Préfixes

Par DUFOURT HUGUES. Erewhon I image d'un monde-genèse, d'un pur espace en action. Décharges, vrilles, turbulences, saccades. Les formes s'enchevêtrent, s'encastrent, ou s'écrasent mutuellement sous la pression du dynamisme qui les soulève. La violence formelle vise à la concentration la plus dense, à l'imbrication la plus serrée. Elle brise et contracte - un formalisme du heurt et de la fracture. La percussion des peaux se prête tout particulièrement aux métamorphoses brutales - libérée de contraintes d'échelle, elle ne s'attache qu'à l'aspect énergétique du son. Avec un nombre suffisant d'instruments, on dispose d'un véritable clavier d'impulsions dynamiques: attaques sèches et abruptes, ébranlements sourds, secousses avec résonance timbrée, ou impacts mats. Rythmique, métrique, dynamique sont totalement dissociées. L'est leur imbrication forcée qui crée la tension de l'oeuvre. La mise en oeuvre consiste à articuler entre elles ces configurations explosives, en jouant plus ou moins de leurs conflits de structure. Erewhon II est un essai de stéréodynamique fantastique. Qu'adviendrait-il d'un espace brusquement saturé de toutes les figures de l'énergie, comme échappées des mailles de l'univers ? Il en surgirait peut-être un monde de pur mouvement sans limite assignable, une tourmente d'architectures tremblées, la prolifération soudaine d'une flambée d'interférences. Pour traduire l'image de cette complexité effervescente, j'ai tenté de réaliser une architecture mouvante de timbres métalliques (plaques de tôle, cymbales, gongs, tam-tams) où prévaudraient la fluence, l'ambiguïté, l'indéfini des transitions. Un jeu de glissements incessants, le recouvrement mutuel des masses sonores tendent à produire un effet de fuite indéfinie. La superposition ou l'alternance des timbres, qui creusent et soulèvent tour à tour l'onde sonore constituent un élément rythmique. Autre forme de scansion: les blocs de lumière plantés dans la masse (vibraphones, glockenspiels) se dressent dans un mouvement de surrection radicale. Dans cette oeuvre, j'ai tenté de tirer systématiquement parti des ressources spécifiques de la percussion pour métaux: modification du timbre par l'attaque, lente transformation de la couleur du son sous l'effet des roulements de baguettes douces (plaques de tôle, gongs, tam-tams), utilisation des grains de résonance (le scintillement progressif d'une cymbale), modulation des spectres dynamiques de la résonance. La percussion métallique modifie profondément les relations entre la production et la perception du son. Elle remet en question l'équilibre traditionnel (instrumental ou vocal) entre les mouvements articulatoires et les ondes acoustiques qu'ils engendrent. Il faut précisément tenir compte de ce coefficient dynamique propre aux résonances métalliques, qui donne naissance à une nouvelle classe de sons 'fluides'. Erewhon III adagio pour percussion qui traite les instruments comme des voix: gongs, cloches tubes, cloches de vache, timbales, marimba. Dans cette oeuvre, j'ai expressément tenu compte de la dynamique globale du son de percussion. Frapper un gong, ébranler un tam-tam, c'est créer un évènement énergétique avec un foyer (le choc), et une aire d'irradiation (le signal rayonné). Le temps métrique est entièrement subordonné à la durée interne de phases de résonance. De plus, la résonance d'un instrument métallique produit une forme dont le modelé s'anime d'un mouvement interne d'expansion. Elle donne à l'espace sonore une loi de croissance, de courbure, elle lui imprime une allure évolutive. Les propriétés physiques de la résonance des métaux dessinent d'elles-mêmes une géométrie expressive. J'ai tenté de tirer parti de cet alphabet de configurations fugaces, mais nettement différenciées par leur spectre de dispersion. Leur emploi contraint à une organisation spécifiée par des lois d'affinité ou de contraste. Enfin, le traitement des cloches et des gongs pose un problème harmonique particulier: on a affaire à des sons hybrides qui s'entendent tantôt comme des hauteurs définies, tantôt comme des sons complexes (paquets de spectres harmoniques), fixes en tessiture, mais sans degré assignable. D'où l'intérêt des équivoques, des oscillations, des transitions entre ces deux régimes distincts du son. Erewhon III est un paysage imaginaire, à la manière d'Edgar Poe: résurgence lointaine d'un écho rémanent. Erewhon IV avec cette oeuvre, j'ai tenté d'approcher une situation limite. Que resterait-il d'un langage dont la parole s'est retirée, d'un discours sans la communication ? Il ne subsisterait rien sans doute, sinon les indices d'un monde aboli, des traces, un souffle, une illusion sonore. J'ai imaginé à ce propos un fourmillement imperceptible, un état dynamique extrêmement ténu, formé d'une grêle d'attaques sèches et incisives sur les peaux. Cette matière est animée de gonflements très lents, de fluctuations à peine marquées, traversées çà et là de coulées métalliques diffuses. Pour modeler ces volumes accordés à leur propre pulsation, je me suis inspiré des techniques de la gravure. L'art de l'entaille sait, avec des moyens d'une précision aigüe, évoquer un lointain, un ailleurs, traduire le flottement d'un espace sans attache. Quelques traits, un dégradé de points, suffisent à susciter un jeu d'ombres, un mélange de clarté livide et de scintillement noir. Précisément, l'esprit de l'écriture musicale ne me paraît pas étranger à cette économie graphique, qui crée du flou avec de l'acéré. C'est pourquoi je me suis limité, dans cette oeuvre, à une composition de grains, plus ou moins resserrés, plus ou moins dilatés: battuto, roulements, frottements, résonances. Extrait du programme du Centre Beaubourg, Paris, 1989 / contemporain / Répertoire / 6 Percussions

Par CAMPO REGIS. Compositeur français, Régis Campo parvient à allier la subtilité de la musique spectrale avec un mouvement rythmique énergique et un grand sens de l'humour. Dans Dancefloor with Pulsing, l'orchestre symphonique terrestre est visité par un vaisseau spatial venu de Mars avec une piste de danse extraterrestre à bord. Les sons extraterrestres sont produits par le thérémine, un instrument inventé en 1919 par le physicien russe Léon Theremin et qui a récemment connu un regain de popularité sur la scène musicale électronique. Sa particularité est que celui qui en joue ne touche pas l'instrument. En bougeant ses mains dans l'espace, il influence un signal radio qui est ensuite traduit en son synthétique. La hauteur du son est commandée avec la main droite, tandis que la gauche détermine le volume sonore. Puisque cet instrument est joué 'en l'air', les hauteurs ne sont pas fixes ou prédéterminées, ce qui permet de 'glisser' d'une note à l'autre. L'énorme ambitus et la grande puissance expressive de l'instrument sont ses grands atouts et le distinguent des autres instruments électroniques anciens. Dans le registre aigu, le son ressemble à une voix de soprano, avec les mêmes possibilités en termes de vibrato et d'expressivité, mais Campo privilégie les sons bruts et 'rock'n'roll'. Le titre de l'oeuvre fait référence à la culture de la dance. Par ailleurs, la première indication de tempo, 'wacky, with exuberance' ('délirant, avec exubérance'), nous confirme immédiatement qu'il ne s'agit pas d'un concerto classique. Après la sonorité tourbillonnante du début, la pulsation rythmique est immédiatement enclenchée, bien que de façon très douce. La grosse caisse imprime le 'techno beat' tandis que d'autres instruments produisent des sons inhabituels. Le solo de thérémine entre d'emblée dans ce mouvement palpitant, avec, à nouveau, une intéressante indication dans la partition : 'very hard and dirty (techno music sound), like a big invader starship' ('très dur et sale (son de musique techno), comme un grand vaisseau envahisseur'). Les légers battements de coeur de la percussion sont parfois interrompus par une courte explosion sonore. Le rôle de l'orchestre devient progressivement plus important, et après un peu moins de deux minutes, le beat est ébranlé pour la première fois. Tout au long de l'oeuvre, Campo joue avec la stabilité et l'instabilité rythmique. Toutes les facettes du thérémine sont utilisées, du registre grave et grondant jusqu'aux sons éthérés les plus aigus. L'instrument est évidemment à des kilomètres de l'univers sonore de l'orchestre symphonique, mais le compositeur n'en réussit pas moins à créer des moments de convergence. Quand les violons en glissandos cherchent le dialogue avec le thérémine, une couleur sonore particulière naît qui ferait presque oublier que l'instrument soliste nous est inconnu. A la fin de l'oeuvre, le thérémine et l'orchestre quittent la Terre dans un grand glissando. Ils semblent franchir le mur du son pour disparaître à nouveau dans l'immensité de l'espace. / Contemporain / Répertoire / Thérémine et Orchestre

Ce DVD de plus de 2h se divise en deux partie. Dans la première Pandit Shankar Ghosh, reconnu comme l'un des grands maîtres contemporains de la precussion indienne, vous fait assister à ses cours. Vous étudirez les différentes frappes (bols) qui vous permetteront de jouer du tabla. Vous pourrez apprendre des compositions à thème et variations (kaïda, Rela, Laggi...) et des compositions fixes (Tukra, Gat, Chakradar...). L'accord du tabla est également expliqué. La seconde partie est un film documentaire se déroulant à Calcutta. Ce film présente l'environnement artistique et pédagogique du tabla, ainsi que sa fabrication artisanale. / Percussions Diverses / Dvd

Dans Quartetto, la perception est régie par les différents plans sonores et le rôle dévolu à chacun, L'auditeur est ainsi amené à naviguer d'un instrument à l'autre voire d'une texture à une autre, La création d'espaces déployés du 1er mouvement s'oppose les éléments composites et contrastés du 2nd, La prédominance de couleurs modales ou de figures atonales, apparaissent afin de maintenir une écoute ' active ', Plus qu'un ensemble fait de formes fixes, Quartetto dépeint le passage et traduit une pensée créatrice en mouvement - Collection Notes de Sax / 4 Saxophones

oeuvre commandée par la Communauté d'agglomération Grand Paris Sud-Ouest à l'attention de ses conservatoires de musique, notamment le C.R.R. de Boulogne-Billancourt.Sur quatre notes, Ré-Mi-Sol-Lab, un chantonnement épisodique parcourt la pièce en arrière-plan. Dessus va se greffer un geste ascendant, un peu solennel, sous forme de phrases qui couvriront toute l'étendue de l'instrument, et dont les doubles sons au débit régulier devront respecter bientôt un accelerando et un crescendo. En contraste, un autre élément, au caractère souple, mélodique et expressif, décrit des courbes de direction descendante. Celles-ci surgissent à partir de deux notes fixes, Do#-Sib, qui reviennent obstinément, comme un signal. Deux cheminements évoluent donc dans des directions opposées, en s'entrecoupant l'un l'autre. Un jeu d'échos s'établit à partir de ces composants, et les met en perspective.La pièce demande de la part de l'interprète un jeu très coloré, avec une palette de nuances aussi diversifiée que possible.A l'écoute de cette musique, on ne doit pas percevoir de pulsation forte et mécanique.Les sons évoluent comme ceux de la nature, de façon souple. / Harpe Celtique Seule