6 Pièces (PAUSET BRICE)

Par PAUSET BRICE. Une première petite chronique. Depuis longtemps l'idée - la nécessité plutôt - d'en finir avec les belles architectures victorieuses, les solides métaphores, le confort du déjà connu, pour imaginer les conditions d'une musique sinon inimaginable, du moins, moins 'calibrée'. Ce morceau représente la première pièce d'un cycle que je me refuse donc à planifier comme tel, tant le sujet est par ailleurs rétif aux outils de la raison. Les larmes - en allemand : Tränen (NdE) nous concernent tous sans exception. Elles matérialisent l'expression de nombre de nos sentiments. Nous les produisons nous-mêmes, avec nos propres corps et elles nous déterminent dans notre fragilité, ou plus exactement dans ce que nous acceptons d'en montrer. Il s'agira donc plutôt d'une chronique en forme de dérive, sans plan et sans fondations, mêlant distanciation poétique, observation presque physiologique, dialogues et même autobiographie. On me dira qu'il est étrange pour un compositeur mâle (ou supposé tel) de se pencher ainsi sur un sujet si traditionnellement féminin. On m'a appris tout petit qu'un homme ne pleure pas - une faille de plus dans mon éducation: je pleure très facilement et pour toutes sortes de raisons. Difficulté de rester dans le sujet, et de ne pas glisser vers ses conséquences: ne pas parler de pleureuses, donc, mais songer à des 'larmes professionnelles' - et surtout ne pas s'appesantir sur les larmes de tristesse: je leur préfère celles produites par le rire, ou celles, fluides entre toutes, émanant de la joie de retrouver enfin un être cher. Le chant - en allemand : Gesang (NdE) promis par le dernier élément du titre est un chant 'en négatif'. Il m'est personnellement très difficile, très périlleux de parler en pleurant. Les larmes sont plus fortes que le discours et imposent leur propre rythme à la voix. Le parler devient alors, à travers les larmes, un chant étrange, involontaire: le timbre de la voix se modifie, son souffle se dévoile sous un jour inhabituellement sensuel, la scansion du verbe est comme conditionnée par le mètre des larmes, faisant intervenir de courts silences, le discours lui-même se prête plus volontiers à des redites, comme des refrains compulsifs. Il s'agirait donc d'une musique purement mélodique, dont la ligne n'existerait en tant que telle qu'à travers une collection de brisures, de trous d'air, de vexations - une musique dépourvue de masque. Brice Pauset / contemporain / Répertoire / Cor en Fa et Piano

Par PAUSET BRICE. Erstarrte Schatten (Symphonie VI) pour orchestre, six voix solistes et électronique, clôt le triptyque entamé par Der Geograph (Symphonie IV) pour orchestre avec piano principal, et Die Tänzerin (Symphonie V) pour orchestre. L'appareil orchestral est identique pour les trois pièces du cycle. Dans chacune des deux pièces précédentes, il s'agissait de faire entendre une musique confrontée à la question de sa propre représentation et, par conséquence, des impossibilités attachées à cette représentation. Un géographe hésitant à se représenter lui-même sur la carte du monde qu'il trace, la difficulté de penser les mouvements et les évolutions d'une danseuse parmi les autres mouvements planétaires et stellaires, ces deux exemples étaient au centre des réseaux de métaphores nécessaires à la construction des deux premières pièces. Dans Erstarrte Schatten, l'image célèbre des ombres de victimes pratiquement photographiées par la lumière nucléaire de l'explosion d'Hiroshima constitue le socle dramaturgique d'une musique de négativité et de paradoxes : traces ténues de la présence du disparu, entrée instantanée dans l'intemporel, mort sans deuil, sans corps, sans conscience. Le triptyque lui même, dans son mouvement dramaturgique, pourrait se résumer à la recherche graduelle d'une situation d'impossibilité dans la musique même : se débarasser progressivement de l'emprise des métaphores et imaginer une musique certes fondée sur le néant, mais pour autant sans renoncement ni ascétisme. L'electronique tentera, par la préférence donnée au traitement de substance sonores bruitées, de proposer une solution possible au problème des pièces d'orchestre avec électronique, souvent réduites au dialogue entre une masse orchestrale et de matériaux sonores pré-enregistrés qui n'ont généralement, de par leur texture, aucune chance de faire entendre leur voix vis-à-vis de l'orchestre : la prégnance culturelle de ce dernier s'impose presque inmanquablement à l'écoute. L'électronique sera centrée principalement sur les six voix solistes comme sources ponctuelles, ainsi que sur quelques zones sonores de l'orchestre comme sources diffuses (en particulier les cuivres et les cordes). Les traitements sonores appliqués à ces sources consisteront pour l'essentiel en frequency-shifting 'composé' (c'est à dire avec une évolution de la fréquence de modulation et une balance entre les branches positives et négatives constamment renouvellées dans l'écriture même), en l'usage de filtres résonants et dans une travail de spatialisation extrêmement articulé, faisant suite à ce que j'avais auparavant développé dans les deux Perspectivae Sintagma et dans la Symphonie III (Anima Mundi). Les moteurs de spatialisation étaient conçus de telle manière que les enveloppes de transfert, l'écriture rythmique, la transformation graduelle de la présence des haut-parleurs en tant que sources ponctuelles ou de 'taches spatiales', d'autres paramètres encore concouraient á une écriture de la spatialité au moins aussi articulée que le langage tellement riche de la musique instrumentale. Pour terminer, l'utilisation ponctuelle de matériaux sonores pré-enregistrés et préparés en studio (hybridations complexes, time-stretching variable, etc.) sera probablement nécessaire, en tant qu'appoint, mais ne remettra pas en cause l'idée de base consistant à maintenir une relation vivante et instrumentale, interprétative, de l'électronique vis à vis de l'orchestre et des voix. Brice Pauset / contemporain / Date parution : 2009-11-18/ Répertoire / Grand Orchestre, 6 Solistes et Electronique Live

Par PAUSET BRICE. Die Tänzerin (Symphonie V), écrite pour orchestre, constitue le deuxième moment d'un triptyque entâmé avec Der Geograph (Symphonie IV) pour orchestre avec piano principal, et qui se clôra l'année prochaine avec Erstarrte Schatten (Symphonie VI) pour orchestre, six voix et électronique. Déjà à l'oeuvre dans quelques oeuvres précédentes (Vita Nova (sérénades) notamment), c'est la question de l'impossible qui constitue le centre du projet - un impossible pensé non pas comme mot d'ordre concret (produire une musique impossible ne revêt finalement que peu d'intérêt), mais comme expérence de pensée conduisant à la construction de dramaturgies musicales brisées, inconfortables, quelquefois insolubles, mais qu'il faudra pourtant traduire musicalement. L'expérience de pensée, dans la pièce, consiste à imaginer le sentiment esthétique produit par les évolutions d'une danseuse sur scène, non pas observée depuis l'emplacement normal du public, mais, moyennant des moyens visuels peu ordinaires, depuis quelque lointaine planète. Se mêlent alors les mouvements proprement chorégraphiques de la danseuse aux mouvements de rotation de la planète sur laquelle elle évolue, de la planète autour du soleil, du soleil lui-même, du système qui l'entoure et ainsi de suite. Les questions posées touchent à l'esthétique (à quel échelle le sentiment esthétique cède-t-il la place à l'observation de phénomènes), et à la notion de focalisation (la danseuse est le plus petit élément de l'ensemble constitué, et représente pourtant le point central de focalisation quant a l'expérience esthétique). La consécution de sujets liés d'abord à la topologie géographique, dans Der Geograph, puis à la chorégraphie dans Die Tänzerin n'est pas le fruit du hasard. Il existait dans la France du dix-septième siècle une littérature poético-technique établissant explicitement un rapport fonctionnel et structurel entre ces deux techniques du mouvement (analytique dans un cas, synthétique de l'autre), rapport dont je vise à tirer un troisième terme dans Erstarrte Schatten, celui de la matière et de son absence. La musique que j'ai tiré de ces réflexions pour Die Tänzerin est bien sûr une solution parmi d'autres, ne se pliant à aucune injonction scientiste, et se refusant tout autant au discours subjectiviste. Le détail entre en collistion permanente avec les plus longues évolutions au sein d'un discours convoquant, le cas échéant, des archétypes culturellement déterminés. C'est par inclination naturelle que je porte une attention particulière au détail, et même aux phénomènes secondaires, généralement laissés pour compte. Dans la danse, les bruits résiduels me fascinent autant que les évolutions géométriques et les charges affectives des corps - frottements et chocs se retrouveront transposés, composés et mis en scène dans ma musique. Plus généralement, être moderne ne m'intéresse pas en tant que tel : la modernité est essentiellement un jugement porté a posteriori sur un moment de l'histoire, en aucun cas une attitude personnelle d'ordre prédicatif. La question reste donc celle de l'histoire, celle dont nous héritons à travers différents filtres idéologiques - celle, présente, vis-à-vis de laquelle nous sommes, que nous le voulions ou non, acteurs - celle, enfin, que nous rêvons. Le capitalisme est par essence facteur d'encombrantes surproductions. La captation de nos désirs et la construction raisonnée de désirs nouveaux permet de transformer ces surproductions en nouvelles marchandises indispensables. La culture ne fait pas exception à cette règle. J'ai bien conscience que ma musique (et les arts en général) ne pourront opposer une force suffisante pour freiner ce phénomène mortifère. En revanche, poser inlassablement les questions judicieuse, avec mes propres moyens et dans le contexte social et politique qui est le notre, vis-à-vis de cette situation, remplira mon souhait bien modeste de ne pas être considéré comme une sorte de 'parasite acceptable'. Brice Pauset / contemporain / Répertoire / Grand Orchestre

(...) L'accordéon est un instrument unique : ses claviers n'ont pas d'équivalent tant dans leur forme que dans leur ergonomie - c'est aussi un instrument à vent, mais sans embouchure qui le relierait aux poumons de l'instrumentiste - c'est un instrument à anches battantes, comme l'est la régale pour laquelle Monteverdi a prévu de tenir le continuo pour les moments les plus terrifiants de son Orfeo. Ce qui me fascine le plus, c'est la plasticité du réseau symbolique propre à la relation de l'instrument à son interprète : on tient l'accordéon contre son ventre, sur ses genoux, comme s'il s'agissait d'un enfant à qui l'on raconte une histoire le soir. Les mouvements symétriques, alternants évoquent chez moi le mouvement de balancier d'un berceau. Mais c'est aussi un instrument très violent dans l'athlétisme qu'il requiert de la part de celui qui le manipule, très violent, également, par la virtuosité qu'il peut dégager : une virtuosité méchante, macabre. C'est pour toutes ces raisons que la pièce que j'écris actuellement (l'encre des premières esquisses est encore fraîche) pourrait être décrite comme une collection de berceuses, chacune entendue du point de vue d'un jeune enfant expérimentant autant de moments oniriques, allant de l'extase aux cauchemars les plus traumatisants. Brice Pauset