Le Corps Des Cordes

Mouvements, postures et sensations pour mieux jouer. Par LAMB JOHN / SILVA DUSTIN. 3, 4, 5, 6, 7 cordes ou plus ? Apprenez les bonnes postures et devenez capable d'apprendre plus vite, plus facilement, tout en réduisant les risques de blessures et votre fatigue ! Les guitaristes sont des athlètes : jouer de la guitare nécessite l’utilisation efficace de tout votre corps. Malheureusement, la plupart des livres sur la guitare se concentrent exclusivement sur les notes à jouer et accordent peu ou pas d’attention à la façon dont elles devraient être exécutées. Cela laisse les guitaristes avec un problème. Une mauvaise compréhension de la mécanique du mouvement conduit à la frustration, car cela rend l’apprentissage de nouvelles techniques plus difficile, limite vos capacités lorsque les techniques ne fonctionnent pas comme elles le devraient, et provoque des blessures lorsque vous usez votre corps. La solution est simple: GUITARISTE & ANATOMIE est VOTRE guide pour bien bouger, apprendre plus rapidement et éviter les blessures. Lorsque vous comprendrez la mécanique du mouvement, vous saurez par vous-même comment fonctionnent correctement les techniques. Ce livre est aussi bien une description du fonctionnement du corps, qu’une prescription sur la façon de mieux bouger, vous guidant à travers ce que vous devez savoir sur votre corps afin de l’utiliser plus efficacement dans votre jeu. Il couvre l’anatomie et la physique du frettage et du picking, comment configurer et ajuster la guitare à votre corps, et de nombreux autres sujets importants. En apprenant la bonne utilisation du corps à la guitare, vous serez en mesure d’apprendre plus rapidement, de jouer plus facilement et de réduire les risques de blessures. / Date parution : 2024-02-16/ Livre / Guitare, Basse et Cordes

Par WAKSMAN FABIEN. Que peut signifier la perte de l'audition pour un compositeur ? C'est la question à laquelle j'ai tenté de répondre en composant ce sextuor, écrit en hommage à Beethoven. C'est l'image d'un Beethoven prisonnier de son propre corps qui a été le point de départ de cette pièce. Une prison aux proportions dantesques, à la fois immense et oppressante. Ce monde intérieur, que j'imagine être l'esprit d'un Beethoven sans contact auditif avec l'extérieur, m'a rappelé les gravures de Piranèse. Carcere Oscura, réalisé en 1743, constitue un prélude au cycle des Carceri d'Invenzione, le chef d'œuvre de l'artiste. Cet univers carcéral possède par son caractère monumental un aspect fantastique. Il n'en reste pas moins à jamais clos, inhumain, et par conséquent terriblement effrayant. Pour reprendre les mots de Marguerite Yourcenar, les Carceri évoquent un 'monde factice, et pourtant sinistrement réel, claustrophobique, et pourtant mégalomane (qui) n'est pas sans nous rappeler celui où ! 'humanité moderne s'enferme chaque jour davantage'. Le célèbre motif initial de la Cinquième Symphonie de Beethoven parcourt l'ensemble de la pièce. Son traitement est le plus souvent frénétique, comme s'il semblait courir désespérément dans un labyrinthe en perpétuelle évolution à la recherche d'une sortie, d'un réconfort, d'une lueur. Le décor a beau changer considérablement, le sentiment d'urgence quitte rarement un discours dans lequel l'accordéon parvient peu à peu à prendre son indépendance par rapport à un ensemble à cordes très dense et compact. Après l'apparition d'une nouvelle cellule issue du second thème de la Cinquième Symphonie, le calme apparaît progressivement, toute trace de paniques' efface, la musique se fait plus flottante et méditative : il est temps pour Beethoven d'entrer en lui-même, de chercher d'autres chemins pour trouver la force de surmonter l'épreuve de sa surdité. Subitement, la pulsation frénétique redevient omniprésente, comme si Beethoven avait pris conscience de sa capacité à se transcender et avait hâte de se remettre au travail. La rage n'est plus ici synonym e de désespoir, mais d'impatience. L'accordéon, porté par des cordes obsessionnelles martelant le motif de la Cinquième Symphonie, semble filer vers la sortie du labyrinthe, tel Beethoven vers ses futurs chefs-d'œuvre. Le compositeur a triomphé de sa prison et restera à jamais pour nous un exemple de la capacité humaine à se dépasser au cours des épreuves de la Vie. / Date parution : 2022-11-08/ Répertoire / Accordéon et Quatuor à Cordes

Par BRANDAO MAICA. Ce livre est le résultat de mes années d'enseignement du violon au Brésil, en Suisse et en France. Je crois profondément que l'enseignement d'un instrument doit être basé sur la recherche et la qualité du son et doit chercher à développer avant tout une écoute intérieure liée à la musicalité. Il faut donner les moyens à l'enfant et savoir prendre le temps d'intégrer ces trois paramètres fondamentaux: le geste musical, le son et la musicalité. C'est la raison des chansons cordes à vides, très brèves mais sur lesquelles l'enfant peut travailler aussi longtemps que lui permettent son intérêt et sa concentration. De mon point de vue, il est également essentiel que l'enfant écoute des rythmes divers, simples et même complexes. Comme vous le savez sûrement, l'enfant peut reproduire par imitation des rythmes bien plus complexes que ceux qu'il peut lire. Il n'a pas besoin de tout comprendre. Par exemple, la syncope est au coeur d'une multitude de chansons traditionnelles au Brésil et c'est tout naturellement, par absorption, que les petits brésiliens apprennent à chanter et danser, d'une manière syncopée. Sans avoir conscience du concept théorique, ils sont tout à fait capables d'imiter, de chanter et de danser. Et comme la musique c'est aussi la diversité, il est bon de faire goûter aux enfants, tels des fruits et légumes variés, des mélodies et rythmes d'autres cultures. Cela permet aussi à l'enfant d'élargir son monde et son propre langage. 'Faire de la musique' c'est apprendre à suivre le chemin de la discipline, mais aussi celui de la liberté, celui de la connaissance technique, mais aussi le langage de ses émotions, à développer une conscience claire de ses gestes et surtout à habiter pleinement son propre corps. C'est développer son 'intelligence' sans négliger la partie intuitive et créative de celle-ci. La pratique d'un instrument de musique est, parmi les activités intellectuelles, sportives et artistiques généralement proposées à l'enfant une des seules qui allie profondément la tête, le coeur et le corps. Ces bienfaits pour l'éducation n'avaient pas échappé aux anciennes civilisations, dont celle des anciens grecs. Et d'ailleurs, quelque soit l'âge de la vie, il n'est jamais trop tard: Socrate décida de consacrer une partie des derniers jours de son existence, à l'apprentissage d'un instrument de musique... Pourquoi le dessin et le coloriage ? Toute méthode pour enfant comporte de nos jours des illustrations, généralement en couleur pour la rendre plus attractive. Je rêvais pour Milarésol d'un univers plus créatif, et ma rencontre avec Kinkas, son univers si particulier, encore tout plein d'enfance et de fantaisie, a permis la réalisation de ce rêve. En effet, le dessin et le coloriage permettent à l'enfant de personnaliser sa méthode Milarésol et d'en faire un exemplaire unique, objet d'une attention et affection particulières, d'autant plus qu'on aura pris soin de laisser libre cours à son imagination, à son choix des couleurs. Tout est permis ! Mais ils permettent aussi au professeur de mieux connaître l'enfant, d'apprécier sa personnalité, de le laisser s'exprimer par ses couleurs préférées, de jauger le dosage et le contrôle de ses forces musculaires, de l'usage de sa main autrement qu'avec un archet. La main est notre instrument de travail et d'expression! C'est notre outil le plus précieux. Puisse cet ouvrage contribuer à donner à l'enfant l'envie d'apprendre, l'aider à passer du temps dans l'univers de son violon, et cela dans la joie et le plaisir car, comme l'écrivait il y a déjà plus de cinq cents ans le grand poète et musicien Guillaume de Machaut dans le 'Prologue' à son oeuvre 'Et musique est une science qui veut qu'on rie et chante et danse...' / Niveau : Débutant / méthode - études / Méthode / Violon

Pourquoi la Gibson Les Paul, la Fender Stratocaster, la Martin D 28, la basse violon Höfner ou et autres chefs-d'oeuvre de la lutherie électrique ou acoustique sont-elles devenues de véritables icônes du XXè siècle ? Non seulement parce que ces guitares sont belles, mais surtout parce qu'elles ont apporté au rock, au folk ou au blues quelque chose de plus: une tenue de note, une brillance, une attaque, un son particuliers, dus à la forme de leur manche ou de leur corps, à leurs micros, à leurs mécaniques...Ces guitares devinrent légendaires également parce qu'elles surent séduire de grands guitaristes qui, souvent, leur restèrent fidèles tout au long de leur carrière. Ainsi BB King et sa Gibson ES 335 nommée Lucille, Jimi Hendrix et sa Stratocaster, George Harrison et sa Rickenbacker 12 cordes électrique, Jimmy Page et sa Les Paul...Cet album superbe présente les plus grands modèles de guitares ou de basses, ainsi que quelques amplis et pédales d'effets devenus tout aussi célèbres. Un livre de rêve, indispensable à tous les amateurs de six cordes...Editions Fetjaine / Guitare