O Sapientia

The antiphon 'O Sapientia' (with a text from the Old Testament Book of Wisdom) bears testimony to Pawel Lukaszewski's genuine artistry and to his fascinating very individual musical imagination as an academic composer (hestudied composition at the Music Academy in Warsaw where he is a lecturer at present) as well as to his vast knowledge and profound understanding of the immense wealth of choral church music tradition. He is a man deeplyinvolved in the development of new liturgical music the organiser of an association a competition and a festival of sacred music as well as founder of a choir in one of Warsaw's two cathedrals. 'O Sapientia' is neither eclecticnor experimental – it is rather a mature continuation of the tradition on the highest artistic level.For unaccompanied SATB chorus (with divisions) with a Piano accompaniment for rehearsal purposes.

Le nouvel album de Florent Pagny comprend 11 titres d'une diversité déconcertante. De 'Là où je t'emmènerai' sublime ballade et premier single, à 'Vivons la paix' en passant par 'Comme l'eau se souvient' ou 'À tout peser à bien choisir'... / Variétés / Partition / Agrafé /

La référence SC0082 de l'éditeur Billaudot dont l'auteur célèbre est Goublier Gustave, qui a pour titre DE SA MERE ON SE SOUVIENT TOUJOURS, a été écrite et composée pour Chant/Vocal/Choeur et plus particulièrement pour Chant. Cette partition musicale appartient à la catégorie Classique. / Chant / Partition

Conducteur et 5 parties séparées 1 toccata a vl e b.c. o spinetta sola, 2 toccate e 1 sinfonia a vl, spinetta concertante e b.c., 1 toccata a 2 vl, spinetta concertante e b.c., 4 sinfonie a 2 vl, violone e b.c., 1 sinfonia a 2 vl e b.c.

9 Pieces by Frederic Chopin-Nine Pieces by Frédéric Chopin for Piano Solo. Our piano solo collection contains nine Chopin pieces featured in Roman Polanski's Oscar-winning film adapted from the autobiography of composer and pianist Wladyslaw Szpilman a Polish Jew who detailed his survival during World War II. Pieces include: Andante spianato Op. 22 · Ballade No. 1 in G Minor Op. 23 · Ballade No. 2 in F Major Op. 38 · Mazurka in A Minor Op. 17 No. 4 · Nocturne in C-sharp Minor (1830) · Nocturne in C Minor Op. 48 No. 1 · Nocturne in E Minor Op. 72 No. 1 · Prélude in E Minor Op. 28 No. 4 · Waltz No. 3 in A Minor Op. 34 No. 2.

Best Of 50 Titres P/V/G de Brassens Georges : La compilation ultime et illustrée des plus grandes chansons de l'artiste D?aussi loin que je m?en souvienne, Georges Brassens a fait partie de ma vie. Quand j?étais enfant, mes parents l?écoutaient avec respect mais c?est surtout ma soeur, une inconditionnelle de la totalité de son oeuvre, qui m?a fait l?aimer. À la maison, elle passait ses disques en boucle et ainsi, ses chansons m?accompagnaient tout au long de la journée (Patrick Moulou). C?est dans ces termes que chaque français de tout âge se souvient du grand Georges Brassens. Retrouvez 52 titres incontournables d?un des artistes majeur de la chanson française transcrits le plus fidèlement possible en respectant les accords joués par l?artiste, des anecdotes exclusives, des photos et des gravures originales. Un ouvrage essentiel pour tous les fans de tous les âges.

(Fanfare and Allegro)-Commissioned for the 100th anniversary of the Calgary Stampede Showband of Calgary Alberta Samuel Hazo has created a stunning and inspired work for mature players. The title (taken from the Latin phrase “JubilateDeo”) is indicative ofthe pervading sense of ceremony and jubilation. Bookended with a broad and powerful fanfare the exuberant allegro section features a spirited pulse with mixed meters and soaring melodies. Adynamic percussion score is inherent throughout thework all the way to the dramatic finish. Dur: 5:00

Après huit éditions successives de Nouvelle Star, on se souvient seulement de Julien Doré et Christophe Willem, des « artistes révélés » dont le talent intrinsèque a été largement dépassé par l?aura d?une personnalité réelle. Amandine fait partie de ce cercle fermé d?artistes que l?on n?oublie pas et dont l?attente du public se faisait ressentir. Voici donc, le premier album de la gagnante 2008 de l?émission, Amandine Bourgeois. Un album entre Folk et Rock dont elle a écrit et composé 9 des 14 chansons qui le compose. 5 artistes de talent ont offert une chanson chacun (Rose, Ariane Moffatt, Jeanne Cherhal, Ludéal et Joseph d?Anvers). Un album très féminin, décrivant avec brio les rêves, questionnements et délires de la gent féminine. Retrouvez l?intégralité des chansons en partition Piano voix et Diagrammes guitare, ainsi que 3 chansons en Tablatures. / Variétés / Partition /

Tout le monde se souvient du Troisième Homme (1949) et de cette étrange et fascinante musique qui fut la révélation du film. Anton Karas (1906-1985) son compositeur et interprète traversa le monde du spectacle comme un véritable météore. Sa bande originale jouée à la cithare lui apporta la gloire et la richesse. Le thème du film se classa durant onze semaines en tête des meilleures ventes de disques aux États-Unis entre avril et juillet 1950. Le film fut couronné du Grand prix du Festival de Cannes 1949 et de l?Oscar de la meilleure photographie 1951.

Par PESSON GERARD. Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les 'ciels acoustiques', l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce 'pays-cantate' qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à 'la question de Dieu' et au 'décor planté' dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un 'décor sonore') est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. God's Grandeur Cette cantate, d'après quatre poèmes de Gerard Manley Hopkins, forme un moment suspendu, découpé selon des unités poétiques auxquelles correspondent ce que j'ai appelé des 'ciels acoustiques', sortes de monochromes électroniques, cyclos sonores minimaux sur lesquels les voix et les instruments se posent : basse fréquence, ou hyper aiguë, impression sonore de ciel étoilé, bruit de vaporetto au loin, etc. Le son peut sembler parfois comme un léger parasite qui 'entame' l'écoute. Un petit clavier de verre dialogue avec des échantillonnages d'orgue véritable. C'est la plus hiératique, la plus chantée et récitative, la plus sombre aussi des trois cantates. Gérard Pesson / contemporain / Répertoire / Voix, Ensemble et Electronique

Par PESSON GERARD. Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les 'ciels acoustiques', l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce 'pays-cantate' qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à 'la question de Dieu' et au 'décor planté' dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un 'décor sonore') est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. Gd Mmré La troisième cantate, qui utilise le tutti des instruments et des voix, est sur un texte d'Elena Andreyev (poète et par ailleurs musicienne), Gd Mmré, dont j'ai réalisé, avec son accord et son aide, un découpage. C'est un théâtre choral où la voix parlée, chantonnée (les comédiens Valérie Blanchon et Christophe Brault), donne une dimension dramatique à ce texte convoquant tant d'images, toujours sous la forme d'une introspection ardente, d'un traveling intense, parfois ironique, distancé, souvent questionneur. L'électronique feuillette ici la polyphonie des voix et des paroles - elle dispose les décors nombreux appelés par le texte, qui sont des doublures en plis vifs et cassés, elle ouvre des pistes, qui sont parfois des leurres. L'électronique est la maladresse des mots, sa fragilité digitale. Elle rêve tous les timbres qu'elle synthétise ou qu'elle commente de façon moqueuse, elle 'échantillonne' les résidus de la parole et du souffle, elle s'instille en échos menaçants. L'électronique est le pied de côté, la rime subsidiaire, le sous-titrage asynchrone de ce Grand Murmuré. Gérard Pesson / contemporain / Répertoire / Voix, Ensemble et Electronique

Avec cette collection de 30 compositions originales populaires et d'arrangements pour piano, Schott présente une sélection des ?uvres de Frédéric Chopin qui ravira tous les pianistes. Outre le Prélude de la goutte d'eau et des pièces d'enseignement populaires, le volume contient également des arrangements des deux célèbres concertos pour piano en mi mineur et en fa mineur, de la Krakowiak et bien d'autres. Tous les morceaux sont de difficulté moyenne et ont été complétés par des doigtés ainsi que des suggestions de métronome. Ce recueil, imprimé dans un style moderne et agréable à lire, est recommandé non seulement pour l'enseignement, mais aussi pour tous ceux qui jouent du piano en tant que hobby.Polonaise g-Moll BI 1Polonaise B-Dur BI 3Polonaise As-Dur BI 5Prelude e-Moll op. 28/4Prelude h-Moll op. 28/6Prelude Des-Dur op. 28/15Prelude A-Dur op. 28/7Walzer a-Moll op. 34/2Walzer a-Moll BI 150Walzer Des-Dur op. 64/1Walzer h-Moll op. 69/2Mazurka fis-Moll op. 6/1Mazurka B-Dur op. 7/1Mazurka a-Moll op. 7/2Mazurka F-Dur op. 68/3Nocturne B-Moll op. 9/1Nocturne Es-Dur op. 9/2Nocturne cis-Moll BI 49Trauermarsch aus der Sonate b-Moll op. 35Etüde E-Dur op. 10/3Etüde f-Moll op. 25/2Fantasie-Impromptu cis-Moll op. posth. 66Klavierkonzert Nr. 1 e-Moll op. 11Klavierkonzert Nr. 2 f-Moll op. 21Krakowiak F-Dur op. 14Introduktion und Polonaise brillante C-Dur op. 3Andante spianato et Grande Polonaise Es-Dur op. 224. Satz aus Klaviertrio g-Moll op. 83. Satz aus Sonate für Violoncello und Klavier g-Moll op. 65Der Wunsch op. 74/1Der Frühling op. 74/2Melancholie op. 74/13 / Piano / Schott