3 Fois Deux, 7 Pièces Progressives (PHILLIPS R)

Pendant mes années d'enseignement avec Natalia Flament au CRR de Paris, j'ai apprécié son engagement et sa connaissance de la danse classique. Nous avons recherché ensemble la plus juste harmonie entre le mouvement de danse et la phrase musicale. Chaque exercice à la barre comme au centre possédait son propre caractère : sensibilité, poésie, nuances, dynamiques, couleurs, puissance grâce à la capacité de Natalia de traduire les mouvements chorégraphiques en phrase musicale. Les retenues, les résonances, les accents, les anacrouses étaient en parfaite liaison avec mes explications et mes exigences de qualité de mouvement. La diversité de son accompagnement donnait à chaque cours une ambiance particulière. Le travail avec Natalia à mon sens n'a pu se faire qu'avec une grande complicité et compréhension émotionnelle.

Par . DÉCOUVRIR, APPRENDRE ET PROGRESSER EN JAZZ... TOUT SIMPLEMENT ! Un répertoire sur mesure pour les élèves des premiers niveaux qui souhaitent s?initier à cette musique si agréable à écouter et tellement exaltante à jouer ! Ce recueil est né de la rencontre artistique de deux professeurs de Piano passionnés de pédagogie. Christine Marty Lejon et Christophe Astié ont créé, arrangé et simplifié 20 morceaux variés avec un seul objectif : prendre du plaisir et enrichir sa formation musicale tout en découvrant différents styles Jazz et latino. Avec votre professeur ou en solo, à deux ou quatre mains, vous allez découvrir le Blues, Boogie, Swing , Ragtime, New Orleans sans oublier la Salsa et le Boléro et vous familiariser avec ces rythmes si agréables à jouer et à partager. REGARDEZ OU ÉCOUTER CHAQUE MORCEAU SIMPLEMENT GRÂCE AUX QR CODES ! Afin de vous aider à progresser et vous soutenir, des vidéos de toutes les pièces ont été enregistrées et sont disponibles via un simple QR CODE que vous trouverez en haut de chaque partition. Vous pourrez ainsi découvrir le morceau, le travailler et accéder à ces aides autant de fois que nécessaire pour peaufiner votre jeu et ainsi progresser efficacement et tout simplement ! Très bonne musique JAZZ... Régalez-vous !! / Date parution : 2022-03-02/ Recueil / Piano

Cette œuvre pour accordéon seul a été créée à l’Opéra de Lille le 15 octobre 2014 par Vincent Lhermet dans le cadre du 250ème anniversaire de la mort de Jean-Philippe Rameau. Elle s’inspire librement d’une pièce pour clavecin, Le rappel des Oiseaux. Au début, un fragment y est exposé dont la tessiture a été dilatée. Ce fragment réapparaîtra à la fin de l’œuvre, dans une présentation se rapprochant de plus en plus de l’original. La note-pôle de cette œuvre est le Mi, autour duquel s’organise la trame harmonique (évoquant ainsi mi mineur, tonalité principale de la partition de Rameau). Dans la partie centrale, la note-pôle évolue vers le Sol (lointaine réminiscence de Sol Majeur, tonalité relative utilisée par Rameau). Enfin, elle retourne vers la note Mi (suivant ainsi le parcours tonal de l’œuvre originale). La trame harmonique s’élabore autour d’échelles mélodiques, ayant un ambitus de quinte et superposées l’une sur l’autre (en une sorte de « cycle des quintes », cher à Rameau). L’ornementation s’inspire ici également de celle exploitée par Rameau. L’idée principale de cette pièce est celle d’une progression des tempi et des nuances. La pièce part d’un tempo modéré, pour accélérer de plus en plus et atteindre peu à peu un tempo deux fois plus rapide. La dernière section tend à retrouver le caractère modéré du début, en une sorte de dernier rappel. Concernant les nuances, on retrouve cette même évolution : la pièce débute pianissimo et aboutit progressivement à fortissimo, point culminant de l’œuvre. On retrouvera, à la fin, les couleurs et les nuances du début. Cette progression s’accompagne d’une évolution parallèle des registres. Au début de l’œuvre, des registres extrêmes sont utilisés, ceux-ci vont se resserrer peu à peu, puis aboutir à une descente très progressive, présentant ainsi tout le spectre sonore de l’instrument. Enfin, cette pièce est une succession de sections développant chacune un caractère particulier et contrasté : dolce e lontano, legato e cantabile, rubato e flessibile, regolare e continuo, leggero e vivo, intenso e sostenuto, dolce e lontano. Florent Motsch Durée : 6'30

Par GARIBOLDI GIUSEPPE. Tout est dans le titre ! Nous livrons ici la première et la dernière de ces études afin que l'on puisse se rendre compte de la progression. Les tonalités soutenues et le langage volontiers à la manière des grands Solos du XIXe siècle des dernières pièces réservent ce recueil aux élèves de la fin du deuxième Cycle. La partie centrale de certaines études revêt parfois un caractère plus chantant à la façon des chansons napolitaines sans doute chères au compositeur italien, mais le point le plus remarquable des certainement la modernité d'écriture dont ce dernier fait preuve, au travers de motifs mélodiques ou rythmiques qui accrochent immédiatement l'oreille. / Niveau : Fin Cycle 2 / Etude / Flûte Traversière

Discipline / Instrument : Ensemble (17 musiciens) Nomenclature : 1(picc+flA).1(ca).2(en sib+clB).1 / 1.1(en ut).1.1 / 2perc / hp / 2vl / vla / vlc / cb Durée : 23' Création : 16/06/2010 - Berlin (Allemagne), Philharmonie - Orchestre de l'Académie Karajan, Bruno Mantovani (direction) Notice Entre 2006 et 2009, je me suis consacré principalement à l'écriture orchestrale (Time Stretch, Finale, Concerto pour deux altos) et à la notion de narration (plusieurs oeuvres chorales, mon opéra l'Autre côté d'après Alfred Kubin, mon ballet Siddharta). Quand la philharmonie de Berlin m'a proposé de composer une pièce pour un effectif d'une quinzaine de musiciens sans argument dramaturgique précis, j'ai immédiatement saisi l'occasion de revenir à une forme plus spéculative, présumant qu'il y avait là l'occasion de faire évoluer mon langage, de tenter de nouvelles expériences. J'ai composé ce Concerto de chambre n°1 alors que j'avais interrompu le travail sur mon second opéra (dont le livret s'inspire de la vie de la poétesse Anna Akhmatova), et j'ai ressenti l'absence d'un livret (ce que je n'avais pas connu depuis plus de deux ans) comme un obstacle infranchissable. Véritablement bloqué devant les pages blanches, j'ai alors réalisé que même dans le domaine de la musique pure, j'avais besoin de considérer l'oeuvre comme un parcours très logique, comme une évolution de personnages musicaux (selon la terminologie de Messiaen), identifiables et caractérisés, qui pouvaient marquer l'écoute par leur luxuriance, mais aussi par leur simplicité (ce qui est plutôt rare chez moi). Quelques motifs très basiques ont émergé lors des nombreuses esquisses préparatoires : une gamme fusée, et un accord se transformant en un autre par des glissendi micro-tonaux. Afin d'unifier ces deux idées, je pensais à un explosion première, à un élément qui pourrait faire naître ces éléments, et j'ai décidé d'adjoindre à tous les instruments à vent une percussion résonnante, dont l'impact apparaîtrait comme le déclencheur de formules volubiles. Mais c'est surtout sur le plan de la forme que j'ai tenté de renouveler mon langage. J'ai essayé, malgré une certaine énergie générale, de travailler sur la notion d'attente, comme si pour une fois dans mes partitions, les directions étaient moins linéaires, moins fondées sur la progression. Les éléments se contredisent plus qu'ils ne se déduisent, une texture très nouvelle apparaît à la moitié de l'oeuvre (avec le déplacement d'un clarinettiste et d'un violoniste à deux endroits lointains sur la scène pour créer un jeu d'échos), et la fin laisse la part belle à la répétition de motifs obsessionnels, hachés de silence. Finalement, ce Concerto de chambre n°1 est sûrement ma pièce la moins logique et la plus troublante, dont l'équilibre naît de coups de théâtre permanents (je pense notamment à la cadence donnée par les deux jeux de cloches tubes, annonciatrice de la coda). Bruno Mantovani