SKU: GH.SK-239
ISBN 9790070014786. 185 x 262 mm inches. Text: Traditional.
Nr. 6 ur Svensk Korsvit - Folkvisor och sanglekar for kor och blasensemble, alt. valfri besattning eller piano. For pianoackompanjemang, se SK504.
SKU: BT.DHP-1074334-010
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Cantica de Sancto Benedicto is a three-movement work for mixed choir, soprano solo, concert band and organ ad libitum - on Latin lyrics that relate to the life of Saint Benedict. It was commissioned by the city of Norcia in Italy, whereBenedict was born. The holy Benedict (480-547) is considered the founder of monastic life within the Roman Catholic Church. His enormous influence is especially owing to his monastic rule, the Regula Benedicti.Jacob de Haan has named the movements ofCantica de Sancto Benedicto after the Holy Trinity: the Father (Gloria Patri), the Son (Gloria Filio) and the Holy Spirit (Gloria Spiritui Sancto). The lyrics of thehymn Gemma Caelestis, (which, like the othertexts, were originally used in Gregorian chant) are voiced by the choir. To this purpose, Jacob de Haan composed new, choral-like, homophone music. The sequence Laeta Quies is rendered by the soprano; the verses (divided over the threemovements) are alternated with those of Gemma Caelestis. The work closes with an impressive grand finale, in which texts are used from the proprium of the mass in honor of the saint’s day of the holy Benedict (11 July). Notes to the conductor:For this cantata, there are various possibilities for the performance. The first involves a performance in which the choir and soprano parts are only accompanied by organ. Such a performance has several advantages: since the band never soundstogether with the choir and the soprano, no balance problems occur, and even a performance with a large concert band and a small cantata choir is conceivable. A special layout is also possible - with which you can set up a three-dimensionalperformance in a church. For example, the choir can sing in the chancel, accompanied by the choir organ; the soprano can stand on the gallery, accompanied by the main organ; and the band can be seated in another part of the church. The choir couldalso sing from a gallery. With layouts like this, working with two conductors is advisable. Choral parts available separately.Koorpartijen apart verkrijgbaar.Cantica de Sancto Benedicto ist ein dreisätziges Werk für gemischten Chor, Sopran-Solist, sinfonisches Blasorchester und Orgel ad lib. - zu lateinischen Texten über das Leben des Heiligen Benedikt. Es entstand im Auftrag der italienschen StadtNursia, dem Geburtsort von Benedikt. Jacob de Haan benannte die Sätze von Cantica de Sancto Benedicto nach der Heiligen Dreifaltigkeit: der Vater (Gloria Patri), der Sohn (Gloria Filio) und der Heilige Geist (Gloria SpirituiSancto). Der Text zur Hymne Gemma Caelestis (der wie die übrigen Texte ursprünglich aus dem Gregorianischen Choral stammt) wird vom Chor gesungen. Zu diesem Zweck komponierte Jacob de Haan neue choralartige, homophone Musik. Der AbschnittLaeta Quies wird vom Sopran vorgetragen; die Strophen (die sich über alle drei Sätze verteilen) wechseln sich mit denen von Gemma Caelestis ab. Das Werk endet mit einem eindrucksvollen großartigen Finale, in dem Texte aus dem Propriumaus der Messe zu Ehren des Feiertags des Heiligen Benedikt (11. Juli) verwendet werden.Chorstimmen sind unter folgendem Link separat erhältlich:DHP 1074334-050Anmerkungen für den Dirigenten:Für dieseKantate gibt es mehrere Aufführungsmöglichkeiten. Die erste ist eine Version, in der die Chor- und Sopranstimmen nur von der Orgel begleitet werden. Solch eine Aufführung bietet mehrere Vorteile: Da das Blasorchester nie zusammen mit Chor und Sopranerklingt, gibt es keine Probleme mit der klanglichen Ausgewogenheit und sogar eine Aufführung mit einem großen Blasorchester und einem kleinen Kantatenchor ist denkbar. Eine besondere Aufstellung für eine dreidimensionale Aufführung in einer Kircheist ebenso möglich. Der Chor singt zum Beispiel von der Kanzel aus, begleitet von der Chororgel; der Sopran steht auf der Galerie, begleitet von der Hauptorgel, während das Blasorchester in einem anderen Teil der Kirche aufgestellt ist. Der Chor kannauch von Galerie aus singen. Bei solchen Aufstellungen ist es ratsam, mit zwei Dirigenten zu arbeiten. Die Begleitung der Singstimmen ist in Stichnoten für das Blasorchester notiert. Wenn das Werk ohne Orgel aufgeführt wird, beispielsweise in einemKonzertsaal, spielt das Blasorchester die Begleitung. Die Begleitstimmen sind transparent orchestriert, zugunsten der klanglichen Ausgewogenheit von Blasorchester, Chor und Sopran. Im dritten Satz (Takte 144-151) gibt es eine optionale Passage fürden Chor. Diese ist nur für eine Aufführung mit einem sehr großen Chor gedacht. Eine weitere Variante beinhaltet, den musikalischen Höhepunkt im dritten Satz zu überspringen und direkt von Takt 156 zu Takt 213 weiterzugehen. Gründe hierfür könnensein: der etwas höhere Schwierigkeitsgrad, eine begrenzte Aufführungsdauer und/oder der Wunsch, den Kantatentext auf Gemma Caelestis und Laeta Quies zu beschränken. Während einer Messe oder eines Gottesdienstes können auch verschiedeneStrophen verwendet werden. Wahlweise kann das Sopransolo auch vom Chorsopran gesungen werden. Alternativ hierzu können Sie die Sopranstimmen (komplett oder teilweise) von einem Tenor singen lassen. Für Chöre, die Cantica de Sancto Benedictoaufführen wollen, bietet der Komponist einen Extra-Service auf seiner Website https://www.jacobdehaan.com, wo Audiodateien der einzelnen Chorstimmen für das Einstudieren zu Hause zugänglich sind. Informationen zu anderen Werken für Chor undBlasorchester (Missa Brevis und Missa Katharina) sind ebenfalls dort zu finden.Chorstimmen separat erhältlich.Cantica de Sancto Benedicto (Cantate de saint Benoît) est une œuvre en trois mouvements pour Soprano, Chœur mixte, Orchestre d’Harmonie et Orgue (ad lib.). Basée sur des textes en latin relatant la vie de saint Benoît, cettecantate est une œuvre de commande pour la ville de Nursie en Italie, ville natale du moine.Benoît de Nursie ou saint Benoît (vers 480-547) est considéré comme l’initiateur de la vie monastique dans l’Église catholique romaine. Son immenseinfluence est essentiellement liée la rédaction d’une règle de vie : la Règle monastique de saint Benoît (Regula Benedicti).Jacob de Haan a choisi de donner le nom des troispersonnes de la Sainte-Trinité aux trois mouvements de l’œuvre: le Père (Gloria Patri/ Gloire au Père), le Fils (Gloria Filio/ Gloire au Fils) et le Saint-Esprit (Gloria Spiritui Sancto/ Gloire au Saint-Esprit).Le texte de l’hymne Gemma Caelestis (utilisé dans le chant grégorien l’instar des autres textes) est chanté par le Chœur sur une musique de nature homophonique laquelle le compositeur a donné un style choral. La séquence Laeta Quies est chantée par la Soprano. La prose de la séquence est répartie sur lestrois mouvements en alternance avec le texte de l’hymne latine. Le finale de l’œuvre est impressionnant. Il développe des textes du Propre de la Messe en l’honneur de la Saint-Benoît, célébrée le 11 juillet. Partitions pour chœur disponibles séparément.Parti per coro disponibili a parte.
SKU: BR.EB-9134
World premiere of the first version: Salzburg, August 5, 1997World premiere of the version for orchestra: Saarbrucken, November 10, 2006
ISBN 9790004182499. 16.5 x 11.5 inches.
Das Stuck nimmt Bezug auf ein Gedicht des chinesischen Zen-Meisters Mummon. Der Titel weist, wie in den Versen ausgedruckt, auf die Nicht-Zweiheit und ihre Verwirklichung hin. Wolke und Mond, beide das gleiche. Taler und Berge, jedes verschieden. Sind es nun eins oder zwei? Wunderbar! Herrlich! Entsprechend dem Gedanken der Einheit zweiter Objekte scheinen in Holszkys Komposition die beiden Stimmen strukturell und klanglich miteinander zu verschmelzen: Das Cello wirkt wie ein zusatzliches Register des Akkordeons. Ausserst kurze, schnelle Gesten sind minutios ineinander verzahnt, liegende Klange werden durch Tremoli und Triller, Vibrato und Impulsrepetitionen, Vierteltonmodifikationen und Glissandi belebt und zum Pulsieren gebracht. Beide Instrumente erzeugen so gemeinsam eine schwerelose, quecksilbrige Klangatmosphare. Dazu die Komponistin: Die Mobilitat und Verschmelzung (sowohl klanglich als auch strukturell) der beiden solistischen Klangebenen (Violoncello und Akkordeon) ist maximal und findet im hochsten Frequenzbereich statt. Durch die Multiplikation von Bewegungsmustern bei den symmetrisch angeordneten Violinblocken (zwei Zwolfergruppen) und durch die Metallfarben bei den vier Schlagzeugern entsteht ein leuchtend-filigraner Klangraum, der die Solisten wie eine bewegliche Wolkenschicht umhullt eine ineinander verschachtelte, durchsichtig schwebende Klanggalaxie mit einem pulsierend-vibrierenden Doppelkern: Violoncello und Akkordeon. (Adriana Holszky, Text zur Urauffuhrung der Orchesterfassung, 10. November 2006) CDs: Klangwerkstatt Weimar, Christina Meissner (violoncello), Claudia Buder (accordeon) CD Animato ACD6065 Julius Berger (violoncello), Stefan Hussong (accordeon) CD Wolke und Mond, wergo WER 6803 2 Bibliography : Kostakeva , Maria: Metamorphose und Eruption. Annaherung an die Klangwelten Adriana Holszkys, Hofheim: wolke 2013 (p. 57f). Moller , Hartmut: Komplementaritaten im Komponieren Adriana Holszkys, in: Vernetzungen. Neue Musik im Spannungsfeld von Wissenschaft und Technik, hrsg. von Jorn Peter Hiekel (= Veroffentlichungen des Instituts fur Neue Musik und Musikerziehung, Band 49), Mainz: Schott 2009, pp. 68-82. dies .: Kraftfelder aus komplementaren Energien. Die Arbeitsskizzen zur Oper Der gute Gott von Manhattan im Kontext, in: Adriana Holszky, hrsg. von Ulrich Tadday (Musik-Konzepte, Neue Folge Heft 160/161), Munchen: edition text+kritik 2013, pp. 128-150.World premiere of the original version: Salzburg, August 6, 1997 World premiere of the version for vl and acc: Braunschweig, November, 21 1998 World premiere of the version for orchestra: Saarbrucken, November 10, 2006.
SKU: HL.49042006
German.
Diese Schallplatte ist eine klangliche Dokumentation des Kurses (Leitung und Beratung von Popgruppen an Musikschulen an der Akademie Remscheid, der in der Zeit von Oktober 1978 bis November 1979 dort stattgefunden hat. Die Aufnahmen sind Produkte der Gruppenarbeit, sie dienen der Anregung und Information fur interessierte Musikpadagogen, die mit dem Medium Pop/Rock arbeiten wollen. Es kam nicht auf die klangliche Perfektion an, der Versuch sollte vielmehr andere ermutigen. Es sei in diesem Zusammenhang auf das Buch Pop-Musik mit Schulern (B 36) verwiesen, das sich an vielen Stellen auf die Schallplatte bezieht.
SKU: HL.49019037
ISBN 9790001171953. 9.0x12.0x0.1 inches.
Das Quartett do-re-mi-fagott schrieb die Komponistin Barbara Heller im Jahr 2009 fur das gleichnamige Fagott-Quartett des Frankfurter Jugend-Musik-Ensembles. Heller entwickelte ein einpragsames Motiv aus den vier Tonen c-d-e-f bzw. do-re-mi-fa, das zur Namensgebung der Komposition fuhrte. Mit einfachem musikalischen Material entlockt sie dem Fagott eine bemerkenswerte klangliche Vielfalt und entdeckt die Wandlungsfahigkeit dieses Instruments. Alle vier Stimmen sind gleichberechtigt: Motive und Melodiefloskeln werden einander zugespielt und weitergefuhrt. Heller regt zu einer freien Interpretation an und gibt den Spielern Raum zur eigenen Improvisation uber das Motiv. do-re-mi-fagott richtet sich an fortgeschrittene Musikschuler und ambitionierte Hobbymusiker, die Freude am Zusammenspiel haben und die klanglichen Facetten des Instruments ausschopfen wollen.
SKU: BR.EB-9380
ISBN 9790004188507. 10.5 x 14 inches.
,,Trau er nur dem holzernen Freund nicht. Er ist manchmal ein lederner (aus den Beethoven-Konversationsheften) Dieses Schlagzeugtrio, das in enger Zusammenarbeit mit den Widmungstragern entstanden ist, besteht aus drei Teilen. Es wird durch die schiere Freude am dramaturgisch gebundelten Konstruieren entlang seismischer Bruchlinien gepragt. Die drei Percussion-Spieler wechseln wahrend des Werkes zwischen drei Setups an verschiedenen Spielpositionen - vom Buhnenhintergrund, uber die Mitte der Buhne bis vorne an der Buhnenrampe. Dabei wird jeweils ein anderes Klangmaterial, im ersten Teil (Part I) das Fell, im zweiten Teil (Part II) das Metall und im dritten Teil (Part III) das Holz in den Mittelpunkt gestellt. Part I (5'30'') ist mit drei O-Daikos besetzt, die mit Fingern, Handen, Fausten, Superballs und Holzstaben gespielt werden. Part II (6'00'') ist um drei Glockenspiele, drei Vibraphone und drei Sixxen gruppiert und integriert auch Metallinstrumente wie Chinese Opera Gongs, Mini-Tam-Tams und Metalltonnen, die mit Fussmaschine gespielt werden. In Part III (4'00'') spielen alle drei Musiker mit Rundstaben, Handen und Rohrenglockenhammern das mit sieben massiven Balken aus Eschenholz besetzte baskische Nationalinstrument Txalaparta, das auch seine ganz eigene Geschichte im Widerstand gegen die Franco-Diktatur hat. Reizvoll war fur mich sowohl, dass man zu dritt auf diesem archaischen Instrument wirklich aberwitzig schnelle Rhythmen spielen kann, als auch, dass dieses Instrument auf Konzertpodien klanglich wie optisch noch vollig neu ist - und dies, trotz aller Schlichtheit, bei einem unglaublichen Reichtum an Klangmoglichkeiten. Kleine rhythmische Zellen, die sich immer wieder zu vielfaltigen neuen Texturen - bis zur klanglichen Entfesselung - zusammenballen und eine feine Differenzierung und Dynamisierung der Anschlagsmoglichkeiten bestimmen dieses Werk. Auch, wenn nur Part II durch den Einsatz bestimmter Tonhohen gepragt ist (durch die Verwendung der von Yannis Xenakis erfundenen Sixxen durchaus mikrotonal), so gibt es doch unuberhorbar abschnittsubergreifende Kontinuitaten in Rhythmik und Motivik, die das ganze Werk bestimmen und es dabei wie feine seismische Adern durchziehen. (Johannes Maria Staud, 2020)World premiere: Vienna, October 17, 2020 Commissioned by KolnMusik GmbH as a part of the Non Beethoven project of the Kolner Philharmonie for 2020, Wiener Konzerthaus and Martin Grubinger / Percussive Planet.
SKU: DB.01-00574
Als Konzertwerk gedacht und entsprechend schwierig, sich klanglich in spaetromantischen Geleisen bewegend, solide und gekonnt. - Osterreich Musikzeitung.
SKU: M7.DOHR-19056
ISBN 9790202040560. Latin.
Mit dieser Sammlung von fünf Motetten Anton Bruckners sind diese beliebten Werke nun auch in der dreistimmigen Besetzung Sopran, Alt und Männerstimmen realisierbar. Die fast durchgehende Dreiklangsharmonik ermöglicht eine Reduktion um bis zu fünf Stimmen, ohne das harmonische Gerüst verändern zu müssen. Dagegen wurde die Stimmführung an vielen Stellen neu gestaltet, so dass der nun durchgehend dreistimmige Satz auch klanglich den Intensionen Bruckners so weit wie möglich folgt. Durch entsprechende Transpositionen wurde auf einen angenehm ausführbaren Tonumfang geachtet. (Paul G. Johansen).
SKU: BR.KM-2432
ISBN 9790004502020. 10 x 15 inches.
In den alten Kulturen war das, was wir heute ,,Musik und ,,Dichtung nennen, eine Einheit. Denken wir nur an die lotrijgn<' [musike] der Griechen, oder an Beschreibungen, die wir in den klassischen chinesischen Schriften finden. Aber naturlich: Kulturgeschichte ist ein Differenzierungsprozess, und so finden wir zur Zeit unserer europaischen Klassiker den Vorstoss der Musik zu ihrer ,,Autonomie - ihrer offiziellen Scheidung von dem Metier der Dichter. (Noch 1739 hatte Mattheson in seinem Vollkommenen Capellmeister von jedem Musiker ,,Gewandtheit in der Dicht-Kunst und genaueste Kenntnis der Verslehre verlangt.)Seit dieser Scheidung sind nun die Musiker sehr eifrig damit beschaftigt, eine autonome Grammatik und Syntax der ,,Tonkunst, wie die Musik jetzt genannt wird, zu entwickeln, wahrend in der Dichtung - besonders naturlich in der experimentellen, von Jean Paul und Mallarme bis zu Joyce und Celan - gerade das ,,Musikalische in der Poesie gesucht wird. Hierunter ist oft der Wunsch verborgen, die Verhartung, welche die Wortsprache durch ihre begriffliche Fixierung - extrem in der Wissenschaft! - erfahrt, wieder aufzuheben und sie in einen ,,musikalischen Zustand von Unbestimmtheit, von Offenheit zuruck zu versetzen.Oberflachlich betrachtet entwickeln sich die beiden Kunste in der Moderne also auseinander; eine Beruhrung zwischen ihnen wird immer schwieriger. Zu gross die Gefahr, dass die muhsam errungene Autonomie der einen wieder der Ubermacht der andern geopfert wird! Entweder wird die Musik, wenn sie schwach ist, zu blosser Illustration und Stimmungskulisse; oder sie verschlingt in ihrer klanglichen und zeitlichen Ausformung den eigenen Klang und Rhythmus der Dichtung.Manche Musiker haben in den letzten Jahrzehnten dieses Problem noch verinnerlicht und eine Art Bilderverbot auch innerhalb der Musik aufgestellt: Gestik, Expressivitat, Assoziationsfahigkeit der musikalischen Strukturen wurden unterdruckt. Ich halte das fur ein neurotisches Verhalten und ausserdem fur irrefuhrend. Es gibt schon seit jeher auch eine musikalische Semantik - das vergessen manche vor lauter Syntax und Grammatik; und es ist kein Grund einzusehen, warum in der Situation der Autonomie nicht musikalische und sprachliche Semantik in eine neue Art von Verhaltnis treten konnten. In der Bach-Kantate, im Schubert-Lied, in der Wagnerischen Leitmotivik waren das 1:1-Losungen; aber schon Wagner hat gezeigt, dass man diese Identitat auch dialektisch aufsprengen kann.Und wie erst in der Vielsprachigkeit der heutigen Moderne! In meiner Oper Stephen Climax habe ich den Hauptpersonen des Ulysses von James Joyce bestimmte - historisch ortbare - Musiksprachen zugeteilt (welche jeweils wieder bestimmte intervallische und rhythmische Struktureigenschaften zeigen, welche ihrerseits wieder seriell oder statistisch geordnet sind - es geht bis ins kleinste Detail ganz ,,autonom zu!!); der Kosmos unserer europaischen Musikgeschichte wird sowohl dem Kosmos der Joyceschen Figuren (ihrerseits ,,geschichtstrachtig!) wie auch dem aktuellen musikalischen Bewusstsein zugeordnet, aber eben oft auch uber Kreuz, paradox, mehrschichtig, mehrdeutig ... Die Tatsache, dass diese spezifische Moglichkeit einer neuartigen Einheit von Sprache und Musik von den berufenen Musikologen noch kaum bemerkt worden ist, zeigt nicht nur deren Langsamkeit, sondern auch die Dominanz des ,,bildlosen Denkens in der - jetzt abgelaufenen - Phase der Neuen Musik.In meinen Holderlin lesen-Stucken ging es mir darum, Wege zu finden, die gewaltigen Sprachstrukturen Holderlins so in die zeitliche Form der Musik zu integrieren, dass sie Funktionen der musikalischen Form ubernehmen, ohne in ihrer Eigenkraft (sowohl akustisch wie auch im Sinne expressiver ,,Deutung) im geringsten geschmalert zu werden. Das hiess zunachst: Sprechen, nicht singen! - Aber das wurde nur bedeuten, dass es nicht um die Musikalisierung von Text geht; ebenso wichtig ist es, dass es auch nicht um melodramatisch ,,erzahlende Musik geht. Sondern: Zwei autonome Kunste durchdringen sich auf diaphane Weise, ohne sich zu uberformen oder auszuloschen; es handelt sich um einen Dialog, nicht um eine Vereinnahmung durch Hierarchisierung.Ein weiteres Thema, das in der musikalischen Diskussion der letzten Jahrzehnte zu kurz gekommen ist und deswegen jetzt neu am Horizont erscheint, ist die Rhetorik. Inwieweit kann musikalische Form nicht nur logisch bzw. syntaktisch, sondern auch rhetorisch verstanden werden? Rhetorik und Satztechnik z.B. hangen zusammen. Ich kann diese Problematik (die ich in meinem vierteiligen, abendfullenden Shir Hashirim ,,auskomponiert habe) hier nur andeuten.Musik steht zwischen Zahl und Wort; sie hat an beidem teil. So konnte sie das Zentrum der ,,Sieben Freien Kunste in alten Zeiten bilden ... (Heinrich Schutz sagte, dass sie zu diesen - also zu den mathematisch-astronomischen und den literarischen Kunsten - wie die ,,Sonne zu den Planeten sich verhalte.) Mir scheint, dass wir die Komposition seit 50 Jahren zu einseitig nur von der Zahl her definieren; sie hat geschichtlich ebenso viel mit Sprachstruktur zu tun. Wir konnen Neuland gewinnen, wenn wir als heutige Musiker dies neu durchdenken.Es handelt sich hier um meinen dritten Versuch einer Annaherung an das Problem einer ,,Verzeitlichung der Holderlinschen Texte d.h. einer Moglichkeit, diese Texte in einer Performance darzustellen: da die Musik das eigentliche Element der zeitlichen Darstellung ist, werden die Holderlinschen Worte mit Tonen konfrontiert.Im Fall von denn wiederkommen geht es um neun Zeilen aus Holderlins Patmos-Hymne. Je eine solche Zeile wird einem Formabschnitt der Musik zugeordnet (das Stuck ist also, wie meine Lo-Shu-Stucke, neunteilig). Die betreffende Zeile erklingt nicht nur einmal, sondern wird, in der gleichen Weise wie auch das musikalische Material, nach einem chaotischen Repetitionsprinzip mehrfach wiederholt.Auffallig ist ferner, dass fur jeden der neun Teile ein von einem der vier Quartettspieler festgehaltener ,,Grundton gewahlt wurde; durch diese orgelpunktartige Wirkung wird jeder der neun Teile zusammengehalten, und der Horer kann die langsame Bewegung der Grossform im unmittelbaren Horprozess mitvollziehen.Die neun Satze von Holderlin lauten:1. Furchtlos gehen die Sohne der Alpen uber den Abgrund weg auf leicht gebaueten Brucken...2. Sie horen ihn und liebend tont es wieder von den Klagen des Manns...3. Im goldenen Rauche bluhte schnell aufgewachsen mit Schritten der Sonne, mit tausend Gipfeln duftend, mir Asia auf, und geblendet...4. Gegangen mit dem Sohne des Hochsten, unzertrennlich, denn es liebte der Gewittertragende die Einfalt des Jungers...5. Wenn aber stirbt alsdenn, an dem am meisten die Schonheit hing...6. Eingetrieben war wie Feuer in Eisen das, und ihnen ging zur Seite der Schatten des Lieben. Drum sandt er ihnen den Geist und freilich bebte das Haus und die Wetter Gottes rollten ferndonnernd...7. Uber die Berge zu gehn allein, wo zwiefach erkannt, war einstimmig und gegenwartig der Geist...8. Und hier ist der Stab des Gesanges, niederwinkend, denn nichts ist gemein. Die Toten wecket er auf...9. Denn wiederkommen sollt es, zu rechter Zeit. Nicht war es gut gewesen, spater, und schroff abbrechend...(Hans Zender)CD:Salome Kammer (voice), Arditti String QuartetCD Montaigne MO 782094Bibliography:Nyffeler, Max: Fluchtpunkt Patmos. Hans Zenders Komposition ,,Denn wiederkommen. Holderlin lesen III, in: Neue Zeitschrift fur Musik 180 (2019), Heft 1, S. 44-47.ders.: Lesen, Schreiben, Horen. Zum Verhaltnis von Musik und Sprache bei Hans Zender, dargestellt an der Komposition ,,,denn wiederkommen`. Holderlin lesen III, in: ,,Ein Zeichen sind wir, deutungslos. Holderlin lesen, Ikkyu Sojun horen, Musik denken, hrsg. von Violetta L. Waibel, Gottingen: Wallstein 2020, S. 299-329Waibel, Violetta L.: Holderlin Lesen, Ikkyu Sojun Horen, Musik Denken, in: Festivalkatalog Wien Modern 29 (2016), Essays, pp. 196-198.Zenck, Martin: Holderlin lesen - seiner ,,Stimme zuhoren. Holderlin-Lekturen von Klaus Michael Gruber, Hans Zender und Bruno Ganz, in: Neue Zeitschrift fur Musik 172 (2011), Heft 6, pp. 25-29.Zender, Hans: Zu meinem Zyklus ,,Holderlin lesen, in: Mnemosyne. Zeit und Gedachtnis in der europaischen Musik des ausgehenden 20. Jahrhunderts, hrsg. von Dorothea Redepenning und Joachim Steinheuer, Saarbrucken: Pfau 2006, pp. 26-40.World premiere: Museum Island Hombroich, May 31, 1992.
SKU: M7.VHR-3518
ISBN 9783864341687.
Die kurzen Übungen in dieser Sammlung führen Kinder auf verspielte, fantasievolle Weise an eine umfassende und sorgfältig aufgebaute Technik und eine gesunde Haltung am Klavier heran. Zahlreiche Aspekte wie das Erlernen der Notennamen, ein erster Einstieg ins Notenlesen, das Entdecken der Klanglichkeiten verschiedener Fünf-Finger-Positionen, agogische und dynamische Differenzierung und die Förderung der eigenen musikalischen Kreativität werden berücksichtigt. Zu jeder Übung werden Varianten vorgeschlagen, sodass die 'Tiergeschichten' für die unterschiedlichsten Bedürfnisse angepasst werden können.
SKU: BR.PB-5411-07
World premiere: Graz (Steirischer Herbst), October 10, 1991
ISBN 9790004209837. 8.5 x 21.5 inches.
Getraumt wurde 1989/90 im Auftrag des Deutschen Musikrates komponiert und kann entweder von 36 Frauenstimmen oder 36 Mannerstimmen aufgefuhrt werden. Die Komposition verwendet isolierte Fragmente, die dem Gedicht ,,Nachtflug von Ingeborg Bachmann entnommen sind.Der Gedanke der kompositorischen Verwendung eines homogenen vokalen Klangapparats von vielen solistischen Stimmen, der ahnlich einem ,,Tausendfussler funktionieren sollte, d.h. trotz maximaler Individualisierung der einzelnen Glieder die Scharfe der zentralen Integration nicht verliert, war grundlegend fur dieses Werk. Nicht die Semantik, sondern die Klanglichkeit der Worter, deren Atomisierung, die assoziativen Verbindungen unterschiedlicher Partikel die Isolation und Hervorhebung einzelner Phoneme, standen bei der Komposition im Vordergrund. Die ,,ecriture der im Kreis um den Horer platzierten 36 Stimmen (in der Partitur auf 9 Gruppen zu je 4 Stimmen verteilt) versucht die auskomponierten Raume und die entsprechenden Klangwanderungen wie in einem ,,pulsierenden Ozean schwebender Klange maximal zu differenzieren. So gibt es z. B. in den Takten 50-53 der Partitur elf verschiedene Farbflachenarten, die sich verzahnen: 1) Farbmischung von: gesungen und geflustert auf ,,R 2) knarrende Stimme 3) Sprechgesang-Impulse in den extremen Lagen, so schnell wie moglich 4) Mischung von: a) Schnalzen in Richtung Gaumen, Mundstellung offen/zu, b) Lippengerausch ahnlich dem Gerausch eines Korkenziehers, c) Schnalzen in Richtung vordere Zahne, Mundstellung offen/zu, und d) knarrende Stimme 5) Pfeifimpulse 6) Pfeifen mit gleichzeitigem Sprechgesang, glissando 7) Pfeifen mit gleichzeitiger Singstimme, glissando 8) rhythmisiertes Alternieren von Schnalzen in Richtung vordere Zahne, Mundstellung offen/zu 9) Flustern mit Handvibrato 10) Singstimme auf ,,a 11) ,,Einatmen-Ausatmen-Impulse Das Schleudern der Gerauschpartikel durch den 36kopfigen Klangapparat beruht auch auf Kategorien visueller Dimension: dem Einbeziehen von Nahe und Weite, Linie und Flache, Oszillation und Stillstand, Richtungsanderung oder Pendeln der Klange. In letzter Konsequenz will die Komposition die Illusion eines expandierenden Klangraumes mit migrierenden Punkten und Figuren schaffen. So wird die Partitur zu einer ,,Landkarte der in Raum beweglichen ,,Klanglandschaft, die aus dem Zusammen- und Wechselspiel vieler filigranartiger, in sich geschlossener Klangfelder entstanden ist. Auch wenn grossere Blocke oder Flachen im Werk sich entfalten, deuten sie immer auf die Fluchtigkeit, die Instabilitat und Zerbrechlichkeit des Moments.CDs:ORF-Chor, cond. Erwin OrtnerCD cpo 999 290-2ORF-Chor, cond. Erwin OrtnerCD ORF MP 30/4 (30 Jahre Musikprotokoll Moderne in Osterreich 1968-1997)Bibliography:Hinterberger, Julia: Zwischen Sprachzertrummerung und Textkonservierung. Schlaglichter auf Adriana Holszkys Umgang mit literarischen Texten, in: Adriana Holszky, hrsg. von Ulrich Tadday (Musik-Konzepte, Neue Folge Heft 160/161), Munchen: edition text+kritik 2013, pp. 25-42.Kostakeva, Maria: Metamorphose und Eruption. Annaherung an die Klangwelten Adriana Holszkys, Hofheim: wolke 2013 (pp. 101f, 141-143).Petersen, Peter: ... getraumt von Adriana Holszky. Versuch uber ein Vokalstuck nach Ingeborg Bachmann, in: Adriana Holszky, hrsg. von Eva-Maria Houben, Saarbrucken 2000, pp. 44-54.World premiere: Graz (Steirischer Herbst), October 10, 1991.
SKU: BR.DV-31054
ISBN 9790200415438. 9 x 12 inches.
Zur Entstehung arteigener Originalliteratur fur jedes Musikinstrument sind mehrere Voraussetzungen notwendig: das neue Instrument muss spieltechnisch relativ ausgereift sein; Interpreten, die hohen kunstlerischen Anspruchen genugen, sind erforderlich; dem Neuen gegenuber aufgeschlossene Komponisten mussen die typischen Klangmoglichkeiten dieses Instrumentes erkennen und fur ihr Schaffen zu nutzen verstehen. Oft liegen die Wurzeln der Literatur - und da macht das Akkordeon keine Ausnahme - in der Folklore, oder man sucht mehr oder weniger erfolgreich Wege in die professionelle Musik, die sich aber nicht immer als asthetisch vertretbar erweisen, bis es zur Herausbildung eben jener eigenstandigen ,,Originalliteratur kommen kann. So musste auch das Akkordeon mehr als 100 Jahre warten, bis ihm durch Hugo Herrmanns ,,Sieben neue Spielmusiken 1927 der Weg in den Konzertsaal geoffnet wurde. Im folgenden Zeitraum schrieben die Komponisten in aller Welt eine unterdessen schier unubersehbar gewordene Zahl von Solo und Kammermusikwerken, fuhrten das Akkordeon in die Sinfonik und die Oper ein. Dabei versteht es sich von selbst, dass die Tonsprache der Gegenwart dominiert. Will der Padagoge seinen Akkordeonschulern jedoch eine musikalisch umfassende Allgemeinbildung vermitteln, ist er auf Transkriptionen, wie sie fur die Instrumente in allen Epochen der Musikgeschichte nachweisbar sind, angewiesen. Gerade die aktive Beschaftigung mit der Musik der letzten Jahrhunderte zeigt, wie sich ein Entwicklungsprozess in Europa vollzog, der z. B. das harmonische Klangempfinden der Wiener Klassik aus Ansatzen allmahlich vorbereitete, zur Blute brachte und wieder aufloste. Harmoniefolgen aus der Zeit vor Johann Sebastian Bach konnen uns heute ebenso fremd beruhren wie solche, die Komponisten unseres Jahrhunderts aufzeichneten. Wir erkennen, dass alle entstandenen Werte aus der Sicht formaler, polyphoner oder harmonischer Betrachtungsweise gewissermassen nur Durchgangsstation, Anregung fur weitere Entwicklungen sein konnen. Die vorliegende Sammlung mochte dem Akkordeonschuler eine musikhistorische Orientierung geben, welche sich auf die Bereiche beschrankt, die dem Akkordeon besonders entgegenkommen. Im Interesse der Vielfalt wurden kleine Formen bevorzugt, die typische Klangelemente ihrer Zeit enthalten. Meistens entstammen sie der sogenannten Gebrauchsmusik, welche sich ohnehin nicht an starre Besetzungsformen hielt und mehr oder weniger Bestandteil unterhaltender Musik war. Um einen moglichst anschaulichen Uberblick zu geben, wurden die Kompositionen chronologisch geordnet. Unvermeidbar war die deutliche Lucke aus der Zeit nach der Wiener Klassik. In den Werken aus dieser Zeit findet sich fast immer eine sehr starke klangliche Fixierung auf eine vom Komponisten bestimmte Instrumentation, welche eine Bearbeitung fur Akkordeon als asthetisch nicht vertretbar erscheinen lasst. Trotz dieser Einschrankung kann dieser Band praktisch als ,,Musikgeschichte fur den Akkordeonisten bis zum Beginn der Originalliteratur fur Akkordeon angesehen werden. Fast alle Stucke sind auf dem Standardbass-Akkordeon ausfuhrbar und von geringem Schwierigkeitsgrad. Nur wenige benotigen fur ihre Interpretation ein Instrument mit sogenannten Baritonbassen (Melodiebass-Manual). Solche sind dem professionell-interessierten Spieler vorbehalten, sollen dem konzertierenden Solisten Anregung zur selbstandigen Literaturauswahl nach Originalvorlagen geben, wie sie sich in den Kompositionen fur Orgel, Cembalo oder Klavier finden lassen. Helmut Reinbothe, Januar 1980.
SKU: HL.49037060
Im Baby Musikgarten und in der Musikgarten Phase I werden die beiden Klangstabe d' und a' als klanglich- rhythmisches Grundschlaginstrument eingesetzt. Das gemeinsame Singen und Begleiten mit den Klangstaben stellt eine willkommene Abwechslung in der Unterrichtsstunde dar. Jedes Kind darf spielen oder die Mutter spielt und das Kind hort zu - die Gruppe singt gemeinsam und patscht den Grundschlag. In der Musikgarten Phase II werden die Klangstabe zur Oktave erganzt und das erste motivische Melodiespiel kann beginnen. Das Palisonoholz gibt einen reinen Klang und die Grosse der Klangstabe helfen den Kindern in ihrer ersten 'Treffsicherheit'. Optimaler Klang und beste Verarbeitung sind die wesentlichen Eigenschaften der Palisono Klingenden Stabe. Damit qualifizieren sich diese Musikinstrumente besonders deutlich fur die Musikpadagogik und Musiktherapie.Passend dazu: Sonderschlagel fur Kinderhande (MH 400005), hier im Shop erhaltlich!Ebenfalls hier im Shop erhaltlich: Spieltablett fur bis zu 8 Klangstabe (MH 400052)!
SKU: M7.ART-42109
ISBN 9783866421097. German.
'Meine ersten Fingerübungen' wurde sorgfältig an das Konzept von 'Meine erste Klavierschule' sowie der Fortsetzungen 'Meine zweite Klavierschule' und 'Meine dritte Klavierschule' angepasst und stellt eine praktische Hilfe, aber auch sinnvolle Ergänzung dar. Die 46 enthaltenen Fingerübungen sind für das erste und zweite Unterrichtsjahr geeignet. Sie fördern Geläufigkeit, Beweglichkeit, Kraft und Ausdauer der Finger sowie die Koordination von rechter und linker Hand. Auch die oftmals vernachlässigten, schwächeren vierten und fünften Finger werden trainiert. Der durchdachte, logisch strukturierte Aufbau der kurzen Lektionen erleichtert das Lernen und motiviert darüber hinaus, ab der zweiten Hälfte des Buches, mit klang-effektiven Übungen. Die ersten Übungen in der C-Dur-Grundposition werden 'unisono' (beide Hände spielen die gleichen Töne im Abstand einer Oktave) gespielt. Sie bieten zudem die Möglichkeit das Notenlesen der 'ersten Töne' zu üben. Danach werden beide Hände im Bereich der Töne der C-Dur-Tonleiter unisono verschoben. Diese Vorgehensweise dient u. a. zur besseren Orientierung hinsichtlich der Tasten und der Notennamen. In der zweiten Hälfte des Buches sind die Fingerübungen überwiegend in den Grundpositionen der Tonarten A-Moll, F-Dur, D-Moll, G-Dur gehalten. Um die nötige Abwechslung zu schaffen und die Koordination der Finger, sowie die allgemeine Orientierung auf der Klaviertastatur noch intensiver zu fördern, wird nun weniger unisono gespielt. Die Übungen in Moll sind klanglich reizvoll, eher leicht zu spielen, jedoch effektiv und werden gerne geübt. Darunter sind auch Übungen, welche an Bekanntes aus Klassik und Rock/Pop erinnern. Da die Zeit für das Üben durch Schule oder Arbeit oftmals knapp bemessen ist, eignet sich das Konzept von 'Meine ersten Fingerübungen' hervorragend, um mit relativ kleinem Übeaufwand möglichst große Fortschritte zu erzielen. Dies führt rasch zu hör- und greifbaren Erfolgserlebnissen am Instrument.
SKU: BT.AMP-173-140
When writing his tuba concerto, Philip Sparke wanted to create a work which explored the many aspects of the instrument’s technical and vocal qualities but without resorting to caricature. The result is a concerto in two joined movements, which can both be programmed individually, that contains both many lyrical lines together with stunning virtuosic passages. An outstanding concerto that tuba players and brass band audiences alike will enjoy and applaud.De technische en lyrische eigenschappen van het instrument komen in deze compositie optimaal tot hun recht. De componist wilde er namelijk zeker van zijn dat het werk écht een concerto voor tuba zou worden en dat de muziek zou passenbij het instrument in de solistenrol. De solostem in het tweedelige Tuba Concerto bestrijkt bijna drieënhalf octaaf. Beide delen kunnen afzonderlijk worden geprogrammeerd: een langzaam deel en een scherzo.Philip Sparke schuf mit seinem Tuba Concerto ganz bewusst ein Stück, das der Tuba als Soloinstrument voll und ganz gerecht wird. Aus diesem Grund deckt die Solostimme fast dreieinhalb Oktaven ab und nutzt die technischen und klanglichen Qualitäten des Instruments voll und ganz aus. Das Konzert besteht aus zwei zusammenhängenden Sätzen, die beide einzeln aufgeführt werden können: einem langsamen Satz und einem Scherzo. Noten für eine Aufführung mit Tuba und Klavier sind ebenfalls erhältlich.Tuba Concerto est une œuvre de commande pour le facteur allemand Miraphone, spécialisé dans les cuivres. Philip Sparke a composé et dédié cette pièce Markus Theinert, un ami de longue date, qui en a assuré la création le 30 avril 2006 Sigmaringen en Allemagne accompagné par le Brass Band Oberschwaben-Allgäu.L’idée d’un concerto pour tuba a été longuement discutée entre le soliste et le compositeur dont le souci était de créer un véritable concerto développant un matériau parfaitement adapté au rôle solistique de l’instrument, sans tomber dans la caricature. Ainsi, la partie soliste couvre trois octaves et demie et exploite pleinement les qualitéstechniques et expressives de l’instrument.Tuba Concerto est une composition en deux mouvements joints qui peuvent également être joués séparément. Le premier mouvement débute lentement puis s’accélère progressivement. La cadence annonce la réexposition du matériel thématique initial. Le second mouvement, écrit en forme de scherzo, semble plus résolu mais chemine vers plus de légèreté. La reprise du matériel thématique initial offre une conclusion efficace et puissante.Ce concerto est également disponible dans une version pour Tuba solo et Brass Band (AMP 173-030) et Tuba solo et Piano (AMP 187-401).
SKU: HL.49008186
ISBN 9783795723644. German.
Sie ist die Konigin der Instrumente - nicht nur, was die Vielfalt ihrer musikalischen und klanglichen Moglichkeiten betrifft, sondern auch hinsichtlich des Reichtums an historischen und baulichen Formen. Die Orgel ist ein Instrument, das uber seine Funktion in Liturgie und Konzert eine grosse Zahl von Liebhabern in ihren Bann schlagt. Dieses Buch mochte drei Aufgaben erfullen: dem Liebhaber will es eine erste Einfuhrung sein, dem Fachmann aber zugleich eine ubersichtliche und konzentrierte Gesamtschau bieten. Drittens soll es als Unterrichtsmaterial dienen, sowohl fur den Orgelstudenten an Kirchenmusikschulen und Musikhochschulen als auch fur den Orgelbaulehrling an Fachschulen.Unsere Musikinstrumente' ist eine sorgfaltig edierte Reihe uber die einzelnen Musikinstrumente, ihren Bau und ihre Geschichte sowie die Entwicklung ihrer Spieltechnik. Alle Bande stammen aus der Feder fuhrender Musikologen und Interpreten. Alle Bande der Reihe haben das Format 19,0 x 21,0 cm.
SKU: M2.MOS-68513-11
ISBN 9790203772316.
Mitreissende und pulsierende Chormetrik, auf den Lobgesangs-Charakter des Psalms zugeschnitten, durchsetzt von ruhigeren, quasi archaischen Abschnitten, dazu eine vom Normalmass abweichende und klanglich aparte Besetzung: eine grosse Motette auf der Hohe ihrer Zeit, geschaffen von einem Chorleiter und Komponisten von europaischem Rang. Uber allgemein festliche Anlasse hinaus ist der Text (Es ist ein kostlich Ding) in den lutherischen Agenden und Perikopen den Tagen Johannes des Taufers, Johannes des Evangelisten und dem 15. Sonntag nach Trinitatis zugeordnet.
SKU: M2.MOS-42204-02
ISBN 9790203748205.
Die Sonate per il Campidoglio (Campidoglio = Platz des Kapitolhugels) sind eine Sammlung von Sonaten, die nach italienischen Landschaften betitelt sind. Sie sind - bis auf La Sacchetti - sechsstimmig. Auch wenn die Instrumente nicht immer eindeutig bezeichnet sind, ist in eine Blaserbesetzung anzunehmen; eine Ausfuhrung mit Streichern oder Blockfloten ist auch denkbar. Ein Tasteninstrument ist eine klangliche Bereicherung, kann aber je nach Umstanden entfallen. Formal erscheinen die Sonaten unitalienisch aufgebaut, weil sie stets mit einem langsamen Teil beginnen; vermutlich ein Hinweis auf ihre Verwendung fur feierliche Anlasse.
SKU: HL.49019304
ISBN 9790001187374. UPC: 884088924256. 9.0x12.0x0.089 inches.
Schon bei Ravel, Gershwin oder Strawinsky findet man die Verbindung des schwermutigen Blues-Charakter mit dem melodischen und klanglichen Duktus der Kunstmusik. Auf der Basis der bildhaften Formulierung 'I feel blue' (Ich fuhle mich traurig), die der weltlich-vokalen Ausdrucksform der Farbigen ihren Namen gibt, lasst sich eine direkte Brucke zum popularen Passionslied 'O Traurigkeit, o Herzeleid' schlagen. Wittrichs 'Choral-Blues' spielt mit jazz-typischen Harmoniefolgen (changes), triolisch gepragtem Groove mit charakteristischen Bordun-Stutzen und einer 'Lamento'-Grundstimmung, die sich melodisch in chromatisch fallenden Linien aussert. Das stereotype 12-taktige Blues-Schema bleibt dabei ausgeklammert. Ein wertvoller Beitrag zur Erweiterung des Orgelrepertoires, das sich seit einigen Jahrzehnten auch fur populare Musikformen aus Rock, Pop und Jazz in den Kirchenraumen geoffnet hat.
SKU: BR.EB-9021
World premiere: Basel, October 23, 2005Commissioned by IGNM Basel
ISBN 9790004183410. 9 x 12 inches.
Nachdem ich mich in den vergangenen Jahren mit dem Ort von Klangen im Raum beschaftigt habe, konzentriert sich diese Musik auf den inneren Raum von Klangen. In drei skizzenhaften Kompositionen wird ausgelotet, wie weit ein einzelner Klang gefachert werden kann, was seine innere Beschaffenheit und seine aussere Begrenzung ist. Unwillkurlich verschranken sich hier Harmonik und Zeit, verbunden mit der Frage, wie weit eine klangliche Facherung noch als Einheit wahrgenommen oder ab wann sie zu einem losgelosten Gebilde wird. So sind hier weniger die Innenraume eines Gebaudes imaginiert, klar umgrenzt von Mauern, sondern vielmehr jene Phanomene, die uberall entstehen konnen, wenn man innehalt und eine Beobachtung fixiert, die aus einer anderen Perspektive unbeachtet verrauschen wurde. (Isabel Mundry)World premiere: Basel, October 23, 2005 Commissioned by IGNM Basel.
SKU: HL.49015435
ISBN 9783795702762. 5.75x8.25x0.211 inches. German.
Das grosse Interesse, das die vorliegende Publikation gefunden hat, und die fortdauernde Nachfrage nach ihr bestimmten den Verlag dazu, das Buchlein in einer zweiten Auflage zu veroffentlichen. Dies gab dem Herausgeber die willkommene Gelegenheit, die einst auf noch immer unzulanglicher Grundlage gefertigte Zusammenstellung der Programme Wilhelm Furtwanglers an der Hand des jetzt wieder nahezu vollstandigen Archives des Berliner Philharmonischen Orchesters auf das Genaueste zu uberprufen.
SKU: HL.49045004
ISBN 9783795744809. UPC: 888680623692. 9.0x12.0x0.26 inches.
25 original compositions from three centuries which use the tonal and virtuosic range of the piano to represent water. Includes: Grieg: Sailor's Song * Heller: The Story of the Castle in the Sea * MacDowell: By a Meadow Brook * Mendelssohn: Venetian Gondola Song and more.
SKU: AP.1-ADV9024
ISBN 9783954810277. UPC: 805095090246. German.
Im Jazz und in der Popularmusik ist die Hauptaufgabe des Pianisten oder des Keyboarders, einen harmonischen und klanglichen Teppich zu bereiten und rhythmische Unterstützung für die anderen Musiker zu bieten.Zum Ausbau und zur Perfektion dieser Fähigkeiten bietet der Autor in diesem Buch/Audio-Set eine Fülle von Anregungen und über 100 Grooves in den verschiedensten Stilen: Funk, Pop, Boogie Woogie, Stride, Jazz, Samba, Bossa Nova, Salsa und Afro-Cuban.Die Audio-Dateien liegen online zum Download bereit (mittels Code im Buch).
SKU: M2.MOS-42204
ISBN 9790203747048.
SKU: HL.49015092
ISBN 9790001049641.
Diese Partitur ist auf Grund der Erfahrungen bei der ersten aus reiner Improvisation entwickelten Arbeit niedergeschrieben worden. Vorhanden waren nur die bereits komponierten Melodien, zu welchen bei der Einubung die rhythmischen und klanglichen Instrumentalgestaltungen - z. T. durch Erfindung der Kinder selbst - festgelegt wurden. Die Kantate soll ausschliesslich von Kindern als Tanzpantomime oder Schattenspiel aufgefuhrt werden. Eine szenische Darstellung ist nicht unbedingt erforderlich; wird sie jedoch vorgenommen, so muss beachtet werden, dass es sich weder um ein Ballett noch um eine Oper handelt. Der Grundzweck des Stuckes ist ein padagogischer; dies schliesst in keiner Weise die kunstlerische Ausgestaltung aus.' (Cesar Bresgen, Vorwort zur Partitur)Geeignet fur Kinder ab 6 Jahren.
SKU: BR.BHM-8619
ISBN 9790004650233. 5.5 x 5 inches. German.
1 2 3 KLAVIER ist eine Klavierschule fur 6-11-jahrige Kinder im Einzel-, Partner- oder Gruppenunterricht. Das Unterrichtswerk umfasst zwei Spielhefte, zwei Lehrerkommentare und eine CD.1 2 3 KLAVIER besticht aus 1 2 3 (und noch mehr) Grunden:Die Spielhefte fuhren mit charakteristischenStucken und einer grossen stilistischen Breite in die Welt des Klavierspielsein. Ob Dur, Moll, Kirchentonarten, Ganztonleiter, Blues-Tonleiter - mit 12 3 KLAVIER ,,ist Klavierspielen von Beginn an ein klangliches Erlebnis (Uben & Musizieren). Die Stucke bestehen aus leicht erfassbarenmusikalischen Strukturen und liegen gut in denFingern. Schon in den erstenStucken wird mit zwei Handen und mit Melodie und Begleitung gespielt. Dabeisind die Lieder in kindgerechter Singlage gesetzt. Zahlreiche Variations- und Improvisationsaufgabenwecken das kreative Potential der Spielerinnen und Spieler. Die Lehrerkommentare erlautern dendidaktischen roten Faden der Spielhefte, fuhren in die Methodik des Partner-und Gruppenunterrichts ein und geben detaillierte Anregungen fur mogliche Erarbeitungswege- auch im Einzelunterricht. Die CD bringt alle 79 Stucke aus Spielheft 1 und 2 zumKlingen: vielfaltige Charakterstucke, spannende KlangGeschichten, bekannteKinder- und Volkslieder, schwungvolle Tanze, klangvolle Improvisationen undfetzige Boogies.To the 1 2 3 KLAVIER HomepagePiano teaching in groups - big or small - is in! This new method gives group and individual teaching many new impulses and is ideal for 1 2 3 (and more) reasons. EB 8619 awarded the German Music Edition Prize 1995.
SKU: M7.VHR-1774
ISBN 9790201303789.
Klanglich reizvoll im neuem Gewand geben sie dem Akkordeonisten Gelegenheit, sein Können im Konzert und bei Wertungsspielen in lose aneinandergereihten Spielstücken unter Beweis zu stellen.Über die Freude an der eigenen Leistung hinaus ist ihm der Erfolg der Hörer sicher. Auch der Akkordeonlehrer wird diese Stücke begrüßen, die der so arg vernachlässigten anspruchsvolleren Literatur für das Standardbass-Akkordeon neuen Auftrieb geben.