Hommage a Ravel

Après Gaspard de la nuit, l?oeuvre pour piano de Ravel se distingue par un abandon d?une conception impressionniste de l?instrument. La sonorité pianistique devient plus sèche. Les Valses nobles et sentimentales marquent ce tournant avec une musique aux contours plus nets et aux harmonies plus crues. Ravel a souvent été stimulé par la musique des compositeurs qu?il admirait. Dans les deux courts pastiches A la manière de..., il montre ses talents de `faussaire` en saisissant, par delà l?esprit, les spécificités techniques du langage de chacun des deux musiciens. Le Prélude est une merveilleuse miniature qui offre en vingt-sept mesures une synthèse du style et de l?expression pleine de pudeur de l?art ravélien.

Si dans Le Tombeau de Couperin, Ravel voulait rendre hommage à l?origine à l?esprit de la musique française du XVIIIe siècle, les circonstances historiques firent que chacune des six pièces de cette suite se transforma en un hommage aux différents amis tombés sur le front pendant la Première Guerre mondiale. La version pour piano de La Valse reste encore trop méconnue des pianistes. Il s?agit de la première rédaction de l?oeuvre pour orchestre si célèbre. Cette partition reste la dernière écrite par Ravel pour le piano solo, / Classique / Partition /

La collection pour piano intitulée Jatekok, écrite à partir de 1973, a été conçue comme une méthode de piano. Au fil des ans, la collection a perdu son caractère didactique et a été considérée comme un document de l'atelier de Kurtág, offrant une clé pour ses œuvres symphoniques, de chambre et vocales plus importantes. Le dixième volume est désormais disponible, imprimé sur du papier durable de haute qualité, fabriqué à partir de matières premières renouvelables dans le respect de l'environnement.
1. Suite [György Kurtág]
2. Darling [György Kurtág]
3. Valse de guerre des Kabânaas [György Kurtág]
4. With love to Barnabás Dukay [György Kurtág]
5. Sound-filtering [2] [György Kurtág]
6. Flower [György Kurtág]
7. fly slowly and sing for long, My dying swan, my fair memory! ... [György Kurtág]
8. ... tousling and rolling ... [György Kurtág]
9. ... memories, little tin soldiers ... 3rd version [György Kurtág]
10. Magdi-memory ... -- alio modo [György Kurtág]
11. In the memory of Gabi Máriássy [György Kurtág]
12. *** (to Márta) [György Kurtág]
13. To Janka Szendrei, for her birthday [György Kurtág]
14. ... per Luciana ... [György Kurtág]
15. Henri Pousseur in memoriam [György Kurtág]
16. ... Darling -- two - three ... [György Kurtág]
17. ... an Dieter Schnebel 80 [György Kurtág]
18. Message-esquisse [György Kurtág]
19. Message-esquisse -- alio modo [György Kurtág]
20. In memoriam László Ferenc [György Kurtág]
21. Babysitters dancing on the carpet [György Kurtág]
22. ... and yet another letter to Péter Eötvös [György Kurtág]
23. The memory of a pure soul -- Klári Schiff in memoriam [György Kurtág]
24. Hommage a Scarlatti II -- alio modo [György Kurtág]
25. Valse sentimentale -- Hommage a Ravel [György Kurtág]
26. ... a little song for the 4th of July and on Vera's name ... [György Kurtág]
27. Petrovics Emil in memoriam [György Kurtág]
28. ... un pezzo silenzioso ... [György Kurtág]
29. Dialogue -- Bálint Varga 70 [György Kurtág]
30. A window on the corridor ... [György Kurtág]
31. Impromptu -- all'ongherese [György Kurtág]
32. ... just so ... [György Kurtág]
33. A Sketch Leaf [rough -- raw] [György Kurtág]
/ Partitions classique / Piano - instruments à clavier / Piano / EMB (Editio Musica Budapest)

Fantaisie Sur An American In Paris de G. Gershwin. Par DI BACCO GAETANO. George Gershwin est sans aucun doute le compositeur du XXe siècle qui a créé un point de rencontre entre la culture musicale européenne et populaire américaine. Ses grands chefs-d'oeuvre en témoignent, notamment Un Américain à Paris écrit lors de son séjour à Paris où il part apprendre les techniques de composition académiques européennes. Sa rencontre avec Maurice Ravel, compositeur et orchestrateur parmi les plus représentatifs de la musique européenne du XXe siècle, est historique. Four saxes in Paris est un hommage à George Gershwin et à son poème symphonique An american in Paris, duquel est tirée cette fantaisie, qui comprend 3 saxophones dans la partition orchestrale (alto, ténor et baryton qui jouent également 3 saxophones sopranos). Dans cet arrangement, le quatuor de saxophones parvient étonnamment à reproduire tout le “sound” et le “swing” de ce chef-d'œuvre : français dans la première partie, américain dans la seconde : les deux âmes du saxophone ! Depuis 1984 avec le Quartetto di Sassofoni Accademia (Gaetano Di Bacco, Enzo Filippetti, Giuseppe Berardini et Fabrizio Paoletti) en plus de la redécouverte du répertoire original, j'ai réalisé plusieurs arrangements pour quatuor de saxophones, mettant en évidence les particularités de cette formation, contribuant ainsi au grand développement technico-exécutif dont témoigne cet arrangement./ Répertoire / 4 Saxophones

Un hommage au cinéma, pourrait-on dire, pour décrire l?univers de cette pièce qui, dès lors, s?écoute comme une suite de cinq courts-métrages reliés par un leitmotiv. Ce thème caractéristique par ses chutes de quartes descendantes et sa rythmique à 7 se métamorphose au gré de ces cinq mouvements et assurera les transitions entre chacun de ces mondes. Chacune de ces histoires, sans être explicitement reliée à un film particulier, se nourrit de mon expérience d?improvisateur qui m?a amené à accompagner tant de films muets depuis plus de vingt ans. Il est certain, par exemple, que les machineries inhumaines de Metropolis de Fritz Lang ont inspiré l?écriture rythmique froide et obsédante de la première pièce, et que le souvenir du charleston endiablé mis en scène par Jean Renoir dans Sur un air de charleston irradie le scherzo central, tandis que la seconde histoire laisse la parole à un chant semblant venir d?Orient, déclamé sur un fond de tambour inexorable. C?est sur une sorte de lent travelling presque irréel où le temps semble enfin se distendre que s?ouvre le quatrième mouvement avant de se jeter, après quelques tentatives infructueuses, dans un bref final récapitulatif.

Par PESSON GERARD. Berlioz n'a pas aimé Rome, ni la villa Médicis, où il était parti à contre-coeur. Il trouvait la ville étouffante et provinciale, la Villa étriquée académique et trop seigneuriale. Il est donc allé chercher ailleurs ce qu'il a appelé son 'Italie sauvage', une Italie de ciels, de vents, de pluies, de ruines ensauvagées, de montagnes, de bourgades à flanc de roches. En romantique qui vit des éléments, il n'emportait dans ses nombreuses virées à Tivoli, Subiaco ou aux Castelli Romani, qu'un carnet, un fusil et sa guitare, dormant parfois à la belle étoile, cherchant parfois la compagnie des petites gens, se faisant l'ami de quelques bandits au grand coeur, mais plus souvent épris de solitude. Il y a eu effet-retard de l'Italie dans l'oeuvre de Berlioz. Le temps de développer, par une archéologie rétrospective, les impressions assimilées, et, pour une grande part, de réinventer un pays, certes vécu mais tout autant fantasmé. Ce pays-là, qui n'est donc d'aucun pays, deviendra la dorsale de beaucoup de ses oeuvres: Benvenuto Cellini, Béatrice et Bénédict, Roméo et Juliette, Carnaval Romain etc., et surtout Harold en Italie. Harold reprend la manière autobiographique qui faisait, entre autres, l'originalité de la Symphonie Fantastique. Utilisant le héros byronien, Childe Harold, Berlioz livre en musique un scénario qui commande le cadrage panoramique. On peut parler d'une réappropriation par un héros prête-nom de ses propres sensations relevées sur le motif (processus du plein air à l'atelier qu'effectuaient aussi les peintres, ses collègues de séjour en Italie). C'est cette dualité paysage réel/paysage rêvé que veut traiter la partition Panorama, particolari e licenza ('Panorama, détails et licence') écrite à la demande de Christophe Desjardins. De la même manière que j'ai utilisé parfois des musiques préexistantes pour chercher ma propre musique (Nebenstück/Brahms/filtrage, Wunderblock/Bruckner/effacement), j'ai voulu ici détailler la notion de champ que Berlioz manie de façon véritablement pré-cinématographique. Ce qui se rapproche de nous (un détail infime perdu dans le tutti), ce qui s'en éloigne, ce qui nous parvient encore - un travelling qui devient arrêt sur image, un cadrage resserré, le fondu de deux perspectives. Panorama, particolari e licenza est, en ce sens, une sorte de making of , comme on dit aujourd'hui, de ce modèle génial, partition hirsute, fruste, mais tout à la fois riche, hautement inspirée. Harold en Italie traduit cette sauvagerie que Berlioz voulait rendre en musique, combinat de sensations, de révolte et d'exaltation: un son capté puis stylisé, avec effets de réel devenant sous sa plume des trouvailles, de véritables effets spéciaux dont peu de musiciens avant lui avaient eu l'intuition. A la demande de David Jisse et de la Muse en circuit, j'ai ajouté une partie électronique qui a été conçue par Laurent Sellier. Cette partie, essentielle, est une manière de réaliser concrètement ce qui est en filigrane dans Harold, la transmutation de toute expérience éprouvée en un véritable clavier de sensations. Le percussionniste de Panorama, particolari e licenza est une sorte d'accessoiriste bruiteur. Il reformule concrètement le réel purement rêvé, mais d'une manière que j'ai voulue parfois dérisoire et délibérément 'bricolée', comme un travail magique qui puisse donner sens à cette vérité véhémente, incessamment recyclée, qui faisait tout l'art de Berlioz. La question du soliste est importante dans Panorama, particolari e licenza. Il est tout à la fois le point de vue, la subjection, celui qui dit je, comme il est aussi le sujet de l'autofiction. Tout en étant central, il est égaré, parfois noyé dans le méta-instrument du récit. Au moins c'est ainsi que je l'ai traité, car il maille les instruments ensemble, prenant toutes les bribes du discours, abdiquant souvent ce qu'il y a de performatif dans la place du soliste romantique. Il est ici doublé par une voix d'alto de manière à rendre ce fading du sujet, ainsi que cette prise de parole par le texte poétique toujours central dans l'oeuvre de Berlioz. J'ai expliqué les deux premiers mots du titre. Le dernier renvoie aux licences que je prends par rapport au modèle, mais aussi à cette forme musicale du XVIIIe - La Licenza - qui était une manière d'hommage à un personnage d'influence. Con licenza était aussi une façon d'indiquer une liberté dans l'interprétation (c'est bien ici le sujet: la transcription est un écart), le tempo ou dans l'ornementation. Con alcune licenze écrit Beethoven au début de la fugue de l'opus 106. Panorama, particolari e licenza suit assez fidèlement, quant au déroulement du moins, trois mouvements d'Harold en Italie. I - Aux montagnes: On y entend des bruits de vent, de ruisseaux, des sons de guitare et de harpe de voyage. Des bribes non linéaires du Childe Harold de Byron. II - Marche (moissonneurs et angélus): Il s'agit de pèlerins dans l'original. Toutefois, Berlioz a été précis sur le souvenir qui a déclenché ce tableau dans sa musique. Ce sont des moissonneurs qui rentrent le soir au village en chantant une prière. J'ai choisi ici l'angélus, qui est devenu une véritable icône dans la peinture de ce siècle-là. On y entend donc des fragments chantés en latin. Le percussionniste joue de la faux. Car la mort n'est jamais loin dans l'imaginaire byronien et non moins berliozien. C'est aussi une référence à d'autres 'scènes aux champs' passées dans l'imaginaire collectif. Je ne peux cacher que moissonneur m'a soufflé aussi moins sonneur. III - Sérénade (une chanson des Abruzzes): C'est le mouvement le plus 'stylisé'. On y entend une véritable chanson en dialecte des Abruzzes où est évoqué la fameuse lontananza: à la fois espace résonnant d'une montagne à l'autre, mais aussi éloignement, séparation de deux amants. C'est un chant sur la construction du futur et la désillusion amoureuse que Berlioz a pu entendre et dont il a pu méditer le poème, bien qu'il ne s'en soit pas musicalement inspiré. Mais l'esprit, qui combine la mélancolie, un rien de malice, d'inquiétude et de doute tout berlioziens, est gardé dans ce mouvement, jusque dans les paroles de la chanson: O hirondelle qui vole sur Potenza Salue-le pour moi, c'est mon espoir Demande-lui ce qu'il fait, ce qu'il pense, Comme il supporte la lontananza Demande-lui ce qu'il fait, ce qu'il veut Et comme il supporte la séparation. Gérard Pesson, septembre 2006 / contemporain / Répertoire / Alto, Voix d'Alto et Ensemble