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Quintette à Vent: flûte, Hautbois, basson, clarinette, Cor [ 611 ]
Quintette à Vent [ 481 ]
3 Clarinettes (trio) [ 397 ]
Clarinette Basse [ 288 ]
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Flûte, Clarinette (duo) [ 208 ]
Clarinette Basse, Piano [ 187 ]
Clarinette, Orchestre [ 183 ]
2 Clarinettes, Piano [ 181 ]
Instruments en Mib [ 162 ]
Quintette de Clarinette: Clarinette, Quatuor à Cordes [ 135 ]
Clarinette, Violoncelle, Piano (trio) [ 120 ]
Quintette de Clarinettes: 5 clarinettes [ 120 ]
Flûte, Clarinette, Piano (trio) [ 96 ]
Violon, Clarinette, Piano (trio) [ 94 ]
Hautbois, Clarinette, Basson (trio d'anches) [ 76 ]
Clarinette et Cordes [ 71 ]
Clarinette, Alto et Piano (trio) [ 61 ]
Clarinette, Guitare (duo) [ 56 ]
Quatuor de Clarinettes: Clarinette, Violon, Alto, Violoncell… [ 56 ]
Clarinette, Violon, Violoncelle, Piano [ 54 ]
Quatuor à Vent : 4 instruments à vents [ 50 ]
Clarinette, Basson (duo) [ 49 ]
Clairon et Piano [ 38 ]
2 Flûtes, 2 Clarinettes (Quatuor) [ 31 ]
Saxophone, Clarinette (duo) [ 29 ]
Quatuor Instruments Mixtes [ 27 ]
2 Clarinettes, Basson [ 26 ]
Clarinette, Violon (duo) [ 25 ]
Clarinette, Violoncelle (duo) [ 25 ]
Clarinette, Basson, Piano (trio) [ 24 ]
Trio à Vent: 3 instruments à vents [ 22 ]
Clarinette, Trompette (duo) [ 19 ]
Hautbois, Clarinette (duo) [ 18 ]
3 Clarinettes, Piano [ 17 ]
Clarinette, Saxophone, Piano [ 16 ]
Clarinette, trompette et piano [ 16 ]
Clarinette, Cor, Piano [ 14 ]
Violon, Violoncelle, Clarinette [ 14 ]
Voix, Clarinette, Piano [ 14 ]
Clarinette et Accordéon [ 12 ]
Clarinette, Alto et Violoncelle [ 12 ]
Clarinette, Harpe (duo) [ 11 ]
Clarinette, Orgue [ 11 ]
Clarinette, Trombone (duo) [ 11 ]
Guitare, Flûte, Clarinette [ 11 ]
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Clarinette, Quatuor à cordes et Piano [ 10 ]
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Clarinette et Marimba [ 9 ]
Clarinette et Alto [ 8 ]
Clarinette (partie séparée) [ 5 ]
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Michael Jarrell Si la voix est absente d'Essaims-cribles, le texte y est quant à lui inscrit: des vers de Patrick Weidmann, poète et peintre, ami de Jarrell, talonnent en effet la partition. Impulsion poétique plus que programme (l'oeuvre est conçue pour le ballet, mais pensée encore une fois en termes de 'mouvement, figures géométriques'), il sert de titre aux différentes parties: ESSAIMS-CRIBLES INHALE D'URGENCE TEMPETE-ARC D'ANGLE S'IMMISCE A PERTE LONGITUDE CURVISME ABATTU TANGENCE FACIALE ENTRE RESSACS ENTAMES APESANTEUR DEFAITE La première phrase du poème, qui devient le titre de l'oeuvre, est aussi une image explicite d'un des procédés d'écriture utilisés par le compositeur: les 'essaims' sont des 'rubans' de notes enchaînées rapidement et en valeurs rythmiques égales (matériau repris au début d'Assonance, pour clarinette seule, et fournissant l'un des multiples exemples de la tendance 'rhizomatique' de l'oeuvre de Jarrell). La répartition statistique des hauteurs dans un ambitus donné - autour de l'octave - rappelle certains procédés utilisés par Ligeti. Le 'crible' consiste à éliminer ces notes pour ne garder que certaines hauteurs, et résulte en une fixation sur des hauteurs privilégiées, matérialisée le plus souvent sous forme de séquences en notes répétées. Intervient alors un jeu de dosage entre 'rubans' de notes et notes répétées. La clarinette basse soliste émerge de cette texture globale à la mesure 13, perçue comme soliste à partir de l'élargissement soudain de l'ambitus dans lequel elle évolue. Les différentes parties désignées par les vers du poème correspondent nettement à des changements de textures et donnent l'impression de répondre également au traitement local de petites structures. A la mesure 49, les rubans seront repris avec une plus grande amplitude pour aboutir à des figures plus irrégulières, plus sporadiques. Au fragment de texte 's'immisce' correspond un solo de clarinette basse où se déploie une belle ligne mélodique aux intervalles tendus, dont Jarrell précise qu'il doit être 'très lyrique'. La section 'longitude' (lettres H à M) constitue un premier exemple de ces passages en suspension qui sont comme une parenthèse hors temps dans le déroulement de la pièce. On y rencontre un alliage de sons résonants, de sons multiphoniques, de jeu de cordes flautando ou en harmoniques, de trilles en multiphoniques à la clarinette basse, de tenues légères aux bois. La fin de l'oeuvre fournit un nouvel exemple de suspension du discours. Si le relatif statisme de la texture sert à ménager dans '...entre ressacs entamés' (lettre T) un arrière-plan sur lequel se dégagera le solo de clarinette contrebasse (mes. 285), le fragment poétique associé à la dernière section ('apesanteur défaite', lettre X) apparaît comme un véritable programme, tant est manifeste la sensation d'échapper à une force de gravité musicale. Le corollaire de cet état d'apesanteur est une impression de débrayage temporel momentané, une échappée hors temps directionnel. Par un jeu subtil de fausses répétitions et de faux repères cycliques - les transformations, qui affectent à la fois le rythme, la disposition harmonique et la présentation mélodique, produisent un paysage toujours changeant -, Jarrell parvient à créer une ambiance hypnotique proche de celle que procure l'observation des lents mouvements d'un mobile. On notera au passage le clin d'oeil discret au thème célèbre du générique de la série télévisée 'Mission impossible' ! La répétition est un des aspects importants d'Essaims-cribles, et elle intervient à plusieurs niveaux. A l'échelle de la forme globale, on peut déceler aux deux tiers de la pièce (lettre R) un retour à la situation initiale, mais sous forme condensée. De même certaines séquences de notes balisent le discours par leur récurrence. A l'échelle locale, on retiendra le principe observable à la dernière page de la partition: une section de quatre mesures reprise ad libitum au moins trois fois, avec un decrescendo progressif. Ce type de fin, assez fréquent chez le compositeur, sera développé dans Assonance V. Pierre Rigaudière, extrait du livret du disque Music for a While (aeon). / contemporain / Répertoire / Clarinette Basse et Ensemble
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Par DRUEL GUILLAUME. Animaux minute, ce sont 60 pièces très courtes (1 à 2 minutes) pour clarinette seule, prévues pour accompagner un élève dès le début de son apprentissage, et tout au long de sa progression jusqu'aux niveaux les plus avancés. Ce n'est pas une méthode d'apprentissage, mais une série de 'vignettes', dans lesquelles on pourra choisir un morceau pour une audition, un examen... ou juste pour le plaisir. Au fil des morceaux apparaissent çà et là des éléments particuliers du langage musical, certains communs à nombre d?instruments, d?autres plus spécifiques à la clarinette. Par exemple, et dès la première page, on trouvera des appoggiatures brèves, et aussi une portée sans indication de mesure... Plus loin une note piquée, une syncope, puis deux... Tiens, un quintolet, tiens, un doigté spécial, Ici un '3 pour 2', un trille... Là, une douzième, une cadence, un do bémol... donc ça existe ' Il faut croire ! Et plus loin, un Flatter... quoi ' Ah ' Ici on joue à la croche, plus tard on jouera à la blanche, à la blanche pointée... Ces petites découvertes sont distillées une par une, 'tranquillamente', couche après couche, et elles sont là non pas comme un simple prétexte d'exercice, mais parce qu'elles sont nécessaires à la musique. Les animaux proposent souvent leur rythme, leur chant, leur activité frénétique ou lente ; il y a leur milieu (l'eau, l'air qui ondulent...), leur localisation (l'Orient, l'Afrique et leurs parfums...); autant de pistes que j'ai pu suivre comme sources d'inspiration. Tout ce petit monde, tous ces petits mondes organisent le temps, le remplissent et le vident. Et organiser le temps, ne serait-ce pas ça, la musique ' Nous sommes principalement des tubes où passent des aliments, avec quelques appendices autour pour organiser la collecte desdits aliments. Chez les humains, ces appendices permettent aussi de jouer des instruments de musique. Guillaume Druel Les pièces sont présentées en 3 volumes : Volume 1 (Cycle 1) pièces 1 à 20 - durée 26 minutes Volume 2 (Cycle 2) pièces 21 à 40 - durée 28 minutes 30 Volume 3 (Cycle 3 et plus) pièces 41 à 60 - durée 28 minutes/ Recueil / Clarinette Bb
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Par DRUEL GUILLAUME. Animaux minute, ce sont 60 pièces très courtes (1 à 2 minutes) pour flûte seule, initialement composées pour la clarinette, et pensées pour accompagner un élève dès le début de son apprentissage, et tout au long de sa progression jusqu'aux niveaux les plus avancés. Ce n'est pas une méthode d'apprentissage, mais une série de 'vignettes', dans lesquelles on pourra choisir un morceau pour une audition, un examen... ou juste pour le plaisir. Au fil des morceaux apparaissent çà et là des éléments particuliers du langage musical. Par exemple, et dès la première page, on trouvera des appoggiatures brèves, et aussi une portée sans indication de mesure... Plus loin une note piquée, une syncope, puis deux... Tiens, un quintolet, tiens, un trille... Là, une cadence, un do bémol... donc ça existe ? Il faut croire ! Et plus loin, un Flatter... quoi ? Ah ? Ici on joue à la croche, plus tard on jouera à la blanche, à la blanche pointée... Ces petites découvertes sont distillées une par une, 'tranquillamente', couche après couche, et elles sont là non pas comme un simple prétexte d'exercice, mais parce qu'elles sont nécessaires à la musique. Les animaux proposent souvent leur rythme, leur chant, leur activité frénétique ou lente ; il y a leur milieu (l'eau, l'air qui ondulent...), leur localisation (l'Orient, l'Afrique et leurs parfums...); autant de pistes que j'ai pu suivre comme sources d'inspiration. Tout ce petit monde, tous ces petits mondes organisent le temps, le remplissent et le vident. Et organiser le temps, ne serait-ce pas ça, la musique ? Nous sommes principalement des tubes où passent des aliments, avec quelques appendices autour pour organiser la collecte desdits aliments. Chez les humains, ces appendices permettent aussi de jouer des instruments de musique. Guillaume Druel/ Recueil / Flûte Traversière
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Par DRUEL GUILLAUME. Animaux minute, ce sont 60 pièces très courtes (1 à 2 minutes) pour flûte seule, initialement composées pour la clarinette, et pensées pour accompagner un élève dès le début de son apprentissage, et tout au long de sa progression jusqu'aux niveaux les plus avancés. Ce n'est pas une méthode d'apprentissage, mais une série de 'vignettes', dans lesquelles on pourra choisir un morceau pour une audition, un examen... ou juste pour le plaisir. Au fil des morceaux apparaissent çà et là des éléments particuliers du langage musical. Par exemple, et dès la première page, on trouvera des appoggiatures brèves, et aussi une portée sans indication de mesure... Plus loin une note piquée, une syncope, puis deux... Tiens, un quintolet, tiens, un trille... Là, une cadence, un do bémol... donc ça existe ? Il faut croire ! Et plus loin, un Flatter... quoi ? Ah ? Ici on joue à la croche, plus tard on jouera à la blanche, à la blanche pointée... Ces petites découvertes sont distillées une par une, 'tranquillamente', couche après couche, et elles sont là non pas comme un simple prétexte d'exercice, mais parce qu'elles sont nécessaires à la musique. Les animaux proposent souvent leur rythme, leur chant, leur activité frénétique ou lente ; il y a leur milieu (l'eau, l'air qui ondulent...), leur localisation (l'Orient, l'Afrique et leurs parfums...); autant de pistes que j'ai pu suivre comme sources d'inspiration. Tout ce petit monde, tous ces petits mondes organisent le temps, le remplissent et le vident. Et organiser le temps, ne serait-ce pas ça, la musique ? Nous sommes principalement des tubes où passent des aliments, avec quelques appendices autour pour organiser la collecte desdits aliments. Chez les humains, ces appendices permettent aussi de jouer des instruments de musique. Guillaume Druel/ Recueil / Flûte Traversière
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Animaux minute, ce sont 60 pièces très courtes (1 à 2 minutes) pour clarinette seule, prévues pour accompagner un élève dès le début de son apprentissage, et tout au long de sa progression jusqu'aux niveaux les plus avancés. Ce n'est pas une méthode d'apprentissage, mais une série de vignettes , dans lesquelles on pourra choisir un morceau pour une audition, un examen... ou juste pour le plaisir.Au fil des morceaux apparaissent çà et là des éléments particuliers du langage musical, certains communs à nombre d'instruments, d'autres plus spécifiques à la clarinette. Par exemple, et dès la première page, on trouvera des appoggiatures brèves, et aussi une portée sans indication de mesure... Plus loin une note piquée, une syncope, puis deux... Tiens, un quintolet, tiens, un doigté spécial, Ici un 3 pour 2 , un trille... Là, une douzième, une cadence, un do bémol... donc ça existe ? Il faut croire ! Et plus loin, un Flatter... quoi ?Ah ? Ici on joue à la croche, plus tard on jouera à la blanche, à la blanche pointée...Ces petites découvertes sont distillées une par une, tranquillamente , couche après couche, et elles sont là non pas comme un simple prétexte d'exercice, mais parce qu'elles sont nécessaires à la musique. Les animaux proposent souvent leur rythme, leur chant, leur activité frénétique ou lente - il y a leur milieu (l'eau, l'air qui ondulent...), leur localisation (l'Orient, l'Afrique et leurs parfums...) - autant de pistes que j'ai pu suivre comme sources d'inspiration.Tout ce petit monde, tous ces petits mondes organisent le temps, le remplissent et le vident. Et organiser le temps, ne serait-ce pas ça, la musique ?Nous sommes principalement des tubes où passent des aliments, avec quelques appendices autour pour organiser la collecte desdits aliments. Chez les humains, ces appendices permettent aussi de jouer des instruments de musique. Guillaume DruelLes pièces sont présentées en 3 volumes :Volume 1 (Cycle 1)pièces 1 à 20 - durée 26 minutesVolume 2 (Cycle 2)pièces 21 à 40 - durée 28 minutes 30 Volume 3 (Cycle 3 et plus)pièces 41 à 60 - durée 28 minutes / Clarinette / Lemoine
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Collection 'Carnets du 21e siècle'.6 pièces pour piano solo.- Récit- Mécanis...
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Collection 'Carnets du 21e siècle'.6 pièces pour piano solo.- Récit- Mécanisme à 'cinq-huit'- Harmoni(qu)es sympathi(qu)es- Valse esqui(s)se- D'une gondole oubliée - (Des)accords1 à 4 mn par pièce.Ce recueil, extrêmement varié, permet au pianiste d'aborder un langage contemporain original...Ce recueil, extrêmement varié, permet au pianiste d'aborder un langage contemporain original.Les différentes pièces de Piano Traces font appel à l'essentiel des acquis pianistiques du 2o cycle : notes répétées, études de sonorités, travail rythmique, contrastes dynamiques, exploration de toute l'étendue du clavier (Valse esqui(s)e intègre même un instrument de percussion joué par le pianiste lui-même).Les différentes pièces peuvent être jouées indépendamment les unes des autres ou faire l'objet d'une seule et même oeuvre.Et au-delà des aspects purement techniques, c'est bien de musique qu'il s'agit ! Une musique pour l'oreille, exigeante sans être rébarbative, originale sans être déconcertante.' La vision première de l'oeuvre est sonore, fugace, violente et définitive. Et puis... et puis vient le temps de l'écriture...une errance chargée d'encre et de papier, tentative d'écrire dans sa propre langue ce qu'on ne sait pas encore écrire 'Né en 1960 à Perpignan, Bruno Giner commence ses études musicales à Toulouse, puis dans sa ville natale et à Barcelone. A Paris, il suit régulièrement les cours de Pierre Boulez au Collège de France et travaille la composition (électroacoustique et instrumentale) successivement avec Luis de Pablo, Ivo Malec et Brian Ferneyhough.Aujourd'hui, ses oeuvres sont jouées dans de nombreux festivals français et internationaux, et sont interprétées par différents ensembles de musique contemporaine (Aleph, Sic, Fa, L'instant donné, Grame, Nomos, Motus, Intercontemporain, Quatuor Arditti, Klangheimlich, Frullato, Xasax, Ars Nova Nürnberg, Ixtla, Slowind). ' Ce n'est pas la moindre qualité de la musique de Bruno Giner que de nous permettre de mesurer l'étendue de nos préjugés (enfin, je parle pour moi), a écrit Bertrand Dubedout. Restons à l'écoute. Ce compositeur, dont la réflexion et la démarche se nourrissent aussi bien de Boulez ou Ferneyhough, que de Schaeffer ou de Malec, et qu'une insatiable curiosité conduit aussi bien chez Schumann ou Machaut que chez les Pygmées, nous réserve encore bien des surprises, nous mijote bien des émerveillements 'Son catalogue comporte des pièces pour solistes, des partitions de musique de chambre, de la musique vocale, orchestrale, des oeuvres pour l'apprentissage, etc. Sa musique révèle un caractère charnel, parfois virtuose, une énergie canalisée par la formalisation d'une écriture rigoureuse qui n'empêche pas un travail plus empirique sur la morphologie et la matière sonore.En 1998, Bruno Giner reçoit le Prix Hervé Dugardin décerné par la SACEM pour l'ensemble de son oeuvre.Parmi ses dernières compositions, citons Paraphrase sur ' Guernica ' de Paul Dessau pour clarinette, violoncelle, piano et percussions (2003), TCP 17 pour harpe, guitare et mandoline (2005), Clameurs, concertino pour deux percussions et ensemble à vents (2006), Charlie opéra de chambre d'après Matin brun de Franck Pavloff (2007), Extra pour huit violoncelles (2007-2008), Quatuor #3 pour quatuor à cordes et percussion (2008). Parallèlement à ses activités compositionnelles, Bruno Giner a régulièrement collaboré à différentes revues musicales, encyclopédies ou labels discographiques (The New Grove, La Lettre du Musicien, Les cahiers du CIREM, Musica falsa, Motus, etc). Par ailleurs, il signe trois livres : Musique contemporaine : le second vingtième siècle (Editions Durand, 2000), Toute la musique ' (Editions Autrement Junior, 2003), De Weimar à Térézine 1933-1945 : l'épuration musicale (Editions Van de Velde, 2006). / Clavier, Piano Et Solo
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Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre
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Schon Lacht Der Holde Fruehling K. 583 (MOZART WOLFGANG AMADEUS)
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Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Le 'Köchel' indique toujours l'autographe d'air de Mozart tant apprécié, mais a étiqueté 'manquantes' depuis 1964. La 'Neue Mozart Ausgabe-' n'était donc plus en mesure de prendre en considération. Maintenant, cependant, le manuscrit a réapparu et a été utilisé comme une source authentique pour cette nouvelle édition (1997). préface 'Eine Aria in die Oper, der von Balbier Seviglien. Für MADAME Hoffer. 2 Violini, viole, 2 Clarinetti, 2 Fagotti, 2 Corni e Bassi. Schon lacht Frühling der Holde.' Cette entrée dans le catalogue de Wolfgang Amadeus Mozart travail manuscrite se trouve sous la date du 17 Septembre 1789. Toutefois, étant donné que la performance prévue d'un accord allemand de Barbier de Paisiello a été apparemment abandonné, Mozart semble avoir mis de côté la pièce sans l'achever. Josepha Hofer (née Weber), le plus jeune soeur Constanze Mozart, était d'avoir chanté cet air, destiné à Rosina. En tant que membre de la Freihaustheater Schikaneder, elle a chanté la Reine de la Nuit à la première représentation de la Flûte enchantée. En plus de la partie vocale, le score fragmentaires ne contient que la ligne de basse ainsi que des répliques instrumentales pour une orchestration avenir. La version de l'éditeur orchestralement complété, délivré par le même éditeur, est basé sur le manuscrit autographe conservé à la Österreichische Nationalbibliothek à Vienne. Cette autographe a été redécouvert qu'en 1988. Nous avons poursuivi nos efforts pour fournir un son mozartien dans la réalisation instrumentale de la partition tout en préparant cet arrangement pour soprano, clarinette et piano. Depuis la première clarinette tisse à plusieurs reprises autour de la partie de soprano dans thr version orchestrale, il semblait parfaitement naturel producc l'arrangement actuel. En outre, il apportera inévitablement à l'esprit de Franz Schubert Der Hirt auf dem Felsen (même clé, section du milieu en sol mineur). Nous tenons à remercier la Österreichische Nationalbibliothek à Vienne pour mettre des copies de la source à notre disposition. Franz Beyer Munich, printemps 1997/ Répertoire / Alto
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Soprano, clarinette, piano, percussion, violon, violoncelle.Durée : 30 mn' Charlie ' : fable musicale d'après Matin brun de Franck Pavloff, composée pour l'ensemble Aleph par Bruno Giner.Résumé de l'action :Charlie et son copain vivent une période troublée par la montée d'un régime totalitaire : l'Etat brun...Charlie et son copain vivent une période troublée par la montée d'un régime totalitaire : l'Etat brun. L'Etat brun a décrété arbitrairement de supprimer tous les chats qui ne sont pas brun. Quelque temps après, il en est de même pour les chiens, les journaux, les maisons d'édition et les bibliothèques. Bientôt la milice arrête tous les propriétaires de chiens et de chats non conformes. Néanmoins, Charlie et son copain continuent à vivre d'une façon très ordinaire, entre tiercé, jeux de cartes, match de foot et autres moments de la vie quotidienne. Ni des héros, ni des salauds. Simplement, pour éviter les ennuis, ils détournent les yeux et acceptent chaque nouvelle contrainte.' En 2003 je découvre par hasard Matin Brun de Franck Pavloff, courte nouvelle de quelques pages qui décrit à la fois la montée d'un régime totalitaire et la réaction - où plus exactement l'absence de réaction - des protagonistes, à savoir Charlie et son copain. C'est un texte extrêmement simple (presque un conte pour enfants), lisible en quelques minutes et pourtant capable de générer de longues heures de réflexion'Composé pour l'ensemble Aleph, Matin Brun s'est transformé en Charlie, sorte de fable musicale contemporaine à un seul personnage (le copain de Charlie) où se côtoient récitatifs, chansons, slogans, airs, choeurs parlés ou chantés, collages, citations, etc.Délibérément issu des petites formes opératiques des années 1920/1930 Charlie est une tentative de réponse à plusieurs questions qui me taraudent l'oreille autant que l'esprit : comment porter musicalement un texte qui a du sens ' Comment mettre en résonance musique savante et populaire ' Comment métisser le langage musical sans tomber pour autant dans le désuet ou le plagiat ' Comment gérer le rapport atonal-tonal-modal et lui donner une signification ' Quel rôle pour les instrumentistes dans une dramaturgie qui n'est pas tout à fait du théâtre musical et encore moins de la musique pour le théâtre ' Bref, comment s'approprier une certaine forme de post-modernité lorsqu'on a été ' biberonné ' aux avant-gardes de l'après guerre ' '' La vision première de l'oeuvre est sonore, fugace, violente et définitive. Et puis... et puis vient le temps de l'écriture...une errance chargée d'encre et de papier, tentative d'écrire dans sa propre langue ce qu'on ne sait pas encore écrire 'Né en 1960 à Perpignan, Bruno Giner commence ses études musicales à Toulouse, puis dans sa ville natale et à Barcelone. A Paris, il suit régulièrement les cours de Pierre Boulez au Collège de France et travaille la composition (électroacoustique et instrumentale) successivement avec Luis de Pablo, Ivo Malec et Brian Ferneyhough.Aujourd'hui, ses oeuvres sont jouées dans de nombreux festivals français et internationaux, et sont interprétées par différents ensembles de musique contemporaine (Aleph, Sic, Fa, L'instant donné, Grame, Nomos, Motus, Intercontemporain, Quatuor Arditti, Klangheimlich, Frullato, Xasax, Ars Nova Nürnberg, Ixtla, Slowind). ' Ce n'est pas la moindre qualité de la musique de Bruno Giner que de nous permettre de mesurer l'étendue de nos préjugés (enfin, je parle pour moi), a écrit Bertrand Dubedout. Restons à l'écoute. Ce compositeur, dont la réflexion et la démarche se nourrissent aussi bien de Boulez ou Ferneyhough, que de Schaeffer ou de Malec, et qu'une insatiable curiosité conduit aussi bien chez Schumann ou Machaut que chez les Pygmées, nous réserve encore bien des surprises, nous mijote bien des émerveillements 'Son catalogue comporte des pièces pour solistes, des partitions de musique de chambre, de la musique vocale, orchestrale, des oeuvres pour l'apprentissage, etc. Sa musique révèle un caractère charnel, parfois virtuose, une énergie canalisée par la formalisation d'une écriture rigoureuse qui n'empêche pas un travail plus empirique sur la morphologie et la matière sonore.En 1998, Bruno Giner reçoit le Prix Hervé Dugardin décerné par la SACEM pour l'ensemble de son oeuvre.Parmi ses dernières compositions, citons Paraphrase sur ' Guernica ' de Paul Dessau pour clarinette, violoncelle, piano et percussions (2003), TCP 17 pour harpe, guitare et mandoline (2005), Clameurs, concertino pour deux percussions et ensemble à vents (2006), Charlie opéra de chambre d'après Matin brun de Franck Pavloff (2007), Extra pour huit violoncelles (2007-2008), Quatuor #3 pour quatuor à cordes et percussion (2008). Parallèlement à ses activités compositionnelles, Bruno Giner a régulièrement collaboré à différentes revues musicales, encyclopédies ou labels discographiques (The New Grove, La Lettre du Musicien, Les cahiers du CIREM, Musica falsa, Motus, etc). Par ailleurs, il signe trois livres : Musique contemporaine : le second vingtième siècle (Editions Durand, 2000), Toute la musique ' (Editions Autrement Junior, 2003), De Weimar à Térézine 1933-1945 : l'épuration musicale (Editions Van de Velde, 2006). / Musique De Chambre Et Quintette
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Par DUFOURT HUGUES. L'éclair tue le mouvement. La nature est sous narcose. Seule la couleur est gagnée par une mobilité impondérable, incoercible, qui dissout les modelés et les précipite dans une lumière brune. La teinte ne s'apparente à rien: verdâtre tirant au vieil or, elle n'est pas de ce monde. Peut-être appartient-elle aux cieux les plus sombres de la métaphysique. L'orage est une parenthèse: un instant de réceptivité pure qui n'annonce aucun ressaisissement. Au seuil de la démesure. Comment suggérer, avec des sons, cette matérialisation de l'effroi par l'imprégnation et la fluence ? Les registres graves des instruments à vent - flûte contrebasse, clarinette contrebasse, cor anglais et trombone - se déploient dans un temps très lent, de pesanteur et d'engourdissement. L'émission est ample et permet le recouvrement mutuel des masses, le traitement en quelque sorte atmosphérique du timbre. Ce trait est accentué par l'emploi de la lutherie électronique qui dresse, en arrière-plan, un champ de valeurs tensionnelles. La sonorité du vibraphone, de la guitare ou de l'orgue électrique ne diffuse pas dans l'espace, elle aurait plutôt tendance à le contracter. D'où l'intérêt paradoxal que pouvait présenter la confrontation de tous ces instruments. La transposition musicale ne se limite pas à la recherche d'un équivalent onirique. J'ai voulu, un peu comme Giorgione l'avait fait pour la couleur, arracher le timbre à son caractère subalterne ou anecdotique. Le timbre prescrit sa forme. L'ébranlement d'une colonne sonore de clarinette contrebasse, par exemple, mobilise toute une dynamique ascensionnelle - souffle, grain, intensité, hauteur - qu'elle soumet à un régime de fluctuations intenses. La simple émission d'un son grave d'un instrument provoque un phénomène de tension agogique. Le timbre constitue un milieu dense, oscillant, fortement polarisé, régi par un ordre de différenciation interne. Il dilate un espace intérieur qui semble se prolonger au-delà de lui- même. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 1976-01-01/ Répertoire / Ensemble Instrumental et Petit Orchestre
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