Trio 1967

“I first learned of the ‘Horn Trio’ by Johannes Brahms while still a student at Dartington College of Arts and it had a profound effect on me when I heard it performed by Alan Civil Hugh Bean and David Parkhouse at a concert in Plymouth in 1967. As a novice Horn player and composer I dreamt of being able to join Lennox Berkeley and the many other composers inspired by these luscious musical sonorities andthis work of great genius by Brahms. Now in my late sixties I feel ready to tackle this project and I am delighted that the piece has now been published. The writing is I hope idiomatic and accessible giving the performer ampleopportunity for generous and expressive playing within a proudly English musical landscape. Within these four movements I have tried to create a work of beauty reflecting something of the world about us with a dash of firereserved for the final rondo.” - John Frith

J'avais initialement imaginé composer ce trio à la manière d'un cuisinier, alliant les timbres improbables d'une voix, d'une guitare et des ondes martenot, composant des textures, avec en tête une des recettes du chef Pierre Gagnaire, son Navet blanc Buren, eau de tomate au wasabi, huile d'olive ardente givrée. Alors partant de là, cette pièce est peut-être l'histoire d'un échec (relatif) - ou bien du manque de correspondance entre ce que je suis et ce que je voulais réaliser. Au fil des esquisses que je raturais, deux idées me sont apparues:- l'une vient de la façon dont j'ai appris à cuisiner - un bon plat repose avant tout sur la préparation individualisée des ingrédients.- l'autre est une réminiscence d'un mot du compositeur Jérôme Combier qui m'écrivait, à propos de certaines de mes pièces qu'il fallait 'les écouter sans rien attendre' - prendre le son, la texture, comme elle se présente à nous.Oui, il ne faut rien attendre d'autre que ce que sont ces esquisses, même pas ce qu'elles représentent - ces sons n'ont pas vocation à proliférer, à être développés, à muter ou à fusionner - ils existent pour eux-mêmes. Leur préparation dissociée, leur composition individualisée doit être suffisamment réussie pour qu'ils ne renvoient qu'à eux-mêmes. La relation des uns par rapport aux autres repose sur bien plus que mon travail - interprètes, auditeurs sont des acteurs essentiels du sens donné.Je me suis alors souvenu des poèmes de Denis Roche et plus particulièrement de ses Dépôts de Savoir et de Technique, dans lesquels des bribes de phrases s'entrechoquent dans une prose qui renvoie le lecteur à son action de lecteur: donner sens, donner rythme, donner corps, donner vie à l'oeuvre.C'est dans cette tension de l'a-composition qu'a été écrit ce trio, à bout portant contre et pour moi-même.Colin Roche (mai 2009) / Voix, Guitare et Ondes Martenot

B-Dur. Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. This Litany of the Blessed Virgin Mary is the first and most straightforward of four litanies which Mozart composed from 1771 to 1776 in Salzburg. Its light instrumental scoring - only the 'church trio'' of two violins and continuo, with trombones used merely to reinforce the choir - suggest that this piece was intended for Marian devotions in the small Court Chapel of Schloss Mirabell. / Hymnes et chorals / Date parution : 2005-06-01/ Répertoire / Solistes SATB, Choeur SATB, 2 ViolonS Basse Contin

B-Dur. Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. This Litany of the Blessed Virgin Mary is the first and most straightforward of four litanies which Mozart composed from 1771 to 1776 in Salzburg. Its light instrumental scoring - only the 'church trio'' of two violins and continuo, with trombones used merely to reinforce the choir - suggest that this piece was intended for Marian devotions in the small Court Chapel of Schloss Mirabell. / Hymnes et chorals / Date parution : 2001-05-01/ Répertoire / Solistes SATB, Choeur SATB, 2 ViolonS Basse Contin

B-Dur. Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. This Litany of the Blessed Virgin Mary is the first and most straightforward of four litanies which Mozart composed from 1771 to 1776 in Salzburg. Its light instrumental scoring - only the 'church trio'' of two violins and continuo, with trombones used merely to reinforce the choir - suggest that this piece was intended for Marian devotions in the small Court Chapel of Schloss Mirabell. / Hymnes et chorals / Date parution : 2003-02-01/ Répertoire / Solistes SATB, Choeur SATB, 2 ViolonS Basse Contin

Grøn Drømmesang (2007) for Violin Viola and Cello Grøn Drømmesang (Dream Song In Green) is based on the composers choral song ´Du skal plante et træ´ from 1967 (You should plant a tree text by the Dane Piet Hein) one of the few melodies that came to the composer in a dream as indicated by the title.  Dedicated to Trio Aristos.

Le compositeur hongrois Zoltán Kodály (1882-1967) basait pratiquement toutes ses oeuvres sur la musique populaire hongroise tout comme son compatriote et contemporain Béla Bartók. Pour ses ?variations sur le paon? (1939) il emprunta la mélodie d?une des plus vieilles chansons populaires du patrimoine hongrois ?Felszállott a Páva? qui en hongrois signifie ?paon? et composa nombre de variations sur le thème principal. Le chef d?orchestre et arrangeur Jan Cober a réalisé une version fidèle de cette oeuvre de grande qualité

Création 04/11/2018 - Cologne (Allemagne), Philharmonie - Anaïs Gaudemard (harpe) Commanditaire Fondation Calouste Gulbenkian et Philharmonie de Paris Dédicace à Anaïs Gaudemard Notice Nighthawks est une oeuvre pour harpe solo. Lorsqu' Anaïs Gaudemard [1] m'a demandé d'écrire cette oeuvre, elle souhaitait l'intégrer à un programme sur le thème des oiseaux. J'ai immédiatement pensé à l'oeuvre Nighthawks (1942) - ou Oiseaux de nuit - du peintre réaliste américain Edward Hopper (1882-1967). Inspirée par cette oeuvre, j'ai conçu la pièce d'un seul tenant comme un voyage au coeur de ce tableau. Hopper y projette un instantané de la vie quotidienne américaine. La scène se déroule à une heure avancée de la nuit et plusieurs atmosphères s'en dégagent. En effet, l'oeil est à la fois attiré par cette rue sombre, déserte, et immaculée d'un centre-ville américain ; intrigué par la situation figée des quatre personnages à l'intérieur d'un diner aux couleurs vives ; et hypnotisé par l'éclat de l'immense vitrine du bar. Contrastante avec l'obscurité de la rue, la lumière de cette vitre éclairée au néon est saisissante. Elle sépare ainsi les deux ambiances du tableau. La vue du spectateur à travers elle se fait de l'extérieur vers l'intérieur du bar. L'absence de porte de sortie donne l'impression que les personnages sont isolés et leur solitude est encore renforcée par cette vitre qui entoure la scène éclairée - comme s'ils étaient sous cloche. A l'intérieur du diner, un homme vu de dos mange ; un couple se tient côte à côte (l'homme fume ; la femme est vêtue de rouge) ; un serveur s'affaire. Nous ne savons rien d'eux. Que font-ils à une heure si tardive ? Où se trouve la sortie ? De quoi discutent-ils ? Se connaissent-ils ? J'ai voulu concevoir musicalement cette scène du point de vue du spectateur, comme si nous étions happés, aspirés à l'intérieur même du tableau. L'introduction - Mystérieux, sombre - fait entendre les douze coups de minuit et nous plonge dans l'obscurité de cette rue typiquement américaine. De cette atmosphère nocturne naît un chant étrange - presque ouaté avec les sons xylophoniques - comme si nous ne pouvions l'entendre distinctement à travers la vitre lumineuse qui sépare la rue et le bar. Happés par cette lumière vive, nous passons à travers la vitrine et rentrons progressivement à l'intérieur du diner au moyen d'une boucle hypnotique répétée inlassablement, comme si nous rentrions dans un état de transe - Hypnotique. C'est la tension sous-jacente de cette situation figée des personnages que j'ai voulu représenter dans le passage central - Rythmique et pulsé. Puis, nous sortons de cette sensation d'hypnose en repassant à travers la vitre du bar et retrouvons l'atmosphère nocturne de cette rue déserte et immaculée - Hypnotique - Mystérieux. Camille Pepin [1] Créatrice et dédicataire de la pièce Presse Que voici une oeuvre tout simplement belle ! Camille Pépin, née en 1990, a eu un parcours marqué par la danse et la composition. Mais on découvre ici tout simplement une artiste, qui nous invite à la contemplation d'une oeuvre du peintre Edward Hopper. Ayant travaillé la composition et l'orchestration aussi bien avec Thierry Perrine qu'avec Thierry Escaich, Guillaume Connesson et Marc- André Dalbavie, elle s'est forgé un langage original qui lui permet ici de nous envouter à la fois par sa musique et par la contemplation du tableau. On pourra en juger par l'interprétation qui est faite de cette pièce sur YouTube qu'on écoutera ainsi en regardant le tableau. Bien sûr, on peut aussi écouter l'oeuvre telle quelle : elle se suffit. Mais avec le tableau... Daniel Blackstone L'Education Musicale n°128 (janv-fév 2020)