'harmonie. La matière brute du timbre est ainsi retravaillée et transformée en substance expressive. Les valeurs acoustiques et les fonctions harmoniques s'échangent, s'inversent, pivotent. De même la texture polyphonique n'est-elle qu'une façon d'introduire dans l'harmonie un jeu de déformations réglées. J'ai largement utilisé à cet effet les ressources génétiques de la symétrie, avec ses axes, ses rotations, ses mouvements latéraux, ses boucles. Il s'agissait donc de réduire les dimensions traditionnellement hétérogènes de l'écriture musicale à des espèces de symétrie.Le second dessein de cette pièce est d'ordre formel. La forme résulte d'un procédé qui, depuis Wagner, consiste à entretenir la tension en ne concluant jamais. Les facteurs de tension irrésolus se fondent les uns dans les autres pour constituer un ensemble d'un seul tenant. Cette technique de suspension généralisée, de résolution toujours différée, s'applique non seulement aux enchaînements, mais aux motifs eux-mêmes. Maintenus à l'état inchoatif, les dispositifs élémentaires s'offrent sous la forme de gestes à peine ébauchés. Les dimensions de l'écriture sont ainsi maintenues en confrontation perpétuelle, dans une sorte de tremblement initial ou d'indécision première. L'oscillation est primitive et empêche dans son principe de dominer la forme, de l'achever.Hugues DufourtEnregistrement:1 CD Accord, 465 715-2 The Watery Star - An Schwager Kronos - L'Espace aux OmbresEnsemble FA, D. MyAuteur : DUFOURT HuguesDiscipline/Instrument : ensembleSupport : PartitionStyle/Genre : contemporainDate de parution : juin-96Nombre de pages : 44 (A3)

À l'époque des années soixante, en pleine ascension de la musique sérielle, Raphaël Fumet se décide à écrire sa grande Symphonie de /'Ame, dans une totale liberté d'inspiration, bien au-delà du diktat des poncifs historiques de la création contemporaine de son temps, Démarche audacieuse, qui devait lui coûter des années de silence et d'ignorance absolue des institutions comme des divers supports médiatiques, réservés à la musique dite sérieuse,En effet selon lui, l'évolution, qui est le développement naturel d'une vie sur sa propre base, se détruit elle même si elle altère ses racines ou les dérange, Le progrès d'une entité n'est qu'un progrès par rapport à son passé, Nous constatons d'ailleurs que cette théorie métaphorique de la racine est une constante dans la pensée créatrice de Raphaël Fumet, En effet on peut constater que Mozart est dans Beethoven - Beethoven est dans Brahms - Wagner est dans Mahler ou même Debussy ou Schoenberg pour ne citer que les compositeurs les plus célèbres,La Symphonie de l'Ame intègre donc tout un passé musical, tout en le renouvelant, que ce soit par l'espace wagnérien, la subtilité d'un Debussy ou l'incandescence de son père Dynam-Victor Fumet, le tout dans une évidence immédiate qui fait oublier le labeur de l'artisan,Sa création fut pourtant longue, échelonnée sur plusieurs années, On peut considérer qu'elle comporte deux parties : la première extatique, reflète l'amour de l'auteur pour la beauté en incarnant, tel un explorateur de l'invisible, d'extraordinaires et sublimes visions sonores, La seconde est une rupture où cette sublimité est plongée dans le réel de la modernité dans une sorte de confrontation glorieuse et pathétique, / Orchestre Symphonique

Par LEVINAS MICHAEL. Précédé de Je, tu, il, prologue à La Métamorphose sur un texte de Valère Novarina. Au sortir d'un rêve agité, Grégor Samsa s'éveille pour vivre un véritable cauchemar, celui de sa transformation en énorme cancrelat. Tout le monde connaît cette nouvelle de Kafka - elle appartient désormais à nos mythologies contemporaines. L'idée d'en faire un opéra est tellement excitante qu'on en serait presque à se demander pourquoi une telle adaptation n'a encore jamais été tentée. Peut-être parce que la perspective donne le vertige et que l'histoire elle-même semble veiller à sa propre irreprésentabilité ? Il aura fallu attendre près d'un siècle pour que le texte se métamorphose en opéra grâce à Michaël Levinas et à l'équipe artistique qu'il a réunie. Avec Valère Novarina et Emmanuel Moses, le compositeur opère un travail sur la langue pour révéler sa vocalité lyrique. Le chant du 'sopraniste' Fabrice Di Falco et des autres interprètes est ensuite traité par des techniques d'hybridation informatiques [réalisées à l'Ircam, NDLR]. Toujours en quête 'd'une suggestion d'ébranlement dramatique dans la vibration du son' comme s'il y avait un 'au-delà du son dans le son', la musique de Levinas s'ouvre au fantastique. Ce sentiment de l'extraordinaire sera rendu palpable par les instrumentistes d'Ictus, imbattables quand il s'agit de faire advenir des univers inouïs. L'adaptation scénique est confiée à Stanislas Nordey, homme de théâtre insatiable découvreur de textes contemporains. Il s'est également distingué à l'occasion de nombreuses collaborations avec les plus grands compositeurs de notre temps, parmi lesquels Michaël Levinas. C'est en effet lui qui a mis en scène son précédent opéra composé à partir des Nègres de Jean Genet. www.opera-lille.fr Vidéo : http://culturebox.france3.fr Du lyrique dans la musique de Michaël Levinas ou le spectre sur la scène 'L'instant du réveil est le moment risqué entre tous : c'est celui où l'on franchit la frontière. Qui devient-on la nuit ? Que s'est-il passé dans le sommeil de Gregor pour qu'il en sorte ainsi changé en monstre ? Le réveil, c'est toujours l'entrée dans un monde enchanté.' Yannick Haenel (1) Le monde enchanté de Michaël Levinas est celui de ce moment risqué où peut naître un drame et, c'est là la partie visible de l'enchantement, des personnages chantent, vivent et meurent. Nous sommes à l'opéra. Comment le compositeur parvient-il aujourd'hui à relever en musique le défi de la scène ? Quels moyens musicaux convoque-t-il ? Quel monde harmonique et lyrique bâtit-il ? Car pour sonner à ce point juste sur les planches, il faut que le style lyrique du créateur vienne de bien loin, de profond, non pas d'une circonstance, mais de ce qu'il est musicalement, depuis longtemps, de ce qu'il poursuit assidûment dans son oeuvre. En 2011, avec La Métamorphose, son troisième ouvrage lyrique, Michaël Levinas a montré une nouvelle fois la maîtrise qu'il avait des données de l'opéra : l'opéra comme théâtre, l'opéra comme lieu où l'est ému par le chant, l'opéra comme institution où la création a sa place. Quand les spectateurs découvrent à l'opéra le personnage de Gregor imaginé par Michaël Levinas, ils ont déjà entendu un prologue. Intitulé Je, tu, il et composé sur un texte somptueux de Valère Novarina, ce prologue se trouve, dans le temps du récit, en lieu et place de la nuit, d'un rêve sans doute, avant le réveil de Gregor. Les spectateurs assistent à une allégorie des énonciations (les pronoms personnels chantent : 'je', 'tu' et 'il' deviennent un instant des personnages), enlevée, très vive, baroque. Le compositeur (celui qui choisit la succession dans le temps des événements du récit lyrique - Michaël Levinas a largement adapté la nouvelle de Kafka) confie à trois sopranos ce prologue. Ainsi le récit de La Métamorphose débute-t-il par autre chose que lui-même, un autre lyrique qui n'est pas le récit, qui n'est pas même un récit, mais qui prépare à l'écoute de la Passion de Gregor qui suit - l'infra-récit est la préfiguration de l'infra-homonidée kafkaïenne mourante que montrera La Métamorphose - avec toute la résonance de ce parti-pris dramaturgique dans l'histoire politique de l'humanité. Ce geste est théâtral autant que musical. Il est très caractéristique de la sensibilité du compositeur pour ce qui, dans la musique, induit le lyrisme, le lyrisme étant entendu ici comme la mise en oeuvre de 'toutes les puissances que recèle le verbe soumis au rythme et à la mélodie' (2). En un mot, la dimension théâtrale de l'opéra n'est pas reniée par Michaël Levinas - au contraire : elle est exaltée. Toutes les puissances que recèle le verbe aident le compositeur dans son projet lyrique. Si le chant naît du verbe chez Michaël Levinas, il faut considérer que les parties instrumentales aussi naissent du verbe. Aux parties instrumentales s'ajoutent les parties électroniques qui, dans La Métamorphose autant que dans Les Nègres, opéra de 2003 d'après la pièce éponyme de Jean Genêt, donnent au son ce statut irréel, magique nécessaire à tout lyrisme. Elles aussi sont pensées, écrites, composées comme un prolongement des données du langage. Dans La Métamorphose, la polyphonie vient essentiellement de la voix démultipliée de Gregor et cette démultiplication est autant instrumentale qu'électronique. Le chant - émouvant ô combien - de Gregor est un choral, sa voix est intermédiaire, ni la sienne seule, ni une pluralité identifiable. La voix de Gregor participe d'une singularité inaudible - un monstrueux bien au-delà de l'hybride - pour son entourage qui le conduit à mourir (par décence ? par abandon de ses proches ?). Il y eut dans Les Nègres 'un langage tambouriné tissant des liens entre les phonèmes de la langue et la percussion' (3) et dans cette veine, récemment, Le Poème battu - il y eut en 2008 les réussites madrigalistes de Le 'O' du haut et des Trois chansons pour la Loterie Pierrot et Jean Lagresle sur un texte de Valère Novarina - il y eut enfin, pour La Métamorphose, l'acmé (provisoire - telle est l'activité de création) de l'analyse et de la synthèse sonore par ordinateur de la voix parlée et chantée (4). Comment faire des mots eux-mêmes un chant, un drame, un opéra enfin ? C'est là tout l'enjeu de la poïétique de Michaël Levinas. Le poïen grec, c'est la réponse à la question du faire. Dès Go-Gol (1996) (5) -le titre, Go-Gol est déjà un jeu de décomposition / recomposition du nom de l'écrivain dont est tiré le livret, le compositeur fait du mot le ressort de sa dramaturgie musicale. Il est entré depuis dans le son du mot lui-même et applique au champ de la linguistique une démarche spectrale (6). Ainsi naît son matériau lyrique. Décortiquant les données des hauteurs, des syllabes, phonèmes et morphèmes, Michaël Levinas - avec l'aide d'un outil informatique de plus en plus puissant - en tire des tournoiements, des arabesques, des lignes qui entent une composition destinée à la scène. L'opéra est bien là un lieu de création. La pointe de ce qui constitue la création musicale - à la fois l'oeuvre d'un compositeur qui est la recherche d'une vie et les outils qu'il utilise en les faisant évoluer - est non seulement viable, mais éminemment émouvante à la scène : la palette que s'est constituée le musicien induit bel et bien cette vibration des affects que tout un chacun veut à l'opéra, toutes époques confondues. '(...) c'est à l'opéra que, paradoxalement, tend je dirais toute oeuvre instrumentale.' déclarait en 1982 le compositeur (7). En effet, l'oeuvre de Michaël Levinas offre de lire les étapes de cette conception et des recherches qu'elle appelle. Ancrée dans le langage, toute adonnée au théâtre, la lyre de Michaël Levinas allie l'exigence créatrice à la séduction parfois vénéneuse d'une émotion dramatisée avec art. Pour l'heure, le compositeur a fait de la syllabe son mystère. Du mystère naît le drame et, sur scène, d'une dramaturgie naît un mystère par lequel le compositeur nous impose son temps, non pas le temps d'un drame, mais le temps intérieur résonant - pour notre plus grand plaisir. Benoît Walther, novembre 2011 (1) Interview 'Yannick Haenel, pourquoi aimez-vous La Métamorphose ?', parue dans Kafka, La Métamorphose (page II), traduction et présentation par Bernard Lortholary, Garnier Flammarion, Paris, 2010, 103 pages. (2) Pierre Grimal, Le Lyrisme à Rome, Introduction (p.15), Presses Universitaires de France, Paris, 1978, 304 pages. (3) Notice de Michaël Levinas pour l'opéra Les Nègres, mai 2002. (4) Les parties électroniques de Les Nègres et de La Métamorphose ont été réalisées à l'Ircam. (5) Le compositeur parle alors de 'traitement animal' de la langue française (Autour de Go-Gol : forme, récit, textualité dans l'opéra contemporain, entretien avec Evelyne Andreani, in : cf note 7). (6) Est spectrale une musique fondée sur l'analyse du spectre du son : découle de cette analyse l'organisation des paramètres musicaux et, in fine, de toute la composition elle-même. Aujourd'hui, les sons analysés peuvent atteindre des degrés de complexité très grands : par exemple, dans le cas de Michaël Levinas, la pénétration du détail d'une énonciation chantée autant que parlée. (7) Michaël Levinas, 'Qu'est-ce que l'instrumental ?', texte prononcé à Darmstadt en juillet 1982, in Le Compositeur trouvère, Ecrits et entretiens (1982-2002), textes réunis et annotés par Pierre-Albert Castanet et Danielle Cohen-Levinas (p.33), L'Harmattan, Paris, 2002, 428 pages. / contemporain / Répertoire / Solistes, Choeur et Orchestre