Two Part Inventions for two Trombones

Such jazz legends as Dick Wellstood Alphonse 'Doc' Cheatham and George Duvivier and more back you up in this amazing collection of New York-style Dixieland standards. After the break-up of the big-band era around 1950 many ofthe finest 'swing' or mainstream players found themselves without an outlet for their abilities and took to playing 'Dixieland' in New York clubs such as Eddie Condon's and the Metropole. And so was born a new style of Dixielandjazz minus the banjos tubas steamboats and magnolias! It is this version we celebrate on this album. We encourage you the soloist to invent counter-melodies rather than mere harmony parts. This is a music of loose weavingparts not one of precision ensemble figures. And in short it is one of the greatest improvisational experiences any jazz player could hope to have. This pack includes a high-quality printed music score and compact disc featuringstereo accompaniments to each piece. Performed by Vic Dickenson trombone; Accompaniment: 'Doc' Cheatham trumpet; Kenny Davern clarinet and soprano szx; Dick Wellstood piano; George Duvivier bass; Gus Johnson Jr. drums

Trumpet feature with optional Percussion. The history of rock and roll can be traced back as far as the musical influence of the first African slaves to arrive in North America, but the term was not used until 1951, when Cleveland disc jockey Alan Freed coined the name from the song "My Baby Rocks Me with a Steady Roll" and launched a radio programme called Moondog Rock'n'Roll Party. The style borrows heavily from rhythm and blues and early rocks stars such as Ike Turner, Bill Haley, Chuck Berry, Buddy Holly and Elvis Presley had a huge influence through the newly-invented juke box and liberated the youth of the day by giving them a music of their own. Rockin? Trumpets gives your brass ensemble the chance to revisit the rock and roll years by featuring the trumpet section.

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

This popular march was written for the film 'The Dam Busters' about the wartime exploits of the R.A.F.'s 617 squadron and their attempts to destroy the dams in Germany's industrial heartland using the 'bouncing bomb' a secret weapon invented by Barnes-Wallis. No secret weapons are required to perform this arrangement just a reasonably able orchestra! Saxophone parts are provided as alternatives (or additions) to the horn parts. The 3rd violin doubles the viola (where necessary at the octave) and either may be omitted.Duration: 4 minutes Orchestration2 Flutes 2 Oboes 3 Clarinets in Bb 2 Bassoons 2 Horns in F (or Alto saxes in Eb or Tenorsaxes in Bb) 3 Trumpets in Bb 2 Trombones Tuba Timpani Percussion (Triangle Cymbals Side Drum Bass drum) Strings (Violin 1 Violin 2 Viola or Violin 3 Cello Bass)

La partition Invention BWV 800 ( d'après Bach ) (cor, trompette, trombone ) est une oeuvre du compositeur Classique Chollet Fabrice. Cette partition musicale est éditée par une des nombreuses maisons d'édition française à savoir Fertile Plaine. Cette oeuvre musicale fait partie intégrante des oeuvres de style Classique. / Ensembles De Cuivres / Partition

Le grand compositeur autrichien Josef Anton Bruckner (1824-1896) est principalement connu pour ses symphonies ses messes son Te Deum ses œuvres pour Quintette à Cordes et sa musique d?église d?une profonde ferveur qui réunit de nombreux motets. En 1885 il composa le grandiose motet Ecce sacerdos pour le millénaire du diocèse de Linz dont il fut l?organiste titulaire pendant plusieurs années. Les parties vocales sont accompagnées d?une partie instrumentale écrite pour trois trombones et orgue. Les couleurs harmoniques sont inventives et flamboyantes. Le compositeur autrichien Thomas Doss a réalisé cet arrangement lumineux pour Orchestre d?Harmonie quireste fidèle à la version originale.

Music Minus One Clarinet or Soprano Sax-Such jazz legends as Dick Wellstood Alphonse 'Doc' Cheatham and George Duvivier and more back you up in this amazing collection of New York-style Dixieland standards. After the break-up of the big-band era around 1950 many of the finest 'swing' or mainstream players found themselves without an outlet for their abilities and took to playing 'Dixieland' in New York clubs such as Eddie Condon's and the Metropole. And so was born a new style of Dixieland jazz minus the banjos tubas steamboats and magnolias! It is this version we celebrate on this album. We encourage you the soloist to invent counter-melodies rather than mere harmony parts. This is a music of loose weavingparts not one of precision ensemble figures. And in short it is one of the greatest improvisational experiences any jazz player could hope to have. Includes a high-quality printed music score and compact disc featuring stereo accompaniments to each piece. Performed by Kenny Davern clarinet Accompaniment: Kenny Davern clarinet and soprano sax 'Doc' Cheatham trumpet Vic Dickenson trombone Dick Wellstood piano George Duvivier bass Gus Johnson Jr. drums

Trumpet Play-Along Pack-Performed by Alphonse 'Doc' Cheatham trumpetAccompaniment: Kenny Davern clarinet and soprano sax; Vic Dickenson trombone; Dick Wellstood piano; George Duvivier bass; Gus Johnson Jr. drumsSuch jazz legends asDick Wellstood Alphonse 'Doc' Cheatham and George Duvivier and more back you up in this amazing collection of New York-style Dixieland standards. After the break-up of the big-band era around 1950 many of the finest 'swing' ormainstream players found themselves without an outlet for their abilities and took to playing 'Dixieland' in New York clubs such as Eddie Condon's and the Metropole. And so was born a new style of Dixieland jazz minus the banjos tubas steamboats and magnolias! It is this version we celebrate on this album. We encourage you the soloist to invent counter-melodies rather than mere harmony parts. This is a music of loose weaving parts not one of precisionensemble figures. And in short it is one of the greatest improvisational experiences any jazz player could hope to have. Includes a high-quality printed music score and compact disc featuring stereo accompaniments to each piece.