Quatre Instants

Quatre Instants for Soprano and Orchestra is an arrangement of the composer's own Quatre Instants for Soprano and Piano and was commissioned by the Finnish Chamber Orchestra Association and the Leipzig Gewandhaus. Thefirst performance took place at the Tammisaari Summer Concert Festival Finland in August 2003 given by Karita Mattila Soprano and conducted by Jukka-Pekka Saraste.

On lira avec fruit le texte de Vincent Friberg en exergue de sa Sonate et intitulé ' Instants magiques '. Les quatre mouvements de cette sonate devraient, pour ses exécutants, leur faire vivre ces instants magiques que représente l'interprétation d'une musique agréable et délicate qui passe par une romance et se termine par un Allegro furioso mais d'une furie qui reste bon enfant. / Hautbois

Dans cette oeuvre fascinante en quatre tableaux joués sans interruption le compositeur japonais Hayato Hirose (1974) nous fait entrer dans le monde imaginaire d?un pirate qui rêve de partir pour l?Île au Trésor. Nous assistons aux préparatifs et au départ du voyage. Un festin en pays lointain nous fait goûter de nouvelles couleurs musicales. Après quelques instants mélancoliques au clair de lune l?ouragan se déchaîne. L?Île au Trésor est enfin en vue ! Cette oeuvre pleine de suspense et d?aventure fera le bonheur des musiciens et des auditeurs.

Dans cette oeuvre fascinante en quatre tableaux joués sans interruption le compositeur japonais Hayato Hirose (1974) nous fait entrer dans le monde imaginaire d?un pirate qui rêve de partir pour l?Île au Trésor. Nous assistons aux préparatifs et au départ du voyage. Un festin en pays lointain nous fait goûter de nouvelles couleurs musicales. Après quelques instants mélancoliques au clair de lune l?ouragan se déchaîne. L?Île au Trésor est enfin en vue ! Cette oeuvre pleine de suspense et d?aventure fera le bonheur des musiciens et des auditeurs.

Discipline / Instrument : voix, ensemble et électronique Nomenclature : S / Hc / T / B / fl / hb / cl / hp / clav / perc / vlc / electr. Durée : 17' Genre : Contemporain Média : Partition Editeur : Lemoine Date de parution : 17/05/2010 Librettiste : Poèmes de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) Commanditaire : Ircam-Centre Pompidou et Ars Musica Création : 07/06/2010 - Paris, Festival Agora, Centre Pompidou - Ensemble vocal Exaudi, l'Instant Donné, Daniel Lévy (mise en espace), Sébastien Roux (Réalisation informatique musicale, Ircam) ISBN / ISMN : 9790230988889 Notice Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les ciels acoustiques, l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce pays-cantate qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à la question de Dieu et au décor planté dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un décor sonore) est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. God's Grandeur Cette cantate, d'après quatre poèmes de Gerard Manley Hopkins, forme un moment suspendu, découpé selon des unités poétiques auxquelles correspondent ce que j'ai appelé des ciels acoustiques, sortes de monochromes électroniques, cyclos sonores minimaux sur lesquels les voix et les instruments se posent : basse fréquence, ou hyper aiguë, impression sonore de ciel étoilé, bruit de vaporetto au loin, etc. Le son peut sembler parfois comme un léger parasite qui entame l'écoute. Un petit clavier de verre dialogue avec des échantillonnages d'orgue véritable. C'est la plus hiératique, la plus chantée et récitative, la plus sombre aussi des trois cantates. Gérard Pesson

Par CONNESSON GUILLAUME. Vingt ans après ma première sonate pour flûte et piano Le rire de Saraï, cette deuxième sonate n'est pas sous-tendue cette fois par une narration, son sujet est simplement le plaisir de chanter. Elle se présente en quatre mouvements contrastés, Modéré ? Vif ? Lent ? Très Vif et Joyeux. Le premier mouvement, calme et lyrique, est de forme ternaire. Une douce mélodie se développe en arche et mène à un pont sur la tête du thème. Une deuxième idée commence, haletante, portée par un crescendo passionné. La mélodie du début revient ensuite dans une couleur plus claire, soutenue par de doux carillons au piano. Le deuxième mouvement, le plus développé de la sonate, est très rapide et d'esprit scherzo. Bâti en cinq sections, il commence par le motif principal du mouvement à la flûte, tout en vitesse et légèreté. Le deuxième thème, autoritaire et vertical, est donné par le piano. Une deuxième section, plus lente, rappelle l'esprit du premier mouvement. Puis la course folle reprend alors en combinant les deux premiers motifs. La quatrième section retrouve le calme lyrisme de la deuxième, un instant de suspension du temps avant le retour du vertige de la vitesse qui s'évapore de manière inattendue. Le troisième mouvement, d'un seul tenant, lent et hiératique, est une déploration funèbre qui oppose le minéral du piano au mélismatique douloureux de la flûte, devenue une sorte de aulos grecque. Le cortège passe devant nous, empli de cris douloureux et de sanglots, puis se fond dans la nuit. Enfin, le Final expose au piano un thème d'accords, qui servira de refrain varié, puis la flûte bondit avec deux motifs rythmiques très joyeux. Commence alors une récapitulation de tous les thèmes de la sonate, entrecoupés du thème d'accords. À la fin, un nouveau thème au lyrisme exultant apparaît. Il sera suivi par une coda endiablée sur le thème de refrain devenu frénétique. / Date parution : 2023-07-31/ Répertoire / Flûte Traversière et Piano