L'Heure est grave

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Edition : Paris, C. Ballard, 1714.Présentation de Bertrand Porot : L'écriture du récitatif - - Les airs - L'influence de l'Opéra - Personnages mythologiques des cantates - Les poètes : éléments biographiques.Tables : des cantates - des airs détachés. Catalogue des oeuvres de Campra.Loin de la réputation de compositeur écrivant sous influence italienne, André Campra est un auteur typiquement français, comme le prouvent l'écriture et la parfaite prosodie de ce second livre de Cantates. / Musique De Chambre / 176 pages / niveau : 1 / Fac-Similés - Format: 23.5 X 31.5

Il est parfois des rencontres heureuses. Je ne crois pas avoir jamais pensé à écrire pour l'orgue. Mais lorsqu'un musicien comme Jean-Christophe Revel, titulaire de l'orgue d'Auch, m'a contacté pour me proposer un projet d'écriture, tous mes doutes se sont envolés - il fallait travailler avec cet artiste. Après plusieurs discussions, évoquant le répertoire de son instrument et ses différents projets, il me faisait part de ses questionnements sur l'Allemande Grave de la Messe du sixième ton d'André Raison. Qu'en faire, comment l'intégrer parfaitement à ce chef d'oeuvre, comment trouver la parfaite cohérence d'ensemble... Cette rencontre fut aussi l'occasion de découvrir l'instrument littéralement de l'intérieur : cette incroyable machinerie baroque. Redécouvrir cette Allemande Grave à travers mon procédé d'écriture, mes esquisses, mes doutes, tout en m'immergeant dans cette machinerie, telle est devenue mon obsession pendant les mois qui ont jalonné Après crâne craquelé, reste cuir.L'oeuvre est évidemment dédiée à Jean-Christophe Revel.Colin Roche / Orgue

Par SPARKE PHILIP. Not Before Time (Il est grand temps) est l?une des deux pièces commandées par Koninklijke Fanfare Kempenbloei Achel (dirigée par Ivan Meylemans) dans le cadre de son programme pour le Concours « World Music Contest 2022», qui s?est tenu à Kerkrade, aux Pays-Bas. L?orchestre a gagné le premier prix de la division « Fanfare Concert Division ». Cousine d?une autre ?uvre du compositeur, Music of the Spheres (qui s?ouvre « before time » [avant l?heure] en t=0), cette pièce débute avec des gammes chaotiques et des groupes d?accords denses rappelant l??uvre précédente. Après un passage multi-métrique rythmique, un air « diabolique » en 7/8 apparaît dans les saxos avant d?être repris par l?orchestre entier. La texture se dissipe soudainement pour introduire une série de clusters par les bugles qui s?amplifie sous un ostinato rapide par les saxos. Des interruptions par les cuivres graves se transforment en nouveau matériel qui mène à un choral en mineur agrémenté d?ornements fleuris par les saxos. Les passages du début sont ensuite réintroduits jusqu?à la réapparition du choral par l?orchestre entier, le tout menant à une coda triomphale. Cette ?uvre peut être interprétée immédiatement avant sa partenaire, Elegy: Echoes of Lives Past (AMP 506-020), dont les éléments du choral sont identiques. / Date parution : 2023-06-01/ Répertoire / Fanfare Band

 CAPRICCELLO est une pièce concertante pour bande de hautbois et violoncelle soliste, Elle est constituée de quatre mouvements : GRAVE, VIVACE, ADAGIO et VIVACE,Les deux premières parties constituent une ouverture à la Française - après une introduction puissante à l'écriture verticale, le violoncelle entame une fugue au tempo vif, Le mode dorien, le ton de ré mineur et la gamme par ton s'y bousculent puis s'y entremêlent,Ce début est fortement marqué par une influence du répertoire renaissance et surtout baroque, Le troisième mouvement, adagio, est plus introspectif, L'utilisation du violoncelle dans son registre aigu apporte une tension palpable et nous amène davantage vers des couleurs romantiques teintées de mélancolie, Enfin, le vivace final reprend -pour l'essentiel- les éléments précédemment entendus et clôt la pièce avec brio,Commandée par Jacques Bernaert pour le 2ème festival ' week-end à la campagne ', cette oeuvre a été jouée pour la première fois le 25 juin 2010 en l'église de Saint-Arnoult de l'Oise grâce à l'heureuse rencontre du violoncelliste Jacques Bernaert et de La Bande des Hautbois dirigée par Claude Villevieille,Collection Les bandes de hautbois / Hautbois

Chaque studio d'art vocal et chanteuse grave auront besoin de ces nouveaux volumes, qui sont un complément heureux à l'G. Schirmer Opera Anthology. Cette impressionnante série prend un air sérieux à l'opéra en italien, ce qui entraîne dans les plus grandes anthologies d'airs jamais publiés consacré au sujet. Arias comprennent plus célèbres extraits ainsi que des beautés rares les. Chaque aria a été soigneusement étudié et nouvellement gravé. Notes de tracé et les traductions sont incluses pour toutes les sélections. Mozart, Rossini, Donizetti, Bellini, Verdi et Puccini sont abondamment représentés avec essentiels ainsi que des airs intéressants. Sont également inclus les merveilleux airs baroques de Monteverdi, Cavalli, Handel, Vivaldi et Pergolesi. Au-delà de Mozart, classique ère italien airs de Gluck, Cimarosa et Paisiello peut être trouvée dans les compilations. D'autres compositeurs des 19e et 20e siècle sont représentés Boito, Catalani, Cilea, Giordano, Leoncavallo, Mascagni, Montemezzi, Ponchielli, Respighi et Wolf-Ferrari. La plupart des arias ont jamais apparu dans les collections. Il ya 36-41 airs par volume. / Basse

Chaque studio d'art vocal et chanteuse grave auront besoin de ces nouveaux volumes, qui sont un complément heureux à l'G. Schirmer Opera Anthology. Cette impressionnante série prend un air sérieux à l'opéra en italien, ce qui entraîne dans les plus grandes anthologies d'airs jamais publiés consacré au sujet. Arias comprennent plus célèbres extraits ainsi que des beautés rares les. Chaque aria a été soigneusement étudié et nouvellement gravé. Notes de tracé et les traductions sont incluses pour toutes les sélections. Mozart, Rossini, Donizetti, Bellini, Verdi et Puccini sont abondamment représentés avec essentiels ainsi que des airs intéressants. Sont également inclus les merveilleux airs baroques de Monteverdi, Cavalli, Handel, Vivaldi et Pergolesi. Au-delà de Mozart, classique ère italien airs de Gluck, Cimarosa et Paisiello peut être trouvée dans les compilations. D'autres compositeurs des 19e et 20e siècle sont représentés Boito, Catalani, Cilea, Giordano, Leoncavallo, Mascagni, Montemezzi, Ponchielli, Respighi et Wolf-Ferrari. La plupart des arias ont jamais apparu dans les collections. Il ya 36-41 airs par volume. / Soprano

L?auteur-compositeur américain Cole Porter (1891-1964) est initié au piano dès son plus jeune âge. Plus tard il suit un cursus universitaire à Yale puis à Paris. Sa vie a suscité bien des commentaires. En 1918 il épouse Linda Lee Thomas. Le couple partage sa vie entre Paris Venise New York et Hollywood où Cole Porter se consacre à la composition de musiques de films. Le mariage est heureux en dépit de l?homosexualité notoire de Cole Porter. En 1937 il est victime d?un grave accident qui le laisse handicapé à vie. Cole Porter restera meurtri par cette expérience. Son épouse meurt en 1954. Quatre ans plus tard il est amputé de la jambe droite. Son appétit de vivre et saflamme créatrice s?éteignent. Il meurt en 1964.Cole Porter a composé de superbes chansons et comédies musicales dont certaines sont encore très appréciées de nos jours. Il suffit d?évoquer I?ve Got You Under My Skin ou Every Time We Say Goodbye. Sa musique a été reprise par de nombreux artistes : des crooners et grandes vedettes du jazz telles que Frank Sinatra Ella Fitzgerald et Oscar Peterson aux cantatrices Renée Fleming et Kiri Te Kanawa. Certains artistes pop notamment U2 ou Tom Waits ont également fait une incursion dans son riche répertoire.So in Love est une chanson romantique extraite de la comédie musicale Kiss Me Kate (1948).

L?auteur-compositeur américain Cole Porter (1891-1964) est initié au piano dès son plus jeune âge. Plus tard il suit un cursus universitaire à Yale puis à Paris. Sa vie a suscité bien des commentaires. En 1918 il épouse Linda Lee Thomas. Le couple partage sa vie entre Paris Venise New York et Hollywood où Cole Porter se consacre à la composition de musiques de films. Le mariage est heureux en dépit de l?homosexualité notoire de Cole Porter. En 1937 il est victime d?un grave accident qui le laisse handicapé à vie. Cole Porter restera meurtri par cette expérience. Son épouse meurt en 1954. Quatre ans plus tard il est amputé de la jambe droite. Son appétit de vivre et saflamme créatrice s?éteignent. Il meurt en 1964.Cole Porter a composé de superbes chansons et comédies musicales dont certaines sont encore très appréciées de nos jours. Il suffit d?évoquer I?ve Got You Under My Skin ou Every Time We Say Goodbye. Sa musique a été reprise par de nombreux artistes : des crooners et grandes vedettes du jazz telles que Frank Sinatra Ella Fitzgerald et Oscar Peterson aux cantatrices Renée Fleming et Kiri Te Kanawa. Certains artistes pop notamment U2 ou Tom Waits ont également fait une incursion dans son riche répertoire.So in Love est une chanson romantique extraite de la comédie musicale Kiss Me Kate (1948).

The Nibelung'S Ring (Wwv 86) A Theatre Festival Play For Three Days And A Preliminary Evening (Vols. 10-13). Par WAGNER RICHARD. Cette nouvelle édition est la première édition critique de la partition. Il est basé sur la preuve originale du travail aller de presse, c'est-à-dire la première impression de la partition et projet du graveur, qui est heureusement encore en vigueur aujourd'hui. Après la fin du premier Festival de Bayreuth, à l'automne 1876 Wagner a donné à la violoniste Friedhold Fleischhauer, qui avec August Wilhelmj a été chef de l'orchestre de l'anneau. Depuis plus de 125 ans, le document est resté en mains privées, jusqu'à ce qu'il a été rendu accessible au public pour la première fois en 1999./ Répertoire / Conducteur Opéra