SKU: LM.JJ11804
ISBN 9790230811804.
SKU: LM.JJ11965
ISBN 9790230811965.
SKU: CF.WF229
ISBN 9781491153789. UPC: 680160911288.
Intro duction Gustave Vogt's Musical Paris Gustave Vogt (1781-1870) was born into the Age of Enlightenment, at the apex of the Enlightenment's outreach. During his lifetime he would observe its effect on the world. Over the course of his life he lived through many changes in musical style. When he was born, composers such as Mozart and Haydn were still writing masterworks revered today, and eighty-nine years later, as he departed the world, the new realm of Romanticism was beginning to emerge with Mahler, Richard Strauss and Debussy, who were soon to make their respective marks on the musical world. Vogt himself left a huge mark on the musical world, with critics referring to him as the grandfather of the modern oboe and the premier oboist of Europe. Through his eighty-nine years, Vogt would live through what was perhaps the most turbulent period of French history. He witnessed the French Revolution of 1789, followed by the many newly established governments, only to die just months before the establishment of the Third Republic in 1870, which would be the longest lasting government since the beginning of the revolution. He also witnessed the transformation of the French musical world from one in which opera reigned supreme, to one in which virtuosi, chamber music, and symphonic music ruled. Additionally, he experienced the development of the oboe right before his eyes. When he began playing in the late eighteenth century, the standard oboe had two keys (E and Eb) and at the time of his death in 1870, the System Six Triebert oboe (the instrument adopted by Conservatoire professor, Georges Gillet, in 1882) was only five years from being developed. Vogt was born March 18, 1781 in the ancient town of Strasbourg, part of the Alsace region along the German border. At the time of his birth, Strasbourg had been annexed by Louis XIV, and while heavily influenced by Germanic culture, had been loosely governed by the French for a hundred years. Although it is unclear when Vogt began studying the oboe and when his family made its move to the French capital, the Vogts may have fled Strasbourg in 1792 after much of the city was destroyed during the French Revolution. He was without question living in Paris by 1798, as he enrolled on June 8 at the newly established Conservatoire national de Musique to study oboe with the school's first oboe professor, Alexandre-Antoine Sallantin (1775-1830). Vogt's relationship with the Conservatoire would span over half a century, moving seamlessly from the role of student to professor. In 1799, just a year after enrolling, he was awarded the premier prix, becoming the fourth oboist to achieve this award. By 1802 he had been appointed repetiteur, which involved teaching the younger students and filling in for Sallantin in exchange for a free education. He maintained this rank until 1809, when he was promoted to professor adjoint and finally to professor titulaire in 1816 when Sallantin retired. This was a position he held for thirty-seven years, retiring in 1853, making him the longest serving oboe professor in the school's history. During his tenure, he became the most influential oboist in France, teaching eighty-nine students, plus sixteen he taught while he was professor adjoint and professor titulaire. Many of these students went on to be famous in their own right, such as Henri Brod (1799-1839), Apollon Marie-Rose Barret (1804-1879), Charles Triebert (1810-1867), Stanislas Verroust (1814-1863), and Charles Colin (1832-1881). His influence stretches from French to American oboe playing in a direct line from Charles Colin to Georges Gillet (1854-1920), and then to Marcel Tabuteau (1887-1966), the oboist Americans lovingly describe as the father of American oboe playing. Opera was an important part of Vogt's life. His first performing position was with the Theatre-Montansier while he was still studying at the Conservatoire. Shortly after, he moved to the Ambigu-Comique and, in 1801 was appointed as first oboist with the Theatre-Italien in Paris. He had been in this position for only a year, when he began playing first oboe at the Opera-Comique. He remained there until 1814, when he succeeded his teacher, Alexandre-Antoine Sallantin, as soloist with the Paris Opera, the top orchestra in Paris at the time. He played with the Paris Opera until 1834, all the while bringing in his current and past students to fill out the section. In this position, he began to make a name for himself; so much so that specific performances were immortalized in memoirs and letters. One comes from a young Hector Berlioz (1803-1865) after having just arrived in Paris in 1822 and attended the Paris Opera's performance of Mehul's Stratonice and Persuis' ballet Nina. It was in response to the song Quand le bien-amie reviendra that Berlioz wrote: I find it difficult to believe that that song as sung by her could ever have made as true and touching an effect as the combination of Vogt's instrument... Shortly after this, Berlioz gave up studying medicine and focused on music. Vogt frequently made solo and chamber appearances throughout Europe. His busiest period of solo work was during the 1820s. In 1825 and 1828 he went to London to perform as a soloist with the London Philharmonic Society. Vogt also traveled to Northern France in 1826 for concerts, and then in 1830 traveled to Munich and Stuttgart, visiting his hometown of Strasbourg on the way. While on tour, Vogt performed Luigi Cherubini's (1760-1842) Ave Maria, with soprano Anna (Nanette) Schechner (1806-1860), and a Concertino, presumably written by himself. As a virtuoso performer in pursuit of repertoire to play, Vogt found himself writing much of his own music. His catalog includes chamber music, variation sets, vocal music, concerted works, religious music, wind band arrangements, and pedagogical material. He most frequently performed his variation sets, which were largely based on themes from popular operas he had, presumably played while he was at the Opera. He made his final tour in 1839, traveling to Tours and Bordeaux. During this tour he appeared with the singer Caroline Naldi, Countess de Sparre, and the violinist Joseph Artot (1815-1845). This ended his active career as a soloist. His performance was described in the Revue et gazette musicale de Paris as having lost none of his superiority over the oboe.... It's always the same grace, the same sweetness. We made a trip to Switzerland, just by closing your eyes and listening to Vogt's oboe. Vogt was also active performing in Paris as a chamber and orchestral musician. He was one of the founding members of the Societe des Concerts du Conservatoire, a group established in 1828 by violinist and conductor Francois-Antoine Habeneck (1781-1849). The group featured faculty and students performing alongside each other and works such as Beethoven symphonies, which had never been heard in France. He also premiered the groundbreaking woodwind quintets of Antonin Reicha (1770-1836). After his retirement from the Opera in 1834 and from the Societe des Concerts du Conservatoire in 1842, Vogt began to slow down. His final known performance was of Cherubini's Ave Maria on English horn with tenor Alexis Dupont (1796-1874) in 1843. He then began to reflect on his life and the people he had known. When he reached his 60s, he began gathering entries for his Musical Album of Autographs. Autograph Albums Vogt's Musical Album of Autographs is part of a larger practice of keeping autograph albums, also commonly known as Stammbuch or Album Amicorum (meaning book of friendship or friendship book), which date back to the time of the Reformation and the University of Wittenberg. It was during the mid-sixteenth century that students at the University of Wittenberg began passing around bibles for their fellow students and professors to sign, leaving messages to remember them by as they moved on to the next part of their lives. The things people wrote were mottos, quotes, and even drawings of their family coat of arms or some other scene that meant something to the owner. These albums became the way these young students remembered their school family once they had moved on to another school or town. It was also common for the entrants to comment on other entries and for the owner to amend entries when they learned of important life details such as marriage or death. As the practice continued, bibles were set aside for emblem books, which was a popular book genre that featured allegorical illustrations (emblems) in a tripartite form: image, motto, epigram. The first emblem book used for autographs was published in 1531 by Andrea Alciato (1492-1550), a collection of 212 Latin emblem poems. In 1558, the first book conceived for the purpose of the album amicorum was published by Lyon de Tournes (1504-1564) called the Thesaurus Amicorum. These books continued to evolve, and spread to wider circles away from universities. Albums could be found being kept by noblemen, physicians, lawyers, teachers, painters, musicians, and artisans. The albums eventually became more specialized, leading to Musical Autograph Albums (or Notestammbucher). Before this specialization, musicians contributed in one form or another, but our knowledge of them in these albums is mostly limited to individual people or events. Some would simply sign their name while others would insert a fragment of music, usually a canon (titled fuga) with text in Latin. Canons were popular because they displayed the craftsmanship of the composer in a limited space. Composers well-known today, including J. S. Bach, Telemann, Mozart, Beethoven, Dowland, and Brahms, all participated in the practice, with Beethoven being the first to indicate an interest in creating an album only of music. This interest came around 1815. In an 1845 letter from Johann Friedrich Naue to Heinrich Carl Breidenstein, Naue recalled an 1813 visit with Beethoven, who presented a book suggesting Naue to collect entries from celebrated musicians as he traveled. Shortly after we find Louis Spohr speaking about leaving on his grand tour through Europe in 1815 and of his desire to carry an album with entries from the many artists he would come across. He wrote in his autobiography that his most valuable contribution came from Beethoven in 1815. Spohr's Notenstammbuch, comprised only of musical entries, is groundbreaking because it was coupled with a concert tour, allowing him to reach beyond the Germanic world, where the creation of these books had been nearly exclusive. Spohr brought the practice of Notenstammbucher to France, and in turn indirectly inspired Vogt to create a book of his own some fifteen years later. Vogt's Musical Album of Autographs Vogt's Musical Album of Autographs acts as a form of a memoir, displaying mementos of musicians who held special meaning in his life as well as showing those with whom he was enamored from the younger generation. The anonymous Pie Jesu submitted to Vogt in 1831 marks the beginning of an album that would span nearly three decades by the time the final entry, an excerpt from Charles Gounod's (1818-1893) Faust, which premiered in 1859, was submitted. Within this album we find sixty-two entries from musicians whom he must have known very well because they were colleagues at the Conservatoire, or composers of opera whose works he was performing with the Paris Opera. Other entries came from performers with whom he had performed and some who were simply passing through Paris, such as Joseph Joachim (1831-1907). Of the sixty-three total entries, some are original, unpublished works, while others came from well-known existing works. Nineteen of these works are for solo piano, sixteen utilize the oboe or English horn, thirteen feature the voice (in many different combinations, including vocal solos with piano, and small choral settings up to one with double choir), two feature violin as a solo instrument, and one even features the now obscure ophicleide. The connections among the sixty-two contributors to Vogt's album are virtually never-ending. All were acquainted with Vogt in some capacity, from long-time friendships to relationships that were created when Vogt requested their entry. Thus, while Vogt is the person who is central to each of these musicians, the web can be greatly expanded. In general, the connections are centered around the Conservatoire, teacher lineages, the Opera, and performing circles. The relationships between all the contributors in the album parallel the current musical world, as many of these kinds of relationships still exist, and permit us to fantasize who might be found in an album created today by a musician of the same standing. Also important, is what sort of entries the contributors chose to pen. The sixty-three entries are varied, but can be divided into published and unpublished works. Within the published works, we find opera excerpts, symphony excerpts, mass excerpts, and canons, while the unpublished works include music for solo piano, oboe or English horn, string instruments (violin and cello), and voice (voice with piano and choral). The music for oboe and English horn works largely belong in the unpublished works of the album. These entries were most likely written to honor Vogt. Seven are for oboe and piano and were contributed by Joseph Joachim, Pauline Garcia Viardot (1821-1910), Joseph Artot, Anton Bohrer (1783-1852), Georges Onslow (1784-1853), Desire Beaulieu (1791-1863), and Narcisse Girard (1797-1860). The common thread between these entries is the simplicity of the melody and structure. Many are repetitive, especially Beaulieu's entry, which features a two-note ostinato throughout the work, which he even included in his signature. Two composers contributed pieces for English horn and piano, and like the previous oboe entries, are simple and repetitive. These were written by Michele Carafa (1787-1872) and Louis Clapisson (1808-1866). There are two other entries that were unpublished works and are chamber music. One is an oboe trio by Jacques Halevy (1799-1862) and the other is for oboe and strings (string trio) by J. B. Cramer (1771-1858). There are five published works in the album for oboe and English horn. There are three from operas and the other two from symphonic works. Ambroise Thomas (1811-1896) contributed an excerpt from the Entr'acte of his opera La Guerillero, and was likely chosen because the oboe was featured at this moment. Hippolyte Chelard (1789-1861) also chose to honor Vogt by writing for English horn. His entry, for English horn and piano, is taken from his biggest success, Macbeth. The English horn part was actually taken from Lady Macbeth's solo in the sleepwalking scene. Vogt's own entry also falls into this category, as he entered an excerpt from Donizetti's Maria di Rohan. The excerpt he chose is a duet between soprano and English horn. There are two entries featuring oboe that are excerpted from symphonic repertoire. One is a familiar oboe melody from Beethoven's Pastoral Symphony entered by his first biographer, Anton Schindler (1796-1864). The other is an excerpt from Berlioz's choral symphony, Romeo et Juliette. He entered an oboe solo from the Grand Fete section of the piece. Pedagogical benefit All of these works are lovely, and fit within the album wonderfully, but these works also are great oboe and English horn music for young students. The common thread between these entries is the simplicity of the melody and structure. Many are repetitive, especially Beaulieu's entry, which features a two-note ostinato throughout the work in the piano. This repetitive structure is beneficial for young students for searching for a short solo to present at a studio recital, or simply to learn. They also work many technical issues a young player may encounter, such as mastering the rolling finger to uncover and recover the half hole. This is true of Bealieu's Pensee as well as Onslow's Andantino. Berlioz's entry from Romeo et Juliette features very long phrases, which helps with endurance and helps keep the air spinning through the oboe. Some of the pieces also use various levels of ornamentation, from trills to grace notes, and short cadenzas. This allows the student to learn appropriate ways to phrase with these added notes. The chamber music is a valuable way to start younger students with chamber music, especially the short quartet by Cramer for oboe and string trio. All of these pieces will not tax the student to learn a work that is more advanced, as well as give them a full piece that they can work on from beginning to end in a couple weeks, instead of months. Editorial Policy The works found in this edition are based on the manuscript housed at the Morgan Library in New York City (call number Cary 348, V886. A3). When possible, published scores were consulted and compared to clarify pitch and text. The general difficulties in creating an edition of these works stem from entries that appear to be hastily written, and thus omit complete articulations and dynamic indications for all passages and parts. The manuscript has been modernized into a performance edition. The score order from the manuscript has been retained. If an entry also exists in a published work, and this was not indicated on the manuscript, appropriate titles and subtitles have been added tacitly. For entries that were untitled, the beginning tempo marking or expressive directive has been added as its title tacitly. Part names have been changed from the original language to English. If no part name was present, it was added tacitly. All scores are transposing where applicable. Measure numbers have been added at the beginning of every system. Written directives have been retained in the original language and are placed relative to where they appear in the manuscript. Tempo markings from the manuscript have been retained, even if they were abbreviated, i.e., Andte. The barlines, braces, brackets, and clefs are modernized. The beaming and stem direction has been modernized. Key signatures have been modernized as some of the flats/sharps do not appear on the correct lines or spaces. Time signatures have been modernized. In a few cases, when a time signature was missing in the manuscript, it has been added tacitly. Triplet and rhythmic groupings have been modernized. Slurs, ties, and articulations (staccato and accent) have been modernized. Slurs, ties, and articulations have been added to parallel passages tacitly. Courtesy accidentals found in the manuscript have been removed, unless it appeared to be helpful to the performer. Dynamic indications from the manuscript have been retained, except where noted. --Kristin Leitterman.Introducti onGustave Vogt’s Musical ParisGustave Vogt (1781–1870) was born into the “Age of Enlightenment,†at the apex of the Enlightenment’s outreach. During his lifetime he would observe its effect on the world. Over the course of his life he lived through many changes in musical style. When he was born, composers such as Mozart and Haydn were still writing masterworks revered today, and eighty-nine years later, as he departed the world, the new realm of Romanticism was beginning to emerge with Mahler, Richard Strauss and Debussy, who were soon to make their respective marks on the musical world. Vogt himself left a huge mark on the musical world, with critics referring to him as the “grandfather of the modern oboe†and the “premier oboist of Europe.â€Through his eighty-nine years, Vogt would live through what was perhaps the most turbulent period of French history. He witnessed the French Revolution of 1789, followed by the many newly established governments, only to die just months before the establishment of the Third Republic in 1870, which would be the longest lasting government since the beginning of the revolution. He also witnessed the transformation of the French musical world from one in which opera reigned supreme, to one in which virtuosi, chamber music, and symphonic music ruled. Additionally, he experienced the development of the oboe right before his eyes. When he began playing in the late eighteenth century, the standard oboe had two keys (E and Eb) and at the time of his death in 1870, the “System Six†Triébert oboe (the instrument adopted by Conservatoire professor, Georges Gillet, in 1882) was only five years from being developed.Vogt was born March 18, 1781 in the ancient town of Strasbourg, part of the Alsace region along the German border. At the time of his birth, Strasbourg had been annexed by Louis XIV, and while heavily influenced by Germanic culture, had been loosely governed by the French for a hundred years. Although it is unclear when Vogt began studying the oboe and when his family made its move to the French capital, the Vogts may have fled Strasbourg in 1792 after much of the city was destroyed during the French Revolution. He was without question living in Paris by 1798, as he enrolled on June 8 at the newly established Conservatoire national de Musique to study oboe with the school’s first oboe professor, Alexandre-Antoine Sallantin (1775–1830).Vogtâ €™s relationship with the Conservatoire would span over half a century, moving seamlessly from the role of student to professor. In 1799, just a year after enrolling, he was awarded the premier prix, becoming the fourth oboist to achieve this award. By 1802 he had been appointed répétiteur, which involved teaching the younger students and filling in for Sallantin in exchange for a free education. He maintained this rank until 1809, when he was promoted to professor adjoint and finally to professor titulaire in 1816 when Sallantin retired. This was a position he held for thirty-seven years, retiring in 1853, making him the longest serving oboe professor in the school’s history. During his tenure, he became the most influential oboist in France, teaching eighty-nine students, plus sixteen he taught while he was professor adjoint and professor titulaire. Many of these students went on to be famous in their own right, such as Henri Brod (1799–1839), Apollon Marie-Rose Barret (1804–1879), Charles Triebert (1810–1867), Stanislas Verroust (1814–1863), and Charles Colin (1832–1881). His influence stretches from French to American oboe playing in a direct line from Charles Colin to Georges Gillet (1854–1920), and then to Marcel Tabuteau (1887–1966), the oboist Americans lovingly describe as the “father of American oboe playing.â€Opera was an important part of Vogt’s life. His first performing position was with the Théâtre-Montansier while he was still studying at the Conservatoire. Shortly after, he moved to the Ambigu-Comique and, in 1801 was appointed as first oboist with the Théâtre-Italien in Paris. He had been in this position for only a year, when he began playing first oboe at the Opéra-Comique. He remained there until 1814, when he succeeded his teacher, Alexandre-Antoine Sallantin, as soloist with the Paris Opéra, the top orchestra in Paris at the time. He played with the Paris Opéra until 1834, all the while bringing in his current and past students to fill out the section. In this position, he began to make a name for himself; so much so that specific performances were immortalized in memoirs and letters. One comes from a young Hector Berlioz (1803–1865) after having just arrived in Paris in 1822 and attended the Paris Opéra’s performance of Mehul’s Stratonice and Persuis’ ballet Nina. It was in response to the song Quand le bien-amié reviendra that Berlioz wrote: “I find it difficult to believe that that song as sung by her could ever have made as true and touching an effect as the combination of Vogt’s instrument…†Shortly after this, Berlioz gave up studying medicine and focused on music.Vogt frequently made solo and chamber appearances throughout Europe. His busiest period of solo work was during the 1820s. In 1825 and 1828 he went to London to perform as a soloist with the London Philharmonic Society. Vogt also traveled to Northern France in 1826 for concerts, and then in 1830 traveled to Munich and Stuttgart, visiting his hometown of Strasbourg on the way. While on tour, Vogt performed Luigi Cherubini’s (1760–1842) Ave Maria, with soprano Anna (Nanette) Schechner (1806–1860), and a Concertino, presumably written by himself. As a virtuoso performer in pursuit of repertoire to play, Vogt found himself writing much of his own music. His catalog includes chamber music, variation sets, vocal music, concerted works, religious music, wind band arrangements, and pedagogical material. He most frequently performed his variation sets, which were largely based on themes from popular operas he had, presumably played while he was at the Opéra.He made his final tour in 1839, traveling to Tours and Bordeaux. During this tour he appeared with the singer Caroline Naldi, Countess de Sparre, and the violinist Joseph Artôt (1815–1845). This ended his active career as a soloist. His performance was described in the Revue et gazette musicale de Paris as having “lost none of his superiority over the oboe…. It’s always the same grace, the same sweetness. We made a trip to Switzerland, just by closing your eyes and listening to Vogt’s oboe.â€Vogt was also active performing in Paris as a chamber and orchestral musician. He was one of the founding members of the Société des Concerts du Conservatoire, a group established in 1828 by violinist and conductor François-Antoine Habeneck (1781–1849). The group featured faculty and students performing alongside each other and works such as Beethoven symphonies, which had never been heard in France. He also premiered the groundbreaking woodwind quintets of Antonin Reicha (1770–1836).After his retirement from the Opéra in 1834 and from the Société des Concerts du Conservatoire in 1842, Vogt began to slow down. His final known performance was of Cherubini’s Ave Maria on English horn with tenor Alexis Dupont (1796–1874) in 1843. He then began to reflect on his life and the people he had known. When he reached his 60s, he began gathering entries for his Musical Album of Autographs.Autograph AlbumsVogt’s Musical Album of Autographs is part of a larger practice of keeping autograph albums, also commonly known as Stammbuch or Album Amicorum (meaning book of friendship or friendship book), which date back to the time of the Reformation and the University of Wittenberg. It was during the mid-sixteenth century that students at the University of Wittenberg began passing around bibles for their fellow students and professors to sign, leaving messages to remember them by as they moved on to the next part of their lives. The things people wrote were mottos, quotes, and even drawings of their family coat of arms or some other scene that meant something to the owner. These albums became the way these young students remembered their school family once they had moved on to another school or town. It was also common for the entrants to comment on other entries and for the owner to amend entries when they learned of important life details such as marriage or death.As the practice continued, bibles were set aside for emblem books, which was a popular book genre that featured allegorical illustrations (emblems) in a tripartite form: image, motto, epigram. The first emblem book used for autographs was published in 1531 by Andrea Alciato (1492–1550), a collection of 212 Latin emblem poems. In 1558, the first book conceived for the purpose of the album amicorum was published by Lyon de Tournes (1504–1564) called the Thesaurus Amicorum. These books continued to evolve, and spread to wider circles away from universities. Albums could be found being kept by noblemen, physicians, lawyers, teachers, painters, musicians, and artisans.The albums eventually became more specialized, leading to Musical Autograph Albums (or Notestammbücher). Before this specialization, musicians contributed in one form or another, but our knowledge of them in these albums is mostly limited to individual people or events. Some would simply sign their name while others would insert a fragment of music, usually a canon (titled fuga) with text in Latin. Canons were popular because they displayed the craftsmanship of the composer in a limited space. Composers well-known today, including J. S. Bach, Telemann, Mozart, Beethoven, Dowland, and Brahms, all participated in the practice, with Beethoven being the first to indicate an interest in creating an album only of music.This interest came around 1815. In an 1845 letter from Johann Friedrich Naue to Heinrich Carl Breidenstein, Naue recalled an 1813 visit with Beethoven, who presented a book suggesting Naue to collect entries from celebrated musicians as he traveled. Shortly after we find Louis Spohr speaking about leaving on his “grand tour†through Europe in 1815 and of his desire to carry an album with entries from the many artists he would come across. He wrote in his autobiography that his “most valuable contribution†came from Beethoven in 1815. Spohr’s Notenstammbuch, comprised only of musical entries, is groundbreaking because it was coupled with a concert tour, allowing him to reach beyond the Germanic world, where the creation of these books had been nearly exclusive. Spohr brought the practice of Notenstammbücher to France, and in turn indirectly inspired Vogt to create a book of his own some fifteen years later.Vogt’s Musical Album of AutographsVogt’s Musical Album of Autographs acts as a form of a memoir, displaying mementos of musicians who held special meaning in his life as well as showing those with whom he was enamored from the younger generation. The anonymous Pie Jesu submitted to Vogt in 1831 marks the beginning of an album that would span nearly three decades by the time the final entry, an excerpt from Charles Gounod’s (1818–1893) Faust, which premiered in 1859, was submitted.Within this album ...
SKU: BT.DHP-1074044-015
9x12 inches. English-German-French-Dut ch.
The four-movement work Saludos desde Espana is a musical description of four Spanish holiday spots. The composer uses the musical idiom to represent picture postcards portraying an untouched sandy beach, a charming fishing village, a beautiful pine forest and the historic centre of a lively Spanish village. Saludos desde Espa?a will add a little holiday magic to any concert. Het vierdelige werk Saludos desde España is een muzikale beschrijving van vier Spaanse vakantieoorden. De componist schrijft als het ware vanuit elk van deze plaatsen een ansichtkaart naar vrienden en kennissen.Met Matalascañas,de parel van de Costa de la Luz, L’Escala, een bekoorlijk vissersdorpje, La Molina, een bergdorp en een bekend skioord, en Calella de la Costa, een levendige badplaats ten noorden van Barcelona. Muzikalegroeten uit Spanje!Saludos desde España, ein Werk für variable sechsstimmige Besetzung in vier Sätzen, ist eine musikalische Beschreibung von vier spanischen Urlaubsorten. In gewisser Weise schreibt der Komponist von jedem eine musikalische Ansichtskarte, die beim Leser (bzw. Zuhörer) Bilder von unberührten Sandstränden, charmanten Fischerdörfern, Pinienwäldern, Bergen und Amüsiermeilen wachrufen. Zum Träumen schön! Cette composition en quatre tableaux d'Henk Hogestein dépeint quatre lieux de villégiature espagnols. chaque étape, le compositeur envoie une carte postale musicale ses proches et amis.1. Matalascañas :Matalascañas est la perle de la Costa de la Luz (“Côte de la lumièreâ€), une côte d’une blancheur éclatante qui s'étend de Gibraltar la frontière avec le Portugal. Ce lieu unique, offrant plus de quarante kilomètres de plages de sable encore préservées, est très apprécié des amoureux de la nature et des passionnés de plages. découvrir absolument.2. L’Escala :Ce charmant village de pêcheurs est situé la pointe sud de la baie de Rosas, quelques kilomètresde la frontière franco-espagnole. L’Escala a plusieurs plages : la plage de Riells, la baie de Cala Montgó et les plages de sable d’Empúries. L’Escala est un lieu privilégié pour les fans de sports nautiques.3. La Molina :Dans la vallée de la Cerdagne, non loin de la frontière française, se trouve La Molina, un village de montagne situé sur un versant de La Tossa d’Alp, au cœur d’une superbe forêt de pins. La Molina est une station de ski réputée qui offre également de nombreuses activités l’été : découverte de la nature et sports : randonnée, V.T.T., équitation, tir l’arc, natation, tennis, squash et balade en quad.4. Calella de la Costa :Calella de la Costa est une station balnéaire dynamique située au nord de Barcelone. Au cœur de la vieille ville, il fait bon fl ner dans les boutiques et s’arrêter dans une bodega. Trois kilomètres de plages de sable gros grains constituent un paradis pour les amateurs de sports nautiques et de soleil.
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The four-movement work Saludos desde Espa?a is a musical description of four Spanish holiday spots. The composer uses the musical idiom to represent picture postcards portraying an untouched sandy beach, a charming fishing village, a beautiful pine forest and the historic centre of a lively Spanish village. Saludos desde Espa?a will add a little holiday magic to any concert. Het vierdelige werk Saludos desde España is een muzikale beschrijving van vier Spaanse vakantieoorden. De componist schrijft als het ware vanuit elk van deze plaatsen een ansichtkaart naar vrienden en kennissen.Met Matalascañas,de parel van de Costa de la Luz, L’Escala, een bekoorlijk vissersdorpje, La Molina, een bergdorp en een bekend skioord, en Calella de la Costa, een levendige badplaats ten noorden van Barcelona. Muzikalegroeten uit Spanje!Saludos desde España, ein Werk in vier Sätzen für eine sechsstimmig variable Besetzung, zeichnet ein lebendiges Bild von vier spanischen Urlaubsorten. In gewisser Weise schreibt der Komponist von jedem eine musikalische Ansichtskarte, die beim Zuhörer Bilder von unberührten Sandstränden, charmanten Fischerdörfern, Pinienwäldern, Bergen und Amüsiermeilen wachrufen. Zum Träumenschön! Cette composition en quatre tableaux d'Henk Hogestein dépeint quatre lieux de villégiature espagnols. chaque étape, le compositeur envoie une carte postale musicale ses proches et amis.1. Matalascañas :Matalascañas est la perle de la Costa de la Luz (“Côte de la lumièreâ€), une côte d’une blancheur éclatante qui s'étend de Gibraltar la frontière avec le Portugal. Ce lieu unique, offrant plus de quarante kilomètres de plages de sable encore préservées, est très apprécié des amoureux de la nature et des passionnés de plages. découvrir absolument.2. L’Escala :Ce charmant village de pêcheurs est situé la pointe sud de la baie de Rosas, quelques kilomètresde la frontière franco-espagnole. L’Escala a plusieurs plages : la plage de Riells, la baie de Cala Montgó et les plages de sable d’Empúries. L’Escala est un lieu privilégié pour les fans de sports nautiques.3. La Molina :Dans la vallée de la Cerdagne, non loin de la frontière française, se trouve La Molina, un village de montagne situé sur un versant de La Tossa d’Alp, au cœur d’une superbe forêt de pins. La Molina est une station de ski réputée qui offre également de nombreuses activités l’été : découverte de la nature et sports : randonnée, V.T.T., équitation, tir l’arc, natation, tennis, squash et balade en quad.4. Calella de la Costa :Calella de la Costa est une station balnéaire dynamique située au nord de Barcelone. Au cœur de la vieille ville, il fait bon fl ner dans les boutiques et s’arrêter dans une bodega. Trois kilomètres de plages de sable gros grains constituent un paradis pour les amateurs de sports nautiques et de soleil.
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SKU: HL.51489547
UPC: 888680991333. 6.75x9.5x0.493 inches.
The works for solo voice(s) and orchestra assembled in this volume owe their composition to the most diverse occasions. Some were tailor-made for female singers in Beethoven's milieu, while with others he was dabbling in the field of Italian opera (under the tutelage of none other than Antonio Salieri). Scarcely any of them made it into print during Beethoven's lifetime. Aside from canonical works of the repertoire such as “Ah! perfido†op. 65, this volume also contains unknown gems like the scene and aria Beethoven revised multiple times, “No, non turbarti†- “Ma tu tremi, o mio tesoro?â€. The study score contains the text of the scholarly Complete Edition. Beethoven specialist Ernst Herttrich additionally provides information about the genesis and exciting variants in the transmission history.
About Henle Urtext
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ISBN 9790215319714. 9 x 12 inches.
Racconto (Tale)/ Capri/ Cielo sereno (Clear sky)/ Tano/ Napolitango/ Luci della spiaggia (Beach lights)/ Fantasia mediterranea (Mediterranean fantasy)/ Una lacrima ridente (A smiling tear)/ Quartieri spagnoli/ Marcia dei pomodori (March of the tomatos)Being interested in certain aspects of popular music, I became aware of several similarities between popular Neapolitan melodies and the Argentinean tango. Napolitango is based on an imaginary journey to Naples and Buenos Aires. In retaining certain characteristics of the original music, Napolitango embodies an inspiration and an almost theatrically passionate character which is common to these two genres.The piece has been composed for the Parisian Festival Paris Banlieues Tango 2001.(S. Di Stefano).
SKU: BT.AMP-202-010
This piece is about a medieval legend, The Treasure of Zolverknapp, thatis associated with the region around the village Zolver in Luxembourg.It tells the tale of hidden treasure, brave knights, fierce battles, silverand jewels and a devil?s curse! All of these combine to make The Legendof Celobrium a legendary concert work. The Legend of Celobrium is geschreven in opdracht van de Harmonie de Soleuvre uit Luxemburg, ter gelegenheid van het honderdjarig bestaan in 2007. Celobrium was de Romeinse naam voor Soleuvre (Zolwer in het Luxemburgs, Zolverin het Duits). Het werk beschrijft een beroemde sage die al eeuwen bekend is in de regio. Een muzikaal verhaal boordevol avontuur!Dieses Stück handelt von einer mittelalterlichen Sage aus der Region um das Dorf Zolver (lateinisch Celobrium) in Luxemburg. Sie erzählt von einem Silberschatz in einer alten Burg. Raubritter, Krieg, Flucht, Silber und Juwelen, der Teufel und ein Fluch, der heute noch jene trifft, die versuchen, den Schatz zu heben, machen The Legend of Celobrium zu einem spannenden Konzertwerk. The Legend of Celobrium (“La légende de Celobriumâ€) est une œuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie de Soleuvre au Luxembourg l’occasion de la célébration de son centenaire, en 2007.Celobrium est le nom donné par les Romains la ville de Soleuvre (Zolwer en luxembourgeois ou Zolver en allemand). La composition raconte une célèbre légende liée la région depuis des siècles : la légende du Trésor du Zolwerknapp.Le Zolwerknapp (signifiant littéralement « bouton de Soleuvre ») est un des points les plus élevés du Luxembourg. Jadis, il abritait le ch teau d’Alexandre, un noble chevalier descendant du prestigieux Ordre médiéval des Templiers, qui y vivaitavec sa famille et son armée. Non loin du Zolwerknapp, près de Belvaux, vivait au sommet d’une colline boisée, un puissant voleur du nom de Tara. Les deux hommes étaient constamment en conflit, chacun voulant régner sur les terres alentours. Tara finit par remporter le conflit et consentit une seule concession. Il autorisa l’épouse d’Alexandre quitter les lieux avec son ne et emporter avec elle tous les biens précieux que l’ ne pouvait porter. Il lui accorda le droit de s’installer en lieu s r aussi loin que l’ ne pouvait la mener. Magnanime, elle choisit d’emmener son mari avec elle, consciente que sa fuite serait ainsi ralentie. Avant de partir, elle jeta son or et ses précieux joyaux dans un puits profond du ch teau.Le voyage fut long et difficile. force de ténacité, ils réussirent se mettre en sécurité au sommet d’une colline avoisinante. Ils s’y installèrent et érigèrent un nouveau ch teau, le ch teau de Differdange.Les siècles passèrent et le ch teau du Zolwerknapp n’était plus qu’un amas de ruines. Jamais personne n’avait osé y chercher le trésor qui sommeillait dans les profondeurs du puits. Mais un jour, le prêtre local réussit persuader sept hommes braves de descendre au fond de l’obscur goulot pour récupérer l’or. Pour ce faire, il leur donna une corde et leur conseilla de garder le silence une fois le fond atteint. Les sept.
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This piece was written to celebrate the fiftieth anniversary of the Takayama Wind Orchestra, who also commissioned it. The historic city of Takayama draws numerous visitors from home and abroad, not just to see its well-preserved old houses and buildings but also because every year several historic processions take place, with beautiful floats. When these ride through the city, age-old melodies are heard played on wooden flutes, accompanied by muted drums. This image is evoked at the beginning of the work, followed by an archaic sounding melody in a typically Japanese pentatonic sequence, that develops throughout. In this challenging piece Eastern and Western influences alternate,creating a sensational and overwhelming musical effect! Dit werk is geschreven ter gelegenheid van het vijftigjarig bestaan van het Takayama Wind Orchestra, dat tevens de opdrachtgever was. De historische stad Takayama trekt jaarlijks talloze bezoekers uit binnen- en buitenland, niet alleen vanwege de goed bewaarde oude huizen en gebouwen die de stad rijk is, maar ook omdat er elk jaar een aantal historische optochten plaatsvinden. Wanneer die door de stad trekken, weerklinken eeuwenoude melodieën, gespeeld op houten fluiten en begeleid door doffe trommen. Dit beeld wordt opgeroepen aan het begin van het werk, gevolgd door een archa sch klinkende melodie in een typisch Japanse pentatonische tonenreeks, die zich in de loop van het werkverder zal ontwikkelen. In dit pittige werk wisselen oosterse en westerse invloeden elkaar af, met als resultaat een meeslepend en overweldigend muzikaal effect! Dieses Stück wurde aus Anlass des 50-jährigen Jubiläums des Takayama Wind Orchestra geschrieben, das dieses Werk auch in Auftrag gegeben hat. Die Altstadt von Takayama zieht jedes Jahr zahlreiche Besucher aus dem In- und Ausland an, nicht nur wegen der gut erhaltenen alten Häuser und Gebäude, sondern auch wegen der historischen Festumzüge, die dort stattfinden. Wenn diese durch die Stadt ziehen, erklingen uralte Melodien, die auf Holzflöten gespielt und von gedämpften Trommeln begleitet werden. Dieses Bild wird zu Beginn des Werks hervorgerufen, darauf folgt eine archaisch klingende Melodie mit einer typisch japanischen pentatonischen Sequenz, die sich im Laufe des Werkesweiterentwickelt. In diesem anspruchsvollen Werk wechseln sich östliche und westliche Einflüsse ab und erzeugen einen sensationellen und überwältigenden musikalischen Effekt! Cette Å?uvre a été commandée par le Takayama Wind Orchestra lâ??occasion de son 50e anniversaire. La ville historique de Takayama attire de nombreux visiteurs locaux et étrangers chaque année, non seulement gr ce aux maisons et b timents anciens bien conservés, mais aussi aux processions historiques qui y ont lieu. Lors de ces défilés, on entend des mélodies ancestrales jouées par des fl tes en bois et accompagnées de tambours en sourdine. Cette image est évoquée au début de lâ??Å?uvre, suivie dâ??une mélodie au son archa que basée sur une séquence pentatonique typiquement japonaise qui continue son développement tout au long de lâ??Å?uvre. Les influences orientales et occidentalessâ??alternen t dans cette composition exigeante et créent ainsi un effet musical qui est sensationnel et extraordinaire ! Questo pezzo è stato scritto per celebrare il cinquantesimo anniversario della Takayama Wind Orchestra, che lo ha anche commissionato. La storica citt di Takayama attira numerosi visitatori anche all'estero, non solo per visitare le sue case storiche e gli edifici ben conservati, ma anche perché ogni anno si svolgono diverse processioni storiche, con bellissimi carri allegorici: Quando attraversano la citt , si sentono melodie secolari suonate su flauti di legno, accompagnate da tamburi. Questa immagine è evocata all'inizio del brano, seguita da una melodia dal suono arcaico in una sequenza pentatonica tipicamente giapponese, che si sviluppa lungo tutto il brano. In questo impegnativo pezzo si alternano influenze orientali e occidentali, creando un effetto musicale sensazionale e travolgente!
SKU: BT.DHP-1084332-140
Border Zone vertelt een muzikaal verhaal over het dorp Dinxperlo. Deel een begint met de Batavierenrace, een studentenestafetteloop van de universiteit van Nijmegen naar die van Twente, die na een route door Duitsland bij Dinxperloweer de grens overgaat. Dit thema wordt afgewisseld met spannende maten waarin de smokkelaars worden verklankt die hier vroeger actief waren. In deel twee komt de jaarlijkse processie in Dinxperlo tot uiting. Deel drie geeftde grensmarkt weer die jaarlijks op Hemelvaartsdag plaatsvindt, afgewisseld met koraalmatige klanken - gebaseerd op het kleinste kerkje van Nederland. Beide elementen voeren het werk naar een pakkend einde.Border Zone ist eine musikalische Erzählung in drei zusammenhängenden Sätzen. Diese beschreiben verschiedene Szenen aus einem holländischen Dorf nahe der deutschen Grenze: Satz eins beginnt mit einem traditionellen Staffellauf, der sich mit einem zweiten Thema über die Schmuggler im Grenzgebiet abwechselt. Im zweiten Satz wird die eine Prozession im Dorf musikalisch wiedergegeben, im dritten Satz der lebhafte Grenzmarkt und zum Schluss die Festlichkeiten zu Pfingsten. Bunt und abwechslungsreich!Border Zone (Zone frontalière) est une œuvre en trois tableaux musicaux qui racontent l’histoire de Dinxperlo, un village situé l’est des Pays-Bas dans la région de l’Achterhoek, non loin de la frontière allemande.Le premier tableau s’ouvre avec une description de la Course des Bataves, une course de relais inter-universitaire entre l’Université de Nimègue et celle de Twente. Après un passage sur le sol allemand, les participants reviennent aux Pays-Bas en traversant la frontière Dinxperlo. Ce thème est joué en alternance avec un thème énergique et audacieux qui dépeint les contrebandiers, longtemps très actifs, des deux côtés de la frontière. Le second tableauillustre la grande procession qui a lieu chaque année Dinxperlo. Le troisième et dernier tableau s’ouvre sur les sons joyeux qui montent du traditionnel marché de Pentecôte qui s’étend de l’autre côté de la frontière. Les sons animés du marché sont entrecoupés d’un tissu sonore écrit dans l’esthétique d’un choral et qui fait référence la plus petite église des Pays-Bas, un site culturel très prisé. Les deux thèmes cheminent vers un finale brillant et passionnant.
SKU: BT.DHP-1084332-120
Border Zone vertelt een muzikaal verhaal over het dorp Dinxperlo. Deel een begint met de Batavierenrace, een studentenestafetteloop van de universiteit van Nijmegen naar die van Twente, die na een route door Duitsland bij Dinxperloweer de grens overgaat. Dit thema wordt afgewisseld met spannende maten waarin de smokkelaars worden verklankt die hier vroeger actief waren. In deel twee komt de jaarlijkse processie in Dinxperlo tot uiting. Deel drie geeftde grensmarkt weer die jaarlijks op Hemelvaartsdag plaatsvindt, afgewisseld met koraalmatige klanken - gebaseerd op het kleinste kerkje van Nederland. Beide elementen voeren het werk naar een pakkend einde.Border Zone ist eine musikalische Erzählung in drei zusammenhängenden Sätzen. Diese beschreiben verschiedene Szenen aus einem holländischen Dorf nahe der deutschen Grenze: Satz eins beginnt mit einem traditionellen Staffellauf, der sich mit einem zweiten Thema u?ber die Schmuggler im Grenzgebiet abwechselt. Im zweiten Satz wird die eine Prozession im Dorf musikalisch wiedergegeben, im dritten Satz der lebhafte Grenzmarkt und zum Schluss die Festlichkeiten zu Pfingsten. Bunt und abwechslungsreich!Border Zone (Zone frontalière) est une ?uvre en trois tableaux musicaux qui racontent lâ??histoire de Dinxperlo, un village situé lâ??est des Pays-Bas dans la région de lâ??Achterhoek, non loin de la frontière allemande.Le premier tableau sâ??ouvre avec une description de la Course des Bataves, une course de relais inter-universitaire entre lâ??Université de Nimègue et celle de Twente. Après un passage sur le sol allemand, les participants reviennent aux Pays-Bas en traversant la frontière Dinxperlo. Ce thème est joué en alternance avec un thème énergique et audacieux qui dépeint les contrebandiers, longtemps très actifs, des deux côtés de la frontière. Le second tableauillustre la grande procession qui a lieu chaque année Dinxperlo. Le troisième et dernier tableau sâ??ouvre sur les sons joyeux qui montent du traditionnel marché de Pentecôte qui sâ??étend de lâ??autre côté de la frontière. Les sons animés du marché sont entrecoupés dâ??un tissu sonore écrit dans lâ??esthétique dâ??un choral et qui fait référence la plus petite église des Pays-Bas, un site culturel très prisé. Les deux thèmes cheminent vers un finale brillant et passionnant.
SKU: BT.DHP-1124756-140
Towards the Future was commissioned by the Nagoya City Fire Bureau for the 50th anniversary of the Nagoya City Fire Bureau Band (Nagoya, Japan). It was premiered by the band on 7 February 2009, conducted by Masuo Nakamura. This concert march was conceived to lift up the spirits of the firemen who save people’s lives. The solemn and heart-warming melodies express their braveness when faced with danger and the tenderness shown towards the people they protect.It is an ideal march to open a concert and to inspire both performers and audience.Towar ds the Future is geschreven in opdracht van de Nagoya City Fire Bureau Band (Nagoya, Japan) ter gelegenheid van het vijftigjarig bestaan van het orkest. Het werk is tot stand gekomen met financiële steun van het NagoyaCity Fire Bureau. De première vond op 7 februari 2009 plaats onder leiding van Masuo Nakamura.Deze concertmars is gecomponeerd met de intentie om de brandweerlieden, die telkens weer het leven van burgers redden, een hart onder deriem te steken. De plechtige en hartverwarmende melodieën verklanken moed in gevaarlijke omstandigheden en de toewijding aan de mensen die worden beschermd.De mars is ideaal om een concert mee te openen en zowel muzikanten als publiekin de stemming te brengen.Toward s the Futurewurde von der Nagoya City Bureau Band (Blasorchester der Städtischen Feuerwehr Nagoya, Japan) in Auftrag gegeben. Anlass zu diesem von der Städtischen Feuerwehr Nagoya unterstützten Werk war das 150-jährige Jubiläum dieses Orchesters, welches am 7.Februar 2009 unter der Leitung von Masuo Nakamura die Uraufführung spielte.Dieser Konzertmarsch wurde zur Ermutigung der Feuerwehrleute geschrieben, die Menschenleben retten. Die feierlichen, herzergreifenden Melodien beschreiben den Mut der Feuerwehrleute, den sie im Angesicht von Gefahr beweisen, und ihre Fürsorglichkeit gegenüber den Menschen, die sie beschützen.Mit diesem Marsch kann man sehr gutein Konzert eröffnen und die Stimmung von Musikern als auch Zuhörenden heben. Towards the Future (Vers l’avenir) est une commande de l’Orchestre d’Harmonie des Pompiers de la ville de Nagoya, au Japon, l’occasion des festivités marquant le cinquantième anniversaire de la création de la formation. La première mondiale a eu lieu le 7 février 2009. Elle fut assurée par la formation dédicataire, placée sous la direction de Masuo Nakamura.Cette marche de concert a été composée pour stimuler le moral des pompiers, qui consacrent leur existence sauver des vies. Les lignes mélodiques de l’oeuvre, solennelles et apaisantes, reflètent non seulement leur bravoure lorsqu’ils se trouvent confrontés au danger, mais également la bienveillance qu’ils manifestentenvers les personnes qu’ils protègent. Idéale en ouverture de concert, cette marche inspirera entrain et gaieté ses interprètes et leur auditoire. Questa marcia da concerto è stata composta in onore, ma anche per incoraggiare e sostenere i vigili del fuoco che salvano le vite dei cittadini, spesso mettendo a rischio la propria incolumit . Le melodie solenni e commoventi al contempo descrivono il coraggio di questi uomini davanti al pericolo e vogliono sottolineare la tenerezza e la dedizione nei confronti delle persone che sono chiamati a salvare.
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This piece was written to celebrate the fiftieth anniversary of the Takayama Wind Orchestra, who also commissioned it. The historic city of Takayama draws numerous visitors from home and abroad, not just to see its well-preserved old houses and buildings but also because every year several historic processions take place, with beautiful floats. When these ride through the city, age-old melodies are heard played on wooden flutes, accompanied by muted drums. This image is evoked at the beginning of the work, followed by an archaic sounding melody in a typically Japanese pentatonic sequence, that develops throughout. In this challenging piece Eastern and Western influences alternate,creating a sensational and overwhelming musical effect! Dit werk is geschreven ter gelegenheid van het vijftigjarig bestaan van het Takayama Wind Orchestra, dat tevens de opdrachtgever was. De historische stad Takayama trekt jaarlijks talloze bezoekers uit binnen- en buitenland, niet alleen vanwege de goed bewaarde oude huizen en gebouwen die de stad rijk is, maar ook omdat er elk jaar een aantal historische optochten plaatsvinden. Wanneer die door de stad trekken, weerklinken eeuwenoude melodieën, gespeeld op houten fluiten en begeleid door doffe trommen. Dit beeld wordt opgeroepen aan het begin van het werk, gevolgd door een archa sch klinkende melodie in een typisch Japanse pentatonische tonenreeks, die zich in de loop van het werkverder zal ontwikkelen. In dit pittige werk wisselen oosterse en westerse invloeden elkaar af, met als resultaat een meeslepend en overweldigend muzikaal effect! Dieses Stück wurde aus Anlass des 50-jährigen Jubiläums des Takayama Wind Orchestra geschrieben, das dieses Werk auch in Auftrag gegeben hat. Die Altstadt von Takayama zieht jedes Jahr zahlreiche Besucher aus dem In- und Ausland an, nicht nur wegen der gut erhaltenen alten Häuser und Gebäude, sondern auch wegen der historischen Festumzüge, die dort stattfinden. Wenn diese durch die Stadt ziehen, erklingen uralte Melodien, die auf Holzflöten gespielt und von gedämpften Trommeln begleitet werden. Dieses Bild wird zu Beginn des Werks hervorgerufen, darauf folgt eine archaisch klingende Melodie mit einer typisch japanischen pentatonischen Sequenz, die sich im Laufe des Werkesweiterentwickelt. In diesem anspruchsvollen Werk wechseln sich östliche und westliche Einflüsse ab und erzeugen einen sensationellen und überwältigenden musikalischen Effekt! Cette œuvre a été commandée par le Takayama Wind Orchestra l’occasion de son 50e anniversaire. La ville historique de Takayama attire de nombreux visiteurs locaux et étrangers chaque année, non seulement gr ce aux maisons et b timents anciens bien conservés, mais aussi aux processions historiques qui y ont lieu. Lors de ces défilés, on entend des mélodies ancestrales jouées par des fl tes en bois et accompagnées de tambours en sourdine. Cette image est évoquée au début de l’œuvre, suivie d’une mélodie au son archa que basée sur une séquence pentatonique typiquement japonaise qui continue son développement tout au long de l’œuvre. Les influences orientales et occidentaless’alte rnent dans cette composition exigeante et créent ainsi un effet musical qui est sensationnel et extraordinaire !
SKU: BT.DHP-1033337-170
A4 (210X297) inches.
Missa Brevis is a major work for choir and brass band for performance in church or in the concert hall. For this mass, there are many performance possibilities depending on the musicians available. In addition to the standard orchestration ofchoir and band a brass quartet can also play the choral parts. For this it is desirable for the brass quartet to be positioned separately from the rest of the band (on a gallery, for example), so that the idea of two choirs is heard. It is alsopossible to perform the work with brass band and organ. A truly flexible religious masterpiece. Choral parts available separately.Mis sa Brevis, geschreven voor koor en blaasorkest, werd gecomponeerd in opdracht van de Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (dir. Philippe Pfisterer) in Guebwiller (Frankrijk), ter gelegenheid van het duizendstegeboortejaar van paus Leo IX. In zijn geboorteplaats, Éguisheim (Elzas, Frankrijk), vond op 23 juni 2002 de première van deze mis plaats onder leiding van de componist. Het betrof een live-registratie voor de Franse televisiezender France 2. Demisdelen Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus en Agnus Dei lenen zich uitstekend voor zowel de katholieke als de protestantse liturgie. Er zijn voor deze mis diverse uitvoeringsmogelijkheden mogelijk, aangezien er sprake is van eenvariabele bezetting. Een instrumentale uitvoering behoort uitdrukkelijk tot de mogelijkheden, indien het scherp koper de koorpartijen vertegenwoordigt. In deze optie is het wenselijk dat het scherp koper zich separaat opstelt van de rest van hetorkest (bijvoorbeeld op een galerij), zodat het idee van dubbelkorigheid wordt benaderd. Bij een uitvoering voor groot koor werkt het scherp koper zeer goed als ondersteuning. In dat geval kan de dynamiek van het koper iets worden aangepast,aangezien deze in eerste instantie bedoeld is voor een instrumentale versie. Ook kan men ervoor kiezen het scherp koper helemaal weg te laten ten gunste van het koor. Bij begeleiding van kleinere koren kan men kiezen voor een klein ensemble uit hetorkest. Dit kan ook een naar wens samengesteld kwartet zijn. Voor de uitvoering van deze mis ligt het voor de hand een van deze opties te kiezen. Als alternatief is echter ook een uitvoering mogelijk met een combinatie van deze opties (vocaal/instrumentaal) - niet slechts vanuit een artistiek motief (afwisseling), maar ook vanuit een praktisch motief, voor het geval dat het koor bijvoorbeeld slechts twee delen heeft ingestudeerd. Bij een volledige bezetting kan de dirigent deinstrumentatie naar believen afwisselen. Hierbij kan ook het scherp koper in de begeleiding een rol krijgen (in plaats van ondersteuning van het koor). Zo zijn de volgende combinaties mogelijk:
1. clarinet choir (van Es-klarinet tot basklarinet)
2. clarinet choir + saxofoons
3. zacht koper (bugels, hoorns, euphoniums, bassen)
4. scherp koper (2 trompetten / 2 trombones)
5. dubbelrieten (eventueel + fluit, eventueel + contrabas)
6. tutti
7. alle hout
8. alle koper
In een uitvoering voor brassband en koor is het in de meeste gevallen aan te bevelen de optie voor scherp koper weg te laten. Het koor zingt zelfstandig, begeleid door een volledige brassband. In een instrumentale uitvoering kunt u denken aan eencombinatiekwartet (twee cornetten en twee trombones) + brassband.Koorpartijen apart verkrijgbaar.M issa Brevis, eine Messe für Brass Band und Chor ad libitum, kann in diversen variablen Spielstärken aufgeführt werden. Zahlreiche mögliche Instrumentenkombinationen diverse mögliche Kombinationen mit großen oder kleineren Chören, lassen eineVielzahl von verschiedenen Aufführungen dieser Messe zu. So kann z. B. ein Blechbläserquartett, von der Kirchenempore herab spielend, die Chorpartien übernehmen. Darüber hinaus ergeben sich durch die Orgelbegleitung weitere Aufführungsvarianten. EineAufstellung der Wahlmöglichkeiten wird vom Komponisten mitgeliefert. Die wunderschöne Musik aus der Feder von Jacob de Haan garantiert in jedem Fall einen gelungenen Auftritt!Chorstimmen separat erhältlich. Missa Brevis est une messe pour Orchestre d’Harmonie et Choeur composée la demande du Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir. : Philippe Pfisterer) de Guebwiller en France, l’occasion des célébrations dumillénaire de la naissance du Pape Léon IX Éguisheim. La création mondiale a eu lieu le 23 juin 2002 sous la direction du compositeur, et a été diffusée en direct sur la chaîne de télévision nationale France 2. Les différentes parties de cettemesse (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus et Agnus Dei) conviennent autant la liturgie catholique qu’ la liturgie protestante. Missa Brevis peut être interprétée dans différentes combinaisons instrumentales. Ellepeut être jouée dans une version purement instrumentale, où les cuivres prennent en charge la partie vocale. En tel cas, il est conseillé de placer les cuivres l’écart de la formation (sur une estrade, par exemple) de façon reproduire l’idée dedeux groupes indépendants. Dans le cadre d’une interprétation avec un grand Choeur, les cuivres jouent un rôle de soutien. Leurs nuances doivent alors être adaptées dans la mesure où elles ont été écrites, l’origine, pour une version instrumentale.Il est également possible de ne pas faire intervenir les cuivres et de privilégier le Choeur. Pour accompagner de petits ensembles vocaux, il faut opter pour une formation instrumentale réduite voire même un Quatuor (instrumentation au choix). Pourl’interprét ation de cette messe l’un des choix proposés ci-dessus s’impose. Il existe néanmoins une alternative qui consiste interpréter cette oeuvre en combinant ces options (vocales / instrumentales). Cela peut être bénéfique tant d’un point devue artistique (variante) que pratique dans le cas où le Choeur n’a travaillé que deux mouvements de la messe. Si le chef dispose de deux formations complètes (Choeur et Orchestre d’Harmonie), il peut varier l’instrumentation selon ses préférences. ce moment-l , il peut confier un rôle d’accompagnement et non de soutien aux cuivres de sa formation. Les combinaisons suivantes peuvent être formées :
1. Choeur de Clarinettes (de la Clarinette Mib la Clarinette Basse)
2. Choeur de Clarinettes + Saxophones
3. Cuivres (Bugles, Cors, Barytons / Euphoniums, Basses)
4. Cuivres (2 Trompettes / 2 Trombones)
5. Instruments anches doubles (Fl te et Contrebasse cordes optionnelles)
6. Tutti
7. Tous les Bois
8. Tous les Cuivres
Dans le cadre d’une interprétation par un Brass Band accompagné d’un Choeur, il est préférable de supprimer l’option 1 (Choeur + Cuivres + Orchestre d’Harmonie) car le Choeur étant autonome. Dans une version instrumentale pour Cuivres, il estpossible de former la combinaison suivante : Quatuor (2 Cornets / 2 Trombones) et Brass Band.Partitions pour chœur disponibles séparément. Parti per coro disponibili a parte.
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SKU: BT.DHP-1033337-015
9x12 inches.
Missa Brevis, written for choir and wind band, was commissioned by the Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir.: Philippe Pfisterer) in Guebwiller (France), in celebration of the millennium of Pope Leon IX’sbirth in Éguisheim (France). The composer conducted the first performance on June 23, 2002. It was performed live for the French television channel France 2. The mass movements Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus, and Agnus Deiare very suitable for the Catholic as well as the Protestant liturgy. For this mass, various ways for performing in diverse variable strengths are possible. An instrumental performance is possible if the brass represents the choir parts. In thisoption, it is desirable for the brass to be positioned separately from the rest of the band (on a gallery, for example), so that the idea of two choirs is approached. In a performance with a large choir, the brass can work very well as a support. Inthat case, the dynamics of the brass should be adapted somewhat, since these are actually intended for an instrumental performance. You can also leave out the brass entirely for the benefit of the choir. For the accompaniment of smaller choirs, youcan opt for a small ensemble from the band. This can also be a quartet, put together as desired. For the performance of this mass, the obvious choice is one of the above options. However, as an alternative, a performance with a combination of theseoptions (vocally/instrumentally) is also possible not just from an artistic point of view (variation), but also from a practical starting point for example in the case that the choir has rehearsed only two movements. With a full strength, theconductor can vary the instrumentation to his or her liking. Then the brass can also play a role in the accompaniment (instead of supporting the choir). The following combinations are possible:1. clarinet choir (from Eb Clarinet to BassClarinet)2. clarinet choir + saxophones3. brass (flugelhorns, horns, euphoniums, bass section)4. brass (2 trumpets / 2 trombones)5. double reeds (optional + flute, optional + string bass)6. tutti7. all winds8. allbrassIn a performance by brass band and choir, it is usually advisable to leave out option 1 (choir + brass + band). The choir sings self-reliantly, accompanied by a full brass band. In an instrumental performance, you can consider a combinedquartet (two cornets and two trombones) + brass band.Choral parts available separately.Mis sa Brevis, geschreven voor koor en blaasorkest, werd gecomponeerd in opdracht van de Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (dir. Philippe Pfisterer) in Guebwiller (Frankrijk), ter gelegenheid van het duizendstegeboortejaar van paus Leo IX. In zijn geboorteplaats, Éguisheim (Elzas, Frankrijk), vond op 23 juni 2002 de première van deze mis plaats onder leiding van de componist. Het betrof een live-registratie voor de Franse televisiezender France 2. Demisdelen Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus en Agnus Dei lenen zich uitstekend voor zowel de katholieke als de protestantse liturgie. Er zijn voor deze mis diverse uitvoeringsmogelijkheden mogelijk, aangezien er sprake is van eenvariabele bezetting. Een instrumentale uitvoering behoort uitdrukkelijk tot de mogelijkheden, indien het scherp koper de koorpartijen vertegenwoordigt. In deze optie is het wenselijk dat het scherp koper zich separaat opstelt van de rest van hetorkest (bijvoorbeeld op een galerij), zodat het idee van dubbelkorigheid wordt benaderd. Bij een uitvoering voor groot koor werkt het scherp koper zeer goed als ondersteuning. In dat geval kan de dynamiek van het koper iets worden aangepast,aangezien deze in eerste instantie bedoeld is voor een instrumentale versie. Ook kan men ervoor kiezen het scherp koper helemaal weg te laten ten gunste van het koor. Bij begeleiding van kleinere koren kan men kiezen voor een klein ensemble uit hetorkest. Dit kan ook een naar wens samengesteld kwartet zijn. Voor de uitvoering van deze mis ligt het voor de hand een van deze opties te kiezen. Als alternatief is echter ook een uitvoering mogelijk met een combinatie van deze opties (vocaal/instrumentaal) niet slechts vanuit een artistiek motief (afwisseling), maar ook vanuit een praktisch motief, voor het geval dat het koor bijvoorbeeld slechts twee delen heeft ingestudeerd. Bij een volledige bezetting kan de dirigent deinstrumentatie naar believen afwisselen. Hierbij kan ook het scherp koper in de begeleiding een rol krijgen (in plaats van ondersteuning van het koor). Zo zijn de volgende combinaties mogelijk:
In een uitvoering voor brassband en koor is het in de meeste gevallen aan te bevelen de optie voor scherp koper weg te laten. Het koor zingt zelfstandig, begeleid door een volledige brassband. In een instrumentale uitvoering kunt u denken aan eencombinatiekwartet (twee cornetten en twee trombones) + brassband.Koorpartijen apart verkrijgbaar.M issa Brevis, geschrieben für Chor und Blasorchester entstand im Auftrag des Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir.: Philippe Pfisterer) in Guebwiller (Frankreich), anlässlich des tausendjährigen Jubiläumsder Geburt von Papst Leo IX in Éguisheim. Der Komponist dirigierte die Uraufführung am 23. Juni 2002. Sie wurde live vom französischen Fernsehen France 2 übertragen. Die Messesätze Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus und Agnus Deieignen sich ausgezeichnet sowohl für die katholische als auch die protestantische Liturgie. Diese Messe kann in diversen variablen Spielstärken aufgeführt werden. Eine Instrumentalaufführung ist möglich, wenn das Blech die Chorstimme übernimmt.Um der Idee von zwei Chören in dieser Variante möglichst gerecht zu werden, empfiehlt es sich, das Blechregister getrennt vom Rest des Blasorchesters aufzustellen (beispielsweise auf einer Galerie). In einer Aufführung mit einem großen Chor kann dasBlechregister sehr gut als Unterstützung dienen. In diesem Fall sollten die Dynamikangaben der Blechbläser etwas angepasst werden, da sie ja eigentlich für eine Instrumentalaufführung gedacht sind. Man kann zugunsten des Chors auch völlig auf dasBlech verzichten. Zur Begleitung kleinerer Chöre können Sie ein kleines Ensemble aus dem Blasorchester wählen. Dies könnte auch ein Quartett in beliebiger Zusammensetzung sein. Für die Aufführung dieser Messe bietet sich eine der oben genanntenVarianten an. Eine Kombination dieser Wahlmöglichkeiten (vokal/instrumental) ist jedoch auch möglich und das nicht nur vom künstlerischen Standpunkt aus betrachtet (zur Abwechslung), sondern auch aus praktischen Erwägungen beispielsweise, wennder Chor nur zwei Sätze einstudiert hat. In voller Besetzung kann der Dirigent die Instrumentierung nach Belieben variieren. Dann können die Blechbläser auch eine Rolle in der Begleitung übernehmen (anstatt den Chor zu unterstützen). Die folgendenKombinationen sind möglich:
1. Klarinettenchor (von Klarinette in Es bis Bassklarinette)
2. Klarinettenchor + Saxophone
3. Blech (Flügelhorn, Horn, Euphonium, Bassregister)
4. Blech (2 Trompeten / 2 Posaunen)
5. Doppelrohrblattinstrument e (wahlweise + Flöte, wahlweise + Kontrabass)
7. Alle Holzbläser
8. Alle Blechbläser
In einer Aufführung mit Brass Band und Chor ist es gewöhnlich ratsam, nicht die erste Option (Chor + Blech + Blasorchester) zu wählen. Der Chor singt unabhängig, begleitet von einer vollständigen Brass Band. In einer Instrumentalaufführung könnenSie sich für ein kombiniertes Quartett (zwei Kornette und zwei Posaunen) + Brass Band entscheiden. Chorstimmen separat erhältlich. Missa Brevis est une messe pour Orchestre d’Harmonie et Choeur composée la demande du Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir. : Philippe Pfisterer) de Guebwiller en France, l’occasion des célébrations dumillénaire de la naissance du Pape Léon IX Éguisheim. La création mondiale a eu lieu le 23 juin 2002 sous la direction du compositeur, et a été diffusée en direct sur la chaîne de télévision nationale France 2. Les différentes parties de cettemesse (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus et Agnus Dei) conviennent autant la liturgie catholique qu’ la liturgie protestante. Missa Brevis peut être interprétée dans différentes combinaisons instrumentales. Ellepeut être jouée dans une version purement instrumentale, où les cuivres prennent en charge la partie vocale. En tel cas, il est conseillé de placer les cuivres l’écart de la formation (sur une estrade, par exemple) de façon reproduire l’idée dedeux groupes indépendants. Dans le cadre d’une interprétation avec un grand Choeur, les cuivres jouent un rôle de soutien. Leurs nuances doivent alors être adaptées dans la mesure où elles ont été écrites, l’origine, pour une version instrumentale.Il est également possible de ne pas faire intervenir les cuivres et de privilégier le Choeur. Pour accompagner de petits ensembles vocaux, il faut opter pour une formation instrumentale réduite voire même un Quatuor (instrumentation au choix). Pourl’interprét ation de cette messe l’un des choix proposés ci-dessus s’impose. Il existe néanmoins une alternative qui consiste interpréter cette oeuvre en combinant ces options (vocales / instrumentales). Cela peut être bénéfique tant d’un point devue artistique (variante) que pratique dans le cas où le Choeur n’a travaillé que deux mouvements de la messe. Si le chef dispose de deux formations complètes (Choeur et Orchestre d’Harmonie), il peut varier l’instrumentation selon ses préférences. ce moment-l , il peut confier un rôle d’accompagnement et non de soutien aux cuivres de sa formation. Les combinaisons suivantes peuvent être formées :
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Versailles, composed by Christian Bouthier, reflectsa number of impressions of the royal castle inVersailles, near Paris. There are four movementsconsisting of Le Chateau, Le grand Trianon,L’Appartem ent du Roi and Les Grandes Eaux eachof which depicts a different aspect of Versaillesboth inside and outside. Bring a touch of regalnessto any concert band programme. Versailles , gecomponeerd door Christian Bouthier, geeft een aantal indrukken weer van het koninklijke kasteel te Versailles, vlak bij Parijs. De vier afwisselende delen beschrijven achtereenvolgens Le ch teau (het kasteelzelf), Le grand Trianon (het extra complex dat Lodewijk XIV liet bouwen), L’Appartement du Roi (het appartement van de koning) en Les Grandes Eaux (de waterpartijen). De fraaie thema’s worden verklankt inboeiende, gemakkelijk te spelen muziek voor blaasorkest.Ve rsailles, aus der Feder von Christian Bouthier, spiegelt eine Reihe von Impressionen des königlichen Schlosses in Versailles bei Paris wider. Die vier abwechslungsreichen Sätze beschreiben das Schloss selbst, den Nebenpalast Le Grand Trianon, die Gemächer des Königs und das weitläufige System an Wasserläufen und Teichen, welches die ganze Anlage einst versorgte. Prächtige Motive, verpackt in interessante, leicht spielbare Musik. Versailles de Christian Bouthier est une suite en quatre tableaux inspirés du célèbre Ch teau de Versailles près de Paris.1. Le Ch teau Dès 1623, Louis XIII, le père de Louis XIV (dit le Roi-Soleil), construit Versailles un premier ch teau majestueux. Plus tard, l’architecte Philibert Le Roy s’est vu confier la t che de l’agrandir. Et durant des siècles, divers autres architectes se consacrent l’agrandissement et l’embellissement de ce superbe palais pour en faire cet ensemble de façades et de b timents majestueux, célèbre dans le monde entier.2. Le grand Trianon Trianon est le nom d'un village acheté par Louis XIV dans le but de construire sur ces nouvelles terres unautre palais. Cherchant se défaire du protocole trop pesant de Versailles, le Roi est Trianon plus proche des siens. Trianon demeurera un lieu de détente, loin de l'étiquette et des fatigues du pouvoir. Les travaux du premier Trianon débutent en 1670. De nombreux b timents et péristyles seront rajoutés au fil des années.3. L'Appartement du Roi En 1683, Louis XIV quitte son Grand Appartement pour vivre dans son appartement intérieur qu'on appelle l'Appartement du Roi. Depuis 1701, la suite des pièces est la suivante : salle des Gardes, antichambre du Grand Couvert, antichambre de l'Œil-de-bœuf, chambre du Roi, cabinet du Conseil. L'apparat des plafonds peints qui caractérisait le décor du Grand Appartement, fait place un décor sobre où les plafonds sont laissés nus. Cet allégement correspond un nouveau go t du Roi-Soleil.4. Les Grandes EauxTrouver les ressources en eaux pour les fontaines de Versailles fut la préoccupation constante du Roi-Soleil. Même en pleine guerre, il s'en inquiétait. Ce sera l’extraordinaire Machine de Marly qui apportera les eaux de la Seine Versailles. L’arrivée des eaux au Ch teau aura nécessité la construction d’un réseau hydraulique de rigoles, de fossés et d'aqueducs s’étendant sur près de deux cent kilomètres. L'ensemble demeure unique notamment par son état de conservation.
SKU: BT.DHP-1043670-030
Versailles, composed by Christian Bouthier, reflects a number of impressions of the royal castle in Versailles, near Paris. There are four movements consisting of Le Chateau, Le grand Trianon, L’Appartement du Roi and Les Grandes Eaux each of which depicts a different aspect of Versailles both inside and outside. Bring a touch of regalness to any concert band programme. Versailles , gecomponeerd door Christian Bouthier, geeft een aantal indrukken weer van het koninklijke kasteel te Versailles, vlak bij Parijs. De vier afwisselende delen beschrijven achtereenvolgens Le ch teau (het kasteelzelf), Le grand Trianon (het extra complex dat Lodewijk XIV liet bouwen), L’Appartement du Roi (het appartement van de koning) en Les Grandes Eaux (de waterpartijen). De fraaie thema’s worden verklankt inboeiende, gemakkelijk te spelen muziek voor blaasorkest.Ve rsailles, aus der Feder von Christian Bouthier, spiegelt eine Reihe von Impressionen des königlichen Schlosses in Versailles bei Paris wider. Die vier abwechslungsreichen Sätze beschreiben das Schloss selbst, den Nebenpalast Le Grand Trianon, die Gemächer des Königs und das weitläufige System an Wasserläufen und Teichen, welches die ganze Anlage einst versorgte. Prächtige Motive, verpackt in interessante, leicht spielbare Musik für Brass Band.Versaille s de Christian Bouthier est une suite en quatre tableaux inspirés du célèbre Ch teau de Versailles près de Paris.1. Le Ch teau Dès 1623, Louis XIII, le père de Louis XIV (dit le Roi-Soleil), construit Versailles un premier ch teau majestueux. Plus tard, l’architecte Philibert Le Roy s’est vu confier la t che de l’agrandir. Et durant des siècles, divers autres architectes se consacrent l’agrandissement et l’embellissement de ce superbe palais pour en faire cet ensemble de façades et de b timents majestueux, célèbre dans le monde entier.2. Le grand Trianon Trianon est le nom d'un village acheté par Louis XIV dans le but de construire sur ces nouvelles terres unautre palais. Cherchant se défaire du protocole trop pesant de Versailles, le Roi est Trianon plus proche des siens. Trianon demeurera un lieu de détente, loin de l'étiquette et des fatigues du pouvoir. Les travaux du premier Trianon débutent en 1670. De nombreux b timents et péristyles seront rajoutés au fil des années.3. L'Appartement du Roi En 1683, Louis XIV quitte son Grand Appartement pour vivre dans son appartement intérieur qu'on appelle l'Appartement du Roi. Depuis 1701, la suite des pièces est la suivante : salle des Gardes, antichambre du Grand Couvert, antichambre de l'Œil-de-bœuf, chambre du Roi, cabinet du Conseil. L'apparat des plafonds peints qui caractérisait le décor du Grand Appartement, fait place un décor sobre où les plafonds sont laissés nus. Cet allégement correspond un nouveau go t du Roi-Soleil.4. Les Grandes EauxTrouver les ressources en eaux pour les fontaines de Versailles fut la préoccupation constante du Roi-Soleil. Même en pleine guerre, il s'en inquiétait. Ce sera l’extraordinaire Machine de Marly qui apportera les eaux de la Seine Versailles. L’arrivée des eaux au Ch teau aura nécessité la construction d’un réseau hydraulique de rigoles, de fossés et d'aqueducs s’étendant sur près de deux cent kilomètres. L'ensemble demeure unique notamment par son état de conservation.
SKU: BT.DHP-1043670-216
Versailles, composed by Christian Bouthier, reflects a number of impressions of the royal castle in Versailles, near Paris. There are four movements consisting of Le Chateau, Le grand Trianon, L’Appartement du Roi and Les Grandes Eaux each of which depicts a different aspect of Versailles both inside and outside. Bring a touch of regalness to any concert band programme. Versailles , gecomponeerd door Christian Bouthier, geeft een aantal indrukken weer van het koninklijke kasteel te Versailles, vlak bij Parijs. De vier afwisselende delen beschrijven achtereenvolgens Le ch teau (het kasteelzelf), Le grand Trianon (het extra complex dat Lodewijk XIV liet bouwen), L’Appartement du Roi (het appartement van de koning) en Les Grandes Eaux (de waterpartijen). De fraaie thema’s worden verklankt inboeiende, gemakkelijk te spelen muziek voor blaasorkest.Ve rsailles, aus der Feder von Christian Bouthier, spiegelt eine Reihe von Impressionen des königlichen Schlosses in Versailles bei Paris wider. Die vier abwechslungsreichen Sätze beschreiben das Schloss selbst, den Nebenpalast Le Grand Trianon, die Gemächer des Königs und das weitläufige System an Wasserläufen und Teichen, welches die ganze Anlage einst versorgte. Prächtige Motive, verpackt in interessante, leicht spielbare Musik. Versailles de Christian Bouthier est une suite en quatre tableaux inspirés du célèbre Ch teau de Versailles près de Paris.1. Le Ch teau Dès 1623, Louis XIII, le père de Louis XIV (dit le Roi-Soleil), construit Versailles un premier ch teau majestueux. Plus tard, l’architecte Philibert Le Roy s’est vu confier la t che de l’agrandir. Et durant des siècles, divers autres architectes se consacrent l’agrandissement et l’embellissement de ce superbe palais pour en faire cet ensemble de façades et de b timents majestueux, célèbre dans le monde entier.2. Le grand Trianon Trianon est le nom d'un village acheté par Louis XIV dans le but de construire sur ces nouvelles terres unautre palais. Cherchant se défaire du protocole trop pesant de Versailles, le Roi est Trianon plus proche des siens. Trianon demeurera un lieu de détente, loin de l'étiquette et des fatigues du pouvoir. Les travaux du premier Trianon débutent en 1670. De nombreux b timents et péristyles seront rajoutés au fil des années.3. L'Appartement du Roi En 1683, Louis XIV quitte son Grand Appartement pour vivre dans son appartement intérieur qu'on appelle l'Appartement du Roi. Depuis 1701, la suite des pièces est la suivante : salle des Gardes, antichambre du Grand Couvert, antichambre de l'Œil-de-bœuf, chambre du Roi, cabinet du Conseil. L'apparat des plafonds peints qui caractérisait le décor du Grand Appartement, fait place un décor sobre où les plafonds sont laissés nus. Cet allégement correspond un nouveau go t du Roi-Soleil.4. Les Grandes EauxTrouver les ressources en eaux pour les fontaines de Versailles fut la préoccupation constante du Roi-Soleil. Même en pleine guerre, il s'en inquiétait. Ce sera l’extraordinaire Machine de Marly qui apportera les eaux de la Seine Versailles. L’arrivée des eaux au Ch teau aura nécessité la construction d’un réseau hydraulique de rigoles, de fossés et d'aqueducs s’étendant sur près de deux cent kilomètres. L'ensemble demeure unique notamment par son état de conservation.
